Вера Игна́тьевна Му́хина

Выдающийся мастер XX века. Ее монумент «Рабочий и колхозница» был установлен в Париже на Всемирной выставке 1937 года. Композиция В.И. Мухиной венчала советский павильон, спроектированный архитектором Б. М. Иофаном. В 1939 году монумент был установлен недалеко от северного входа на Выставку достижений народного хозяйства (ВДНХ). С 1947 года эта скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм». В 2003—2009 годах была осуществлена реставрация монумента, и он был установлен на сооружении-пьедестале, по внешнему виду приближенном к Парижскому павильону 1937 года. Высота – 25 метров.

Уже в ранних произведениях Мухиной, отмеченных некоторым влиянием кубизма, заметно тяготение к монументальности и лаконизму форм ("Пьета", 1916, не сохранилась). После Октябрьской революции 1917 года Мухина участвовала в осуществлении ленинского плана монументальной пропаганды (проект памятника Н. И. Новикову, 1918, не сохранился). В 1920-е годы Мухина создала проекты памятников - романтически приподнятые образы-олицетворения, проникнутые бурным движением (памятник В. М. Загорскому, 1921, "Пламя революции", 1922-1923, оба - гипс, Музей Революции СССР, Москва), а также станковые фигуры, крепко сбитые, утяжелённые объёмы которых выражают мощь внутренней жизни натуры ("Ветер", 1926-1927, "Крестьянка", 1927, обе - бронза, Третьяковская галерея). В 1930-е годы Мухина переходит к более детализованной лепке, сочетая чёткое выявление закономерностей конструкции с жизненной конкретностью образа. Обращаясь к портрету, Мухина иногда заостряет наиболее характерные черты лица модели ("С. А. Котляревский", бронза, 1929, там же), но чаще типизирует их, создавая обобщённый образ современника ("С. А. Замков", мрамор, 1935, там же), однако неизменно сохраняет живую непосредственность отношения к портретируемому. С 1930-х годов Мухина всё чаще занимается проблемами синтеза искусств. Главный результат этих поисков - 24-метровая группа "Рабочий и колхозница", увенчавшая советский павильон на Всемирной выставке 1937 года в Париже (ныне установлена перед северным входом ВДНХ СССР в Москве; нержавеющая сталь, 1935-1937; Государственная премия СССР, 1941). Диагональная композиция группы отражает нарастающий кверху ритм здания-постамента (архитектор Б. М. Иофан); пространственно дифференцированные формы монумента объединяются мотивом стремительно убыстряющегося движения, в результате чего возникает особая декоративная звучность и зрительная лёгкость силуэта. Фигуры юноши и девушки, несущих серп и молот, стали не только этапным произведением социалистического реализма, но и всемирно известным символом нового общества, движущегося к коммунизму. скульптуры, юноша и девушка, олицетворяющие собой хозяев советской земли — рабочий класс и колхозное крестьянство. Они высоко вздымают эмблему Страны Советов — серп и молот. Скульптура была названа «эталоном социалистического реализма» в Большой советской энциклопедии. Среди лучших работ Мухиной последующих лет - памятник М. Горькому, проникнутый революционно-романтическим духом раннего творчества писателя (архитектор В. В. Лебедев, П. П. Штеллер, бронза, гранит, 1938-1939, установлен в 1952 году в городе Горьком), а также декоративная группа "Хлеб", гармонически-плавные, "певучие" ритмы которой рождают представление о физической и духовной красоте людей труда (бронза, 1939, Третьяковская галерея). В Великую Отечественную войну 1941-1945 годов Мухина работает преимущественно в области портрета.

Павел Дмитриевич Ко́рин (1892 — 1967) — выдающийся русский художник-живописец. Народный художник СССР (1962). Родился 25 июня (7 июля) 1892 года в Палехе (ныне Ивановская область) в семье потомственных иконописцев. Центральным, но так и не оконченным, полотном Павла Корина считается «Реквием» («Русь уходящая»). Наиболее известные работы: триптих «Александр Невский», портреты Г. К. Жукова и М. Горького. Тематическим картинам и портретам в исполнениии мастера свойственны одухотворённость и волевая собранность образов, монументальная строгость композиции и рисунка. Среди монументальных работ художника — мозаичные плафоны на станции «Комсомольская» кольцевой линии метро, витражи станции «Новослободская», мозаики станции «Смоленская» и Павелецкая. Обширная коллекция икон, собранных Кориным, является одной из известнейших и наиболее изученных в России.

