Средневековое западноевропейское искусство как особая ступень ми­рового художественного развития

Средневековая Европа оставила великие памятники художественной культуры. Европейские города украшают многочисленные памятники архитектуры (соборы, монастырские ансамбли, замки, ратуши и т.д.) романского и готического стилей. Замечательные произведения фресковой и станковой живописи составляют славу многих музеев. В мировой культурный фонд вошли великолепные образцы средневековой иконописи, витражного искусства, скульптуры, книжной миниатюры. Величайшую художественную ценность представляют произведения средневековой литературы - рыцарские романы, поэзия трубадуров, лирика вагантов и непревзойденное творчество Данте Алигьери, последнего поэта Средневековья и первого поэта эпохи Возрождения. Культура Средневековья была противоречивой, как и сама эпоха. Поэтому ее нельзя оценить однозначно. Она имела темные и светлые стороны, несла в себе прогрессивные и реакционные явления, но, безусловно, была важной ступенью развития мировой культуры.

Средневековая эпоха охватывает более тысячелетний период господства феодализма. Великое переселение народов. Постоянные войны. 410 г. Рим разграбили германские племена. 455 год Римская империя перестала существовать. Западная римская империя пала; Византии предстояло существовать еще тысячелетие.

Наступило Средневековье – историческая эпоха, следующая за Древним миром и предшествующая Возрождению, - продолжавшееся почти 10 столетий. Великое переселение народов стало одним из источников культуры Средних веков наравне с поздней античностью.

Термин «средние века» в 15 веке ввели итальянские гуманисты эпохи Возрождения. Это время отделяющее Новое от классической древности. Выделяют Ш периода Средневековья: Ранний: 5 в.-10 в., Зрелый 10 в. - кон. 15 в., Поздний 15 в. - 1-ая пол. 17 в.

Средневековая культура заложила основы культурной общности Европы, тогда сложились современные европейские языки, новые государства, открыты новые земли. Ср. культура сложилась на основе синтеза античности, христианства и духовного развития германских племен. Гл. роль сыграло христианство.

Особенности: символизм и аллегория, обобщенность, универсализм, анонимность произведений искусства. Важной чертой является теоцентризм (господство религиозного мировоззрения). Христианство отвергала античную художественную культуру. В греческих и римских статуях оно видело язычество, которое надо уничтожать. Роль Бога Творца. Человек - раб Божий. Страх перед наказанием, покаяние и пострижение в монахи. Создано учение о начале и конце мира, о греховности человека и Страшном суде. Мир делится на две части Земной и Небесный. Из этого исходила символики сред. искусства - скрытый смысл реальных предметов и явлений. В человеке тоже два начала - тело и душа. Душа первенствует над телом. Усмирение полоти - высшая добродетель, идеалом человека были монахи, аскеты. Основной язык - латынь.

Плодотворное воздействие на формирование искусства западной Европы оказало искусство христианского Египта, народов передней Азии. Однако интерес к античности не иссяк. От античности: кроме христианства зап.евр. средневековье восприняло и многие художественные формы, и иконографию, в котором утверждался образ страдающего, но возвеличенного человека - Христа. Сохранен авторитет античных философов, поэтов, ораторов. От античности перенята риторика и система образования (семь свободных искусств: грамматика, диалектика, риторика, арифм., геом., музыка, астроном.). Новая система образования - монастырское. В архитектуре разрабатывался тип римской базилики. От варваров приняли предметы прикладного искусства: красивую посуду, оружие, фабулы, пряжки, застежки. Высокая техника обработки металла, кожи. В произведениях искусства варваров предпочтение отдавалось орнаменту. «Звериный «стиль - орнамент, который состоит из растений, фантастические животных, зверей и птиц. Имели магический смысл. В дальнейшем узоры перенесли на украшение книг. От них же переняли фольклор, обычаи, особенности мировосприятия. Героический эпос древненемецкого, ирландского, скандинавского народов. В народном сознании жили дохристианские мифы, культы и они проникали даже в церковь. Фольклор стал основой героического эпоса, это мы видим в религиозной литературе (апокрифы, жития святых, назидания, «видения). В ирландскую и английскую миниатюру проникали образы ирландских саг (былин), кельтские языческие символы, они встречаются в изображении святых.

Популярный жанр в литературе - жития святых. Образец архитектуры - собор. Распространенный жанр живописи - икона.

Для архитектуры и изобразительного искусства характерна ансамблевость. Монументальные формы живописи (фреска, мозаика) стали вытесняться станковыми, на котором закреплялся холст. В скульптуре и живописи выделяется жанр портрета. Ведущее место занимала скульптура. Развивается резная деревянная скульптура, прокладываются пути к жанрам европейской живописи Нового времени - пейзажу, интерьеру, бытовому жанру.

Все искусство этого времени подчинено религиозному культу, воспроизводило образы не реального, а потустороннего мира. Искусство не выражало радость земного бытия, оно располагало к глубокому размышлению и молитве. Передавало типичное, общее.

Вывод: средневековая Европа оставила великие памятники культуры. Рыцарские романы, поэзия трубадуров, иконопись, витражи. Мавзолей Теодориха в Равенне, Храм Сан-Витале в Равенне, Церковь Нотр-Дам ла Градн в Пуатье, Романские соборы в Вормсе, Майнце, Архитектурный ансамбль в Пизе, Собор Нотр-Дам в Париже, Тауэр а Лондоне, Собор в Милане, Палаццо Дожей в Венеции, Повесть о Тристане и Изольде.

24.Готика - высшая ступень средневекового искусства. (13 -14вв).

Готика – следующая ступень в развитии средн. ис-ва. Этот термин возник в 16 веке среди теоретиков итальянского Возрождения, для обозначения всего, что не относится к классическим, античным образцам, по их мнению уродливого. Сейчас – готика это период с 13 по 14 века. В различных европейских странах Готика имела свои характерные особенности и хронологические рамки, но ее расцвет приходится на 13-14 вв. В истории искусств принято выделять: раннюю (посл. треть 12 в. –? 13 в.); зрелую или высокую (с 20-х г. 13 в.- до конца 13 в.); поздняя или пламенная (14 в. -15 в.).

Для стиля характерно: легкость, ажурность, устремленность к небу, к Богу, стрельчатые арки. Возросла роль монархий, власть перешла в руки королей. Монастыри теряют власть. Города стали независимы. В городах располагались дворцы аристократов, резиденции высшего духовенства, церкви, монастыри, университеты. Центром общественной жизни среднев. города стала ратуша ( здание город. самоуправления) и собор (крупный христианский храм). Ратуши 2-х этажные здания с башней – символ свободы города. Соборы должны были вмещать все население города. перед ними выступали проповедники, устраивались театрализованные представления. Строили соборы городские мастера (не монастырские, как прежде).

Сами горожане часто являлись заказчиками или создателями произведений искусства для украшения соборов.

Готические соборы значительно отличались от монастырских церквей романского периода: романская церковь тяжеловесна и приземиста, готи­ческий собор лёгок и устремлён ввысь. Это связано с тем, что в готической архитектуре стали использовать новую конструкцию сводов. Если в роман­ской церкви массивные своды покоятся на толстых стенах, то в готическом соборе свод опирается на арки, а те в свою очередь - на столбы. Боковое давление свода передаётся аркбутанам (наружным полуаркам) и контрфор­сам (наружным опорам, своего рода «костылям» здания). Такая конструк­ция дала возможность уменьшить толщину стен, увеличить внутреннее про­странство здания. Стены перестали служить опорой свода, что позволило проделать в них множество окон, арок, галерей. В готическом соборе ис­чезла ровная поверхность стены, поэтому стенная роспись уступила место витражу - изображению, составленному из скреплённых между собой цвет­ных стёкол, которое помещали в проём окна. Внутри и снаружи собор ук­рашало множество статуй и рельефов.

Скульптурное и живописное убранство соборов, выполненное на рели­гиозные и светские сюжеты, несло в себе систему взглядов и представлений, которыми должны были руководствоваться в своей повседневной жизни лю­ди Средневековья. В застылось и замкнутость пришла подвижность, фигуры обратились к зрителям. Показывали реального человека, без обобщений

В романском храме отдельные его части чётко разграничивались, в го­тическом — границы между ними стёрлись. Пространство собора - создавало образ небесного мира, воплощал мечту о чуде.

В готический период изменился образ Христа - на первый план выдви­нулась тема мученичества: готические художники изображали Бога скорбя­щего и страдающего, принявшего муки на кресте за грехи человечества. Го­тическое искусство постоянно обращалось к образу Богоматери - заступницы и просительницы за людей перед Богом. Культ Богоматери сло­жился практически одновременно с поклонением прекрасной даме, харак­терным для Средневековья. Нередко оба культа переплетались, и Богоматерь представала в облике прекрасной женщины. В то же время сохранялась вера в чудеса, фантастических животных, ска­зочных чудовищ. Их изображения встречаются в готическом искусстве так же часто, как и в романском в виде скульптур химер.

В 13-14вв. наряду с церковными книгами, богато иллюстрированными, получили распространение часословы (сборники молитв), романы, исторические хроники. На их страницах помещались сцены светских увеселений, рыцарских турниров, крестьянского труда. Все обрамлялось изящным орнаментом из цветов и трав.

В разных странах готический стиль имеет своеобразные черты. Во Франции – на родине готики – произведения этого стиля характеризуются ясностью пропорций, чувством меры, четкостью, изяществом форм. В Англии они отличаются тяжеловесностью, перегруженностью композиционных линий, сложностью и богатством архитектурного декора. В Германии готика получила более отвлеченный, мистический, но страстный по выражению характер. В Испании готические формы обогатились элементами мусульманского искусства, привнесенного арабами. В Италию проникли лишь отдельные, преимущественно декоративные элементы готики. Но в 14 в. готика распространилась в Италии повсеместно. Пламенеющая готика достигла своего высшего завершения в Миланском соборе.

Франция. Готическое искусство первоначаль­но возникло и развивалось во фран­цузской провинции Иль-де-Франс (центре королевских владений). Характерные черты ранней готи­ки воплотились в главном соборе столицы Франции - Нотр-Дам де Пари (Парижской Богоматери). Заложен в 1163 г., но его строи­тельство продолжалось до XIV в. Нотр-Дам де Пари представляет собой базилику (длина 129 м, состоит из 5 продольных нефов и 1попе­речного – трансепта). В храм ведут три входа-портала, обрамлённых уходящими в глубину арками; над ними находятся ниши со статуя­ми - так называемая «королевская галерея» (изображение библейских царей и французских королей). Центр западного фасада украшает окно-роза, а над боковыми порталами вытянулись вверх окна под стрельчатыми ар­ками. На башнях собора располагаются скульптуры фантастиче­ских чудовищ - химер.В Нотр-Дам де Пари соединились черты романского и готического стилей. Массивные башни фасада характерны для романской архитек­туры, в то время как крестовый свод, опирающийся на арки, использова­ние аркбутанов и контрфорсов, стрельчатых арок и множества окон - черты, свойственные готи­ческому искусству.

Собор в Шартре (XII—XIV вв.) считается одним из красивейших в Европе. «Королевский портал» собора в Шартре - яркий образец готической скульптуры. Собор в Шартре славился также своими витражами. К выдающимся произведениям зрелой готической архитектуры от­носится соборы и Реймсе и Амьене. Собор в Реймсе ( 1211-1330 гг.), где короновались французские коро­ли, - величественный памятник ко­ролевской власти и могуществу. Собор в Амьене (1218-12б8 гг.) - длиной 145 и высотой 42,5 мет­ра - самый крупный во Франции.

На 14-15 вв. приходится завершающий этап средневекового искусства во Франции. Этот период получил наименование поздней, или «пламенеющей» готики: линии самых разных изображений приобрели форму языков пламени, широко использовались криволинейные формы, сложный рисунок, ажурный орнамент. Руанский собор, аббатская церковь Мон-Сен-Мишель.

Германия. Соборы и ратуши здесь стали центрами готическо­го искусства. Широкое распространение в Гер­мании готика получила в первой по­ловине XIII в. Готические соборы в Германии значительно отличались от французских. Желая как можно ярче передать стремление человече­ского духа к небесам, немецкие ар­хитекторы резко увеличили высоту сводов, увенчав их башенками со шпилями. Особенно роскошно укра­шали западные фасады соборов с одной или двумя высокими строй­ными башнями. Как правило, здесь не было наружных полуарок (аркбу­танов); не встречались и окна-розы, вместо них использовали стрельча­тые окна.

Памятниками готической архи­тектуры Германии являются соборы в Марбурге, Наумбурге, Фрейбурге, Ульме и других городах.

Выдающееся произведение гер­манской архитектуры - собор в Кёльне (1248 г. - XIXв.). Здание высотой 46 м, укра­шенное множеством арок, шпилей, ажурной резьбой, стрельчатыми окнами.

Скульптура Германии, как и в романский период, в основном укра­шала не фасады, а внутренние поме­щения храмов. Произведения гер­манской готической скульптуры по сравнению с французской менее изящно и тонко исполнены. Убранство собора в Бамберге - здесь находятся многочисленные релье­фы, а также фигура Всадника - одна из самых загадочных статуй Средних веков. Неизвестно, кого изображает эта скульптура - императора Карла Великого, импе­ратора Отгона или просто христи­анского воина.

Англия. Шла своим путем. Готическая архитектура с 12 в. имеет национальное своеобразие. Английские соборы строили на земля монастырей, а не в городе. Особенность: наличие двух трансептов, один короче другого (Кентерберийский собор, соборы в Линкольне, Солсбери 13 век). Английские соборы строились в высь (до135м) и вширь. В декоративном интерьере – цветовые контрасты между различными породами камня. Башня воздвигалась над междокрестием. Место коронации англ. королей - гл. собор Вестминстерского аббатства в Лондоне - похож на французский тип.

Испания. Находится под сильным влиянием мавританской (арабской) архитектуры, поэтому присутствует пышность, декоративность. Соборы в Леоне, Бургосе, Толедо. Италия. Итальянская культура была более светской, чем религиозной. В Италии распространились только элементы готики: стрельчатые арки, «окна-розы». Основа архитектурыры оставалась романской. Готические соборы Италии поражают «неготическими» особенностями: соборы Флоренции – Санта Кроче, Санта Мария Новелла, Санта Мария дель Фьоре. В соборах горизонтальная линия доминирует над вертикальной. Самый большой готич. собор Миланский – его строили немец. и францз. мастера. Пышная скульптура. Готика представлена в гражданской архитектуре – палаццо, лоджии, фонтаны. В Венеции из мрамора построен Дворец Дожей (14-15 вв.). Итальянской архитектуре готика чужда, им близка четкость, надежность.

Вывод: В целом искусство в конце Средневековья утрачивает вселенский пафос и обращается к отдельному человеку. Монументальные формы живописи стали вытесняться станковыми. В скульптуре и живописи выделяется жанр портрета. Развивается резная деревянная скульптура. Средневековая Европа оставила великие памятники культуры соборы, замки, ратуши, фресковые произведения, витражное искусство, рыцарские романы, «Божественную комедию» Данте.

25.Основные черты и этапы развития итальян. Возрождения.

Возрождение — новый этап в истории мировой культуры. В это время были заложены основы совр-ной науки, в частности естествознания, высокого уровня достигла лит-ра, получившая с изобретением книго­печатания большие возможности в распространении. В это же вре­мя сложилась реалистическая система в искусстве.

Термин «Возрождение» начал применяться еще в 16 в. по отношению к изобразительному искусству художником Джордже Вазари.

Культура Возрождения (Ринашименто — на итальянском, Ренессанс — на французском языке) возникла в Европе, в тех экономически наиболее развитых областях, где раньше всего созрели предпосылки для перехода от феодализма к начальной стадии капитализма.

С особой последовательностью и силой новая культура проявилась в итальянских городах, которые уже на рубеже 14-15 вв. вступили на путь капиталистического развития; в нидерландских, а также в некоторых и южногер­манских городах 15 в. Однако круг влияния культуры Возрождения был гораздо шире и охватывал территории Франции, Испании, Англии, Чехии, Польши.

В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма, утвержде­ния достоинства и красоты человека, его разума и воли, его творческих сил. В отличие от культуры средневековья гуманистическая жизнеутверж­дающая культура Возрождения носила светский характер. Освобождение от церковной схоластики и догматики способствовало подъему науки. Стра­стная жажда познания реального мира и восхищение им привели к ото­бражению в искусстве самых различных сторон действительности. Было по-ново­му понятое античное наследие. Воздействие античности сильнее всего ска­залось на формировании культуры Возрождения в Италии, где сохрани­лось множество памятников древнеримского искусства.

Искусство эпохи Возрождения носило общественный характер. Именно эта черта сближает его с искусством классической Греции.

Небывалый расцвет переживала живопись, которая раскрывала огромные возможности в изображении жизненных явлений, человека и окружающей его среды. Развитие наук, разработка линейной, а затем и воздушной перспективы, изучение пропорций и анатомии чело­века - все это способствовало утверждению в живописи реалистического метода.

Появились новые виды и жанры. В монументальной итальянской живописи господство­вала фреска. С 15 в. все большее место занимает станковая картина, в раз­витии которой особую роль сыграли нидерландские мастера. Наряду с су­ществовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, выдвинулся портрет, зародилась исто­рическая и пейзажная живопись. В Германии и Нидерландах широкое распространение получила гравюра, которая часто ис­пользовалась в художественном оформлении книг.

Завершился начатый в средние века процесс обособления скульптуры: наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появилась само­стоятельная круглая скульптура - станковая и монументальная. Декора­тивный рельеф приобрел характер перспективно построенной многофигур­ной композиции.

Идеалы гуманизма выразились и в архитектуре, в ясном гармоническом облике сооружений, в классическом языке их форм, в их пропорциях и масштабах, соотнесенных с человеком.

Изменился характер прикладного искусства. Оно стало связано со светскими заказами

Искусство Возрождения прошло этапы раннего (15 в.), Высокого (90-е гг. 15 в.- первая треть 16 в.) и позднего Возрождения (2-половина 16 в.).В разных странах оно проявило себя по-разному. Так, например, в Нидерландах не было этапа высокого Возрождения. Классической страной Возрождения была Италия, где ясно выделяются периоды так называемого Проторенессанса (преддверие Возрождения), раннего Возрождения и позднего, причем в рамках позднего Возрождения наряду с гуманистическим искусством распространение получает упадочное маньеристическое направление, не способствующее познанию действительности.

Проторенессанс. В итал. культуры 13-14 вв.на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства – будущего искусства Возрождения. Поэтому этот период назвали Проторенессансом (т.е. подготовившим наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме.

В итальянской культе переплетались черты старого и нового. «Последний поэт Средневековья» и 1 поэт новой эпохи Данте Алигьери создал итальянский литературный язык. «Божественная комедия». Начатое Данте продолжили флорентинцы Франческо Петрарка, родоначальник европ. лирической поэзии (400 стихотворений гражданского и патриотического содержания, сонеты), и Джованни Боккаччо, основоположник жанра новеллы (небольшого рассказа). «Декамерон» - проблема отношений человека с человеком. Гордость. Эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, живописец Джотто ди Бондоне.

Архитектура. Итальянская арх-ру долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики. Вместе с тем сама итальянская готика на северную не походила: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членением архитектуры, широким поверхностям стен. Церковь Санта-Кроче – одна из самых больших. Храм отличался широкими пролетами, единым светлым внутренним пространством, вместо сложных готических сводов в нем использовано деревянное потолочное перекрытие. В 1334 г. по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы – стройной прямоугольной башни поэтажными горизонтальными членениями и красивыми готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итал. арх-ре.

Живопись. Джотто ди Бондоне – флорентийский живописец. Мозаику заменил фреской. Она соответствовала требованиям ренессанса: во-первых, позволяла больше предать объем и плотность материала; во-вторых, быстрее создавались многофигурные композиции. Первым реализовал принцип подражание природе, начал рисовать с натуры живых людей (чего не делали ранее). Он создал типический образ человека. Ввел в живопись реальное пространство и реальные предметы. Изображаемые фигуры имеют объем. Эффект световой моделировки (светлое – более приближенно к нам, темное – удалено). Первым нарушил традицию плоскостного изображения, его фигуры не на золотом фоне, а на фоне пейзажа, интерьера. Впервые линию горизонта расположил на естественном уровне. Все эти новые традиции Джотто разработал в процессе росписи капеллы Санта Мария Арена в Падуе. Явился родоначальником типологии росписи церковных капелл, где циклы, разбитые на композиции, располагались на стенах в 2-3 яруса. Ему не свойственна симметрия, предпочитал свободные построения. Во фресках художник показывал душевное состояние героев, эмоциональность. Его образы выразительны: «Бегство в Египет» – образ Марии. На передний план у Джотто выступают не образы, а лица, в которых виден характер и состояние человека. «Поцелуй иуды» – Противопоставление добра и зла.

Треченто. Это время распространения в Италии готического стиля. На папский престол встал француз, зависимость от католической церкви. Применение готики в 14 веке в Италии говорит о соседстве гуманизма с мистикой. В изобразительном искусстве появилось стремление к символам, к изысканным цветовым решениям. Отличие в том, что уже в Италии был Проторенессанс, поэтому готика в Италии не такая как в других странах Европы. В арх-ре готический стиль применялся во внешнем декорировании фасадов храмов. Остроконечные щипцы, стрельчатые арки, башни, окна-розы. Готический стиль получил признание только в Сиене. Мраморная инкрустация пола в Сиенском соборе – чудо. Рисунки выполнены в технике граффити, т.е. состоят из тонких черных линий со вставками из цветного мрамора на белом фоне. Живопись треченто выражала аристократические тенденции. Дуччо ди Буонинсенья. Основатель сиенской школы, ученик византийских мастеров. В своем искусстве соединил греческую манеру с готикой. Его работа икона-полиптих - изображение Богоматери с младенцем Христом, окруженная ангелами. На оборотной стороне иконы в клеймах представлены евангельские сюжеты. Декоративная роскошь. В Сиене сильное влияние Французской готики. Симоне Мартини. Работал при дворе герцога Анжуйского в Неаполе. Привнес черты поздней готики. Ему присуща определенная цветовая гамма: сочетание синего и красного цвета, много золота; золотой фон и плоскостное изображение; размещение композиций на триптихах с завершением в виде стрельчатой арки и резной золоченой рамой с готическим орнаментом: крестоцветами, трилистниками. Но в треченто есть и мистические построения. «Триумф смерти» на пизанском кладбище Кампоманто (автор не известен). Тема безграничного могуществ смерти, быстротечности жизни все чаще возникала в европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических композициях, так и в небольших натюрмортах.

Ранее Возрождение (Кватроченто). Это 15 век. Возникают художественные школы. Итальянские города отражают различные исторические эпохи. Раннее Возрождение во Флоренции. Новое направление в архитектуре было связано с переработкой романской итальянской архитектуры, «инкрустационного стиля» Особенность римской архитектуры является ее декоративность, когда на плоскость стены накладывались архитектурные детали: пилястры, колоны, карнизы. Родоначальником нового направления строительства был Филиппо Брунеллески. Стал первым использовать ордер по-новому, используя ордерный мотив в различных композициях. Возвел огромный купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. В восьмигранном куполе соединены элементы флорентийской готики и римского купола. Он облегчил купол, пустотелый с двумя оболочками. Новым было использование аркады: он опирал арки на колонны. По-своему применял ордерную систему при создании городского дворца. Дворцы были схожи рустовкой первого этажа, украшенными наличниками, ордерными формами разделяющими здание на два этажа. В постройках Брунеллески выражена одна из главных особенностей ранней ренессансной архитектуры: предназначенная для людей, она по масштабам соразмерна человеку, приближена к его реальному росту в отличие от готических построек с высокими сводами.

Следующий этап развития итал. арх-ры XV века связан с именем Леона Баттисты Альберти. Ученый, философ, многосторонняя личность, сравним лишь с Леонардо да Винчи. В его творчестве сочеталось стремление вернуться к классическому стилю с его четкими геометрическими формами, строгой планировкой зданий, стенами с ордером и сдержанным оформлением и новым взглядом, обращенным в будущее – Флорентийский палаццо (дворец) Ручеллаи. Общая композиция здания – традиционна, зато фасадная стена приобрела новые черты. Стена выложена гладкими отшлифованными каменными блоками, украшена пилястрами. В последствии отходит от готических принципов.

Скульптура. Расцвет монументальной скульптуры. Уже нет полной подчиненности архитектуре. Она стала самостоятельной и самоценной. Стала выразителем духовной и телесной красоты человека. Донателло. Работал во многих итальянских городах. Соединил античность с религиозной духовностью. Внес новое: 1. монументально свободно стоящая статуя. Св.Георгий. – героическая личность. Твердо стоит на ногах, опираясь на щит, в движении, левая нога впереди. Впервые в эпоху Ренессанса изваял обнаженную статую Давида. Рассчитан накруговой обзор 2.- статуарная пластика, связанная с архитектурой, для украшения соборов, Особенность - учитывал где она будет установлена. 3. – рельефная пластика, добивается истинного впечатления пространства. Образы индивидуальны, люди как живые. Положил начало распространенному в 15 в. надгробий, где были соединены элементы архитектуры (саркофаг) и пластики (рельеф и статуи). Спокойное достоинство человека перед смертью. 4. – конный монумент, возродил конную статую Гаттамелата – военноначальник. Переданы настоящие черты. Это первый портрет человека эпохи Возрождения – человек всего добился сам. В дальнейшем образы Донателло становятся драматичнее. Он явился основателем скульптурной группы «Юдифь и Олоферн». Произведения Донателло выразили основные идеи эпохи: гуманизм, стремление к совершенствованию и развитие личности, проявление яркой индивидуальности. Положил начало скульптурному портрету и отлил первый бронзовый памятник.

Живопись. Мазаччо. Следуя традициям Джотто, он сосредотачивает внимание на образе человека, усиливая его суровую энергию и активность. Объединяет фигуры с пейзажем, впервые вводит воздушную перспективу. Не смену неглубокой площадке – месту действия – приходит изображение реального глубокого пространства. Убедительнее и реальнее становится светотеневая моделировка фигур. Мазаччо впервые в Возрождении изображает обнаженное тело, придает человеку героические черты. Его изображения реальны, естественны. Все это наглядно проявилось во фресках Бранкаччи при церки Санта-Мария дель Кармине во Флоренйии «Чудо со статиром» и «Изгнание из рая». Учело. Экспериментатор в области изучения и использования перспективы. Первый итальянский баталист. фра Беата Анжелико – монах. Источники византийской и средневековой миниатюры. Творчество мистическое по духу, связанное с наивным миром религиозных представлений, овеяно поэзией народной сказки. Росписи Сан Марка – дар колориста - характерны голубой цвет, розоватые тона, создают радостное впечатление, радость от красоты земного и небесного мира. Мастерски строит перспективу, точно передает ритм и объемность фигур. Доменико Венециано. Привлекают проблемы колорита. Впервые применил масляную живопись в Италии. С его именем связаны изысканные профильные портреты, интересен головной убор. Сандро Боттичелли. Черты возвышенной поэтичности, утонченности и аристократической изысканности – наиболее яркое воплощение в его творчестве. Два периода. Первый – время весны и радости. Отличаются мягким лиризмом и безмятежностью. «Весна», «Рождение Венеры», «Венера и Марс». Идеал: пропорции тела слегка вытянуты, маленькая голова, длин. шея, удлиненное лицо, пухлые губы, продолгов. разрез больших глаз, высоко поднятые брови. Линия тела очень мелодична. S образный силуэт – параллель с готикой. Гл. цвет – золото. Все в этих работах отмечено спокойствием. Большое внимание уделено рукам. Это новая черта в живописи 15 в., когда через руки предается характер человека. Второй период - углубляются пессимистические настроения худ-ка, время ведущее к гибели и забвению. Он стал сектантом доминиканского монаха Савонаролы. Они обличали власть и отвергали культуру Ренессанса. Оказали сильное влияние на Боттичелли. Он сжег свои картины с обнаженными фигурами. «Покинутая», «Клевета Апеллеса» - показаны духовные переживания. На его картинах человек страдающий, утраты, потери, печаль. Боттичелли «величайший художник линии»: тонким контуром он создавал объём формы, и иллюзию глубины. Изображал предмет-символ.

26.Период Высокого Ренессанса как кульминация Великой культуры. Харак-ка особенностей развития. (конце 15 в.– /3 16 в.)

Искусство Высокого Возрождения приходит­ся на конец 15 и первые три десятилетия 16 в. «Золотой век» итальянского искусства хроноло­гически был очень кратким, и только в Венеции он продлился дольше, вплоть до середины столетия. Высочайший подъем культуры происходил в сложнейший исторический период жизни Италии.

Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было необычайное расширение общественного кругозора ее создателе масштабность их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его отношение к миру. Сам тип художника, его мировоззрение, положение в обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера 15 в., еще во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого Возрождения - не только люди огромной культуры, творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов.

В центре их искусства - образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовного, не отвлеченный от действительности, но наполненный жизнью, внутренней силой и значительностью

Архитектура. Зарождение и развитие прин­ципов архитектуры Высокого Возрождения про­исходит в Риме. Складывается единый обще­национальный стиль. Исполненный величествен­ности, монументальности и благородной сдер­жанности, он основывается на более смелом и свободном использовании классических ордеров античности. В Риме находит завершение архи­тектурный образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с пространством замкнутым и всесторонне развитым.

Браманте. Основоположником нового стиля и крупнейшим его представителем в начале 16 в. был Донато д'Анджело Браманте (1444 -1514). Он придал своим сооружениям величаво-монументальный облик. Эти принципы проявились со всей ясностью в первой римской работе Браманте - малень­ком храме, так называемом Темпьетто, построенном в 1502 г. во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. Это круглое в плане купольное сооружение небольшого размера, с гармонически развитым объемом, с мягко круг­лящимся куполом. Окруженный колонна­дой римско-дорического ордера, поддерживающей антаблемент, Темпьетто производит впе­чатление монументального величественного зда­ния строгих пропорций и полнокровных форм.

Став главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромные работы по реконструкции Ватикана, объединяя отдельные раз­розненные постройки в единый монументальный комплекс.

Главное создание Браманте - проект собора св. Петра в Риме (1506), воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с сим­метричной композицией. Собор в дальнейшем был пере­строен другими строителями, его идеи нашли распространение в сооружениях многих итальянских зодчих.

Палладио. Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508-1580), теоретика, исследователя и крупнейшего прак­тика-строителя второй половины 16 в. В отли­чие от Браманте, искавшего в античном зодче­стве формы для переработки, Палладио видел в античности идеал, который стремился оживить в своих сооружениях.

Он тяготеет к классической норме, стро­гой симметрии фасадов и планов, но при этом его искусство остается жизнеутверждающим, полным исканий, проявляясь в богатстве кра­сочного и светотеневого решения. Палладио - мастер пластических и световых акцентов.

Наиболее значителен вклад Палладио в раз­витие архитектуры дворцов и вилл. В решении палаццо он вслед за Альберти применяет боль­шой ордер. Поднимая здание на высокий цо­коль и заканчивая его аттиком, он создает впе­чатление грандиозности (палаццо Вальмарана в Виченце). В архитектуре Палладио уде­лено больше внимания разработке фасада, чем у его предшественников.

Из загородных вилл Палладио наиболее со­вершенное и законченное решение получила вилла Ротонда близ Виченцы. Это идеальная центрическая построй­ка, перекрытая куполом, квадратная в плане, с четырьмя изящными ионическими портиками на каждой из сторон. Строгое благородство про­порции и форм этого сооружения великолепно гармонирует с окружающим пейзажем.

Творчество Палладио оказало огромное воз­действие на развитие архитектуры, во многом обусловив характер архитектуры классицизма в Англии, Франции и России.

Леонардо да Винчи