Аркадий Александрович Пластов

Бытовой жанр.

Со2-йполовины1950-хгг. мастерасоветского. Б. ж. стремятсярасширитькругнаблюденийнадсовременнойжизнью,показатьмужествоиволюсоветскихлюдей, крепнущиевсозидательнойработе, впреодолениитрудностей.ВкартинахГ. М. Коржева, В. И. Иванова, Е. Е. Моисеенко, Ю. П. Кугача, Т. Т. Салахова, Г. С. Ханджяна, Э. К.Илтнера, И. А. Зариня, И. Н. Клычева, повседневная жизньнародапредстаётбогатойисложной, насыщеннойбольшимимыслямиипереживаниями.

Свое восприятие современности со всеми ее проблемами художники пытаются выразить в незамысловатых сюжетах бытового жанра или группового портрета. Примерами этого могут служить «Вечер в старой Флоренции» Т. Яблонской (1973), «Вечер» бр. Смолиных (1974), более ранние работы Д. Жилинского: «Семья художника Чернышева», «Под старой яблоней» (обе –1969), «Семья Капицы» (1979); групповой портрет В. Иванова «В кафе «Греко» (1974). В последнем художник показал себя и своих коллег-живописцев в знаменитом римском кафе, где еще в прошлом столетии собирались художники и вели извечные разговоры о смысли жизни и искусства. Живописец и его друзья погружены в состояние раздумья, внутренней сосредоточенности, вместе с тем они находятся в некоем духовном единстве. Их объединяет и атмосфера этого кафе, которое посещали когда-то Гоголь и Александр Иванов, где на стене висят гравюры с изображением «Вечного города», и сам этот город с его вековой культурой, и, наконец, их общая вера в свои творческие силы, в святость избранного пути. Недаром этот простой групповой портрет исследователи назвали «образом поколения». Со второй половины 1950-х гг. мастера советского бытового жанра стремились расширить круг наблюдений над современной жизнью и выработать новые художественные приемы для их воплощения (Г.М. Коржев, В.И.Иванов, Е.Е.Моисеенко, Ю.П.Кугач, Т.Т.Салахов, Э.К.Илтнер, И.А.Заринь, И.Н.Клычев, граверы Г.Ф.Захаров, В.М.Юркунас, В.В.Толли). Художники 1970–1980-х (Н.Нестерова, Т.Нечитайло, О.Булгакова, В.Ситников, В.Калинин, В.Кандауров) стремились представить повседневную жизнь более богатой и сложной, насыщенной большими мыслями и переживаниями, неустанно расширяя возможности художественных средств выражения за счет метафор, совмещения разновременных и пространственных пластов, трансформируя реальность в театрализованную фантазию

.Развитие бытового жанра в живописи 2п.ХХ в.
Суровый стиль и портрет в живописи 2-й пол.ХХ в.
В послевоенные годы в искусстве появляются новые имена. В сложной творческой атмосфере культа личности, бичевания всего необычного, яркого, талантливого мужало новое поколение.
Позже этих художников назовут «шестидесятниками», так как именно на шестидесятые годы пришлось утверждение их духовной и творческой позиции. Большинство этих молодых художников было объединено близкими нравственными и эстетическими идеалами, профессиональной честностью, искренностью, подвижническим началом в жизни и искусстве, гражданским мужеством. Их объединяла вера в высокое назначение искусства. Значительным событием стала Первая московская выставка произведений молодых художников, состоявшаяся в1954 году. «Каждое поколение художников неизбежно несет свое искусство, свою веру и свои заблуждения: что-то сохраняет, что-то отвергает. Все эти молодые художники прошли учебу в сложное, переломное время. Еще догорали жизни многих выдающихся художников — И. Грабаря, П. Кончаловского, П. Корина, С. Герасимова, В. Фаворского — и еще из рук в руки могли быть переданы великие традиции, о ценности которых часто и не подозревали молодые» — вспоминает художник-живописец, академик, народный художник России В. И. Иванов.
В середине и конце пятидесятых годов, а особенно шестидесятых, в культурной жизни страны стали происходить процессы пробуждения новых художественных сил, новых стилистических открытий. Новое ярче всего проявилось в живописи. Через пластику художники искали возможность выразить свое отношение к жизни, свое миропонимание. Острота и сила гражданской позиции, забота о судьбе Родины проявилась в их искренней живописи. Одновременно появляется термин, который в какой-то мере выразил суть нового направления — «суровый стиль». Этому стилю присуща тенденция строгой ясности, простоты.
В начале пятидесятых годов появляется ряд произведений, необычно ярко прозвучавших на художественных выставках. Это было заметно и в произведениях старшего поколения художников — А. Дейнеки («Тракторист», 1954), К. Максимова («Сашка-тракторист», 1954) и других. У художников, начавших свой творческий путь, ясно звучало желание говорить — непременно своим художественным языком — правду о своем понимании жизни и ее ценностях. Новое образное постижение мира расширило грани обращения к наследию как зарубежного искусства, так и русского, ко всему сложному миру современной художественной практики.
В сложном переплетении различных стилевых направлений, среди которых одни проявлялись ярко, другие прозвучали более приглушенно, общим был отказ от стереотипов. «Свежий ветер» (1958) В. Гаврилова и «Влюбленные» (1958) Г. Коржева, «Сентябрь» (1956) В. Стожарова и «Между боями» (1958-1960) С. и А. Ткачевых, «Строители Братска» (1960-1961) В. Попкова и «Наши будни» (1960) П. Никонова и многие другие полотна стали ярким художественным явлением в жизни страны. Открытие поэтики и стилистики двадцатых годов, нашедшее свое выражение в «суровом стиле», происходило одновременно с ренессансными поисками (Д. Жилинский «Семья у моря», 1964), продолжение живописных традиций «Союза русских художников» не исключало обращение к наследию Сезанна и «русских сезаннистов» — художники получили широкие возможности найти и выразить свою индивидуальность, свое постижение мира и человека. В эти годы ярко зазвучало творчество Э.Г.Браговского, Е.И.Зверькова, С.И.Дудника, А.С.Папикяна, И.В.Сорокина, В.Н.Чуловича, Н.А.Пластова и других. У большинства этих мастеров доминировала живописная школа, живопись для них была самоценна. Особая убежденность, что цветом можно выразить настроение, впечатление, передать красоту мира.

3.

Аркадий Александрович Пластов

Аркадий Пластов — «певец советского крестьянства». Одна из первых значительных работ «Купание коней» была им выполнена для выставки «20 лет РККА». Для выставки «Индустрия социализма» он тоже написал картину под названием «Колхозный праздник» (1937), в котором «красочно передал новый быт социалистической деревни».

Другое яркое произведение — «Колхозное стадо» (1938). Общие черты его картин — жанровая сцена не мыслится вне пейзажа, вне русской природы, которая всегда трактуется лирически. Другая его особенность — отсутствие конфликта или особого момента, события в сюжете — хотя поэтическая выразительность образа при этом создается.

В работах Пластова отражены испытания советского народа в годы Великой Отечественной войны («Фашист пролетел», 1942), патриотический труд женщин, стариков и детей на колхозных полях в военные годы («Жатва», «Сенокос», 1945), праздник выборов в Верховный Совет