Александр Невский. Триптих. 1942-1943гг В годы Великой Отечественной войны художник обращается к исторической теме, работать над которой он продолжал до самой смерти. Образы воинов - защитников не просто родной земли, но духовных идеалов России - привлекают Корина. Таков Александр Невский - центральная фигура знаменитого одноименного триптиха (1942), - в котором живут черты и святых с древнерусских икон, и могучих героев итальянского Возрождения.

В нем нет динамичных батальных сцен и каких то определённых событий. Корин создаёт символ военной доблести, которые были необходимы в суровые годы. В центральной части картины изображен Князь Александр Невский, закованный в стальные доспехи, в шлеме, панцире и латах. Он предстаёт перед нами могучим выйном, безжалостным к врагам. Его взор устремлён вдаль, в сторону невидимого неприятеля. Над головой князя развивается хоругвь с изображением Спаса Ярое око и это не случайно. Художник хотел показать, что победы навсегда достигаются оружием, но и благодаря силе духа. Иконописные приёмы усвоенные художником с детства, помогают создать образ защитника русской земли. Линию горизонта Корин делает низко, поэтому фигура Александра Невского как бы возвышается над землей, заслоняет её от врага. Александр Невский представлен как целеустремленный воин, готовящийся к битве. Он стоит на рубеже русских земель и зорко смотрит, откуда появится враг. Александр опирается на большой меч, а за его спиной развевается знамя с образом Спаса Нерукотворного. Цветовая гамма, использованная художником, выдержана в черных, красных и светлых тонах. Это усиливает впечатление строгости, сдержанности, целеустремленности и героизма, производимое образом князя. Вся центральная часть триптиха словно иллюстрирует знаменитую фразу, приписываемую летописцем Александру Невскому: «Кто с мечом к нам придет, тот от меча и погибнет». Общий облик князя грозен. Это настоящий русский богатырь-защитник, который не даст в обиду свою землю. За спиной Александра Невского Корин изобразил простирающиеся широко русские земли. Широкоплечий воин в латах олицетворяет собой всю мощь русского оружия, смелость и мужество русского народа, который готов сражаться до последней капли крови за свою свободу и независимость, за свои идеалы. Во многом благодаря мастерству художника князь остался в памяти русских несгибаемым воителем и национальным героем. Световое сочетание серого и ярко-красного помогает раскрыть тему через эмоциональное воздействие. В левой части триптиха «Северная баллада» изображена женщина и воин, который одной рукой держит меч, а другой словно старается защитить город. Правая часть триптиха «Старинный сказ», показывает преемственность поколений и надежду на будущую победу. Работая над триптихом, художник советовался с историками, сотрудниками Исторического музея, где с натуры писал кольчугу, латы, шлем — всё снаряжение главного героя, образ которого он воссоздал на полотне всего за три недели.

Александр Александрович Дейне́ка. В 1928 Дейнека вышел из ОСТа и стал членом художественного объединения «Октябрь», а в 1931—1932 — членом Российской ассоциации пролетарских художников (РАПХ). В 1930 художник создал выразительные в цветовом и композиционном отношении плакаты «Механизируем Донбасс», «Физкультурница». В 1931 появились очень разные по своему настроению и тематике произведения: «На балконе», «Девочка у окна», «Наемник интервентов». Новый этап в творчестве Дейнеки начался в 1932. Самой значительной работой этого периода является картина «Мать» (1932). В эти же годы художником были созданы поэтичности произведения: «Ночной пейзаж с лошадьми и сухими травами» (1933), «Купающиеся девушки» (1933), «Полдень» (1932) и др. Наряду с работами лирического звучания появились и общественно-политические произведения: «Безработные в Берлине» (1933), наполненные гневом рисунки к роману «Огонь» А. Барбюса (1934).

С начала 1930-х Дейнека обращается к теме авиации («Парашютист над морем», 1934), иллюстрации к детской книге летчика Г. Ф. Байдукова «Через полюс в Америку» (вышла в свет в 1938). Он написал ряд живописных работ, одна из самых романтических — «Будущие лётчики» (1937).Историческая тема нашла свое воплощение в монументальных произведениях, посвящённых в основном дореволюционной истории. Художником были сделаны эскизы панно для выставок в Париже и Нью-Йорке (не реализовано). К числу наиболее значительных работ конца 1930-х — начала 1940-х относится «Левый марш» (1940). В период Великой Отечественной войны Дейнека жил в Москве и выполнял политплакаты для мастерской военно-оборонного плаката «Окна ТАСС».

Его манера, основанная на плакатно-броском («снайперском», по его выражению) рисунке, сформировалась в процессе работы в журнале «Безбожник»; в этих рисунках дряхлому старому миру агрессивно противостоит новый – бодрый, полный юношеской энергии. Мотивы спорта или труда всецело доминируют в его картинах с 1920-х годов; революционная тема тоже воплощается в телесной пластике героев, устремленных к жертвенной гибели. В 1930-е годы сумрачный колорит светлеет, спортивные впечатления слагаются в утопические поэмы о счастливом юном племени, готовом к труду и обороне. В ряде образов нарастают черты «магического реализма» (Игра в мяч, 1932, там же; некоторые из картин, написанных по впечатлениям от поездок художника в Италию, Францию и США в 1935). Особо динамичные ракурсы вводятся в мотивах авиаполета, нашедших воплощение в шедевре монументального искусства тех лет – мозаиках плафонов станции метро «Маяковская».

Раздолье. 1944. Первоначальные поиски относятся к 1936 году, когда был выполнен графический лист «Бегунья». Тема картины с ее оптимистической идеей мирной жизни после победы была чрезвычайно актуальна. Форма панно диктовала декоративность изобразительного языка, пластическую упрощенность форм. Резкое сопоставление планов придает одновременно стремительность движения фигурам молодых и сильных девушек-спортсменок и плавный «раздольный» ритм панорамному пейзажу. Картина воспринимается словно радостная песня-гимн необозримым просторам родной земли.

КУКРЫНИКСЫ - (Kukryniksy. Псевдоним.) творческий коллектив российских графиков и живописцев, мастера русской карикатуры 20 в.: Куприянов Михаил (1903-1991), Крылов Порфирий (1902-1990), Соколов Николай (1903-2000). Учились в московском Вхутемасе-Вхутеине (между 1921 и 1929 гг.). Как художники-сатирики Кукрыниксы заняли ведущее место в советском искусстве и получили всемирную известность. Единство общественных идеалов и художественных воззрений, тесная личная дружба и общность творческих интересов - вот что неразрывно сплотило трех участников коллектива Кукрыниксы.

Совместно работая, Кукрыниксы первоначально исполняли преимущественно карикатуры на темы из литературной жизни. Вместе с Дени, Моором, Бродаты, Черемных, Бор. Ефимовым создали в мировой культуре абсолютно уникальный феномен - «положительная сатира».

Выступая с 1925 г. в газетах и журналах («Правда», «Крокодил» и др.), Кукрыниксы выработали в тесном сотрудничестве с журналистами новый тип карикатуры, отмеченный острой злободневностью, уничтожающе-язвительным решением темы, шаржированной характерностью типов (серии: «Транспорт», тушь, 1933-1934 гг.; «О дряни», тушь, гуашь и др., 1959-1960 гг.). Большую роль в патриотическом воспитании людей сыграли карикатуры, плакаты и «Окна ТАСС», созданные Кукрыниксами в годы Великой Отечественной войны 1941-1945 гг., сочетающие в символически-обобщённых образах убийственный сарказм и героику («Беспощадно разгромим и уничтожим врага!», 1941 г.). Значительной политической силой обладает и послевоенная сатира Кукрыниксов, бичующая поджигателей войны, врагов мира и социализма («Поджидатели войны», тушь, 1953-1957 гг.). Кукрыниксы выступают и как иллюстраторы, обращаясь к произведениям литературы с глубоким пониманием особенностей изображаемой эпохи и языка писателя: «12 стульев» (тушь, 1933 и 1967 гг.) и «Золотой телёнок» (тушь, цветная акварель, 1971 г.) Ильфа и Петрова, «Господа Головлёвы» и др. Они обращаются к историческим сюжетам (серия «Старые хозяева», 1936-1937 гг.), обличают фашизм («Бегство фашистов из Новгорода», 1944-1946 гг.; «Конец», 1947-1948 гг., Государственная премия СССР, 1949 г.; «Обвинение», 1967 г.), значительное место отводя и теме героизма советских людей во время Великой Отечественной войны («Таня», 1942-1947 гг.). Уникален рабочий метод Кукрыниксов: мастера добиваются единого, «кукрыниксовского» почерка, объединяя личные дарования в коллективном творческом процессе. Сатирические образы Кукрыниксов поражают неистощимой выдумкой, неожиданностью, смелостью и остротой характеристики; они правдивы и убедительны, так как созданы методом подлинно реалистической карикатуры, на основе сознательного преувеличения существенного, меткого раскрытия объективно смешного и на основе смелого заострения типического.

Музыка: Д.Шостакович, С.Прокофьев.

Дмитрий Дмитриевич Шостако́вич — советский российский композитор, пианист, педагог и общественный деятель. Отличительные черты его стиля – интенсивная ритмика, разнообразное и часто самобытное использование оркестровых средств, высокая драматическая напряженность, оригинальный музыкальный юмор. Творчество Шостаковича то превозносилось властью, то подвергалось резкой критике. Его симфонии, в особенности Пятая и Седьмая, а также ряд фортепианных сочинений получили признание во всем мире. Работа над знаменитой Седьмой была начата в осажденном Ленинграде в 1941. В 1942 Шостакович получил Сталинскую премию за это сочинение, в котором, как следует из более позднего высказывания композитора, он воплотил мужество своих соотечественников перед лицом как войны, так и сталинского террора. Композитор вновь впал в немилость в 1948: его музыка была названа формалистической и декадентской. Как примеры «типичного формализма» (т.е. искусства, непонятного народу и чуждого ему). Шостакович покорно принял адресованные ему обвинения, и это спасло его от более тяжких последствий партийной критики. В том же 1948 он получил официальное поощрение за «реалистическую» и «демократическую» музыку к кинофильму Молодая гвардия.

Прокофьев Сергей Сергеевич (1891–1953), русский композитор, пианист и дирижер. Оканчивая консерваторию по классу фортепиано, он сыграл с оркестром свой Первый фортепианный концерт и получил почетную премию имени А.Г.Рубинштейна. Музыка Прокофьева стала предметом ожесточенных споров в музыкальных кругах. Для его ранних сочинений характерны гротесковость, сатирические мотивы; это музыка принципиально антиромантическая, зачастую – жестко звучащая, пронизанная диссонансами, очень энергичная в ритмическом отношении. Наиболее примечательны в этом периоде балет Шут (Сказка про шута, семерых шутов перешутившего, 1915), опера Игрок по одноименному роману Достоевского (1915–1916), несколько инструментальных концертов и сонат, Скифская сюита (1915) и кантата Семеро их (1917). Один из шедевров раннего Прокофьева – его Классическая симфония (1917), образец «новой простоты»: ею композитор словно продемонстрировал критикам свое блестящее владение неоклассическим стилем. В 1933 Прокофьев вернулся в Россию. В последующие годы он много работал в разных жанрах; среди сочинений этого периода – балеты Ромео и Джульетта (1935) и Золушка (1944); детская сказка для чтеца и оркестра Петя и волк (1936); музыка к кинофильмам Поручик Киже (1934), Александр Невский (1938) и Иван Грозный (1945). Во время Великой отечественной войны и после нее он создал ряд патриотических произведений, а также оперы Обручение в монастыре по комедии Шеридана (1940–1941) и Война и мир по роману Толстого (1941–1942), несколько камерно-инструментальных ансамблей, много фортепианной музыки разных жанров. В 1948 Прокофьев подвергся нападкам за «формалистический» стиль музыки и симпатии к «вырождающемуся» искусству Запада (что не помешало ему в 1951 получить Сталинскую премию, шестую по счету).

Сталинский ампир в архитектуре: московские высотки и метро.

Сталинский ампир (от фр. empire — «империя» и по аналогии с ампиром) — одно из лидирующих направлений в архитектуре, монументальном и декоративном искусстве СССР с середины 1940-х до середины 1950-х годов. В средствах массовой информации используется как неформальное обозначение всего многообразия сталинской эклектики. Символ сталинского ампира - знаменитые сталинские высотки в Москве.

Сталинский ампир в декоре помещений — это, в частности, массивная деревянная мебель, лепнина под высокими потолками, резные шкафы, бронзовые светильники и статуэтки.

Стиль соединил в себе элементы барокко, ампира эпохи Наполеона, позднего классицизма и ар-деко, сочетание помпезности, роскоши, величественность и монументальность.

Один из примеров интерьеров, оформленных в стиле сталинского ампира, — банкетный зал в здании Центрального Московского ипподрома.

В декоре мебели, используемой в оформлении интерьеров в стиле сталинского ампира, — резьба, включающая в себя изображения лавровых венков, колосьев и пятиконечных звезд.

Деталь сталинского ампира — люстры, освещающие помещение, имеющие парадный вид, часто изготовлены из бронзы и украшены хрустальными подвесками. Для декора помещений часто используются натуральные материалы — дерево, мрамор, бронза, керамика и хрусталь.

По поводу формирования в голове вождя мощной концепции стиля есть несколько легенд. И первая относится к детским и юношеским комплексам юного Кобы, который поневоле сравнивал пышность фасадов богатых тифлисцев с предельным минимализмом своего жилья. И растил в душе, на благодатоной почве зависти страсть к роскоши. Вторая легенда связана с тактическими соображениями. СССР - империя, богатая и сильная страна, которая должна выглядеть соответствующе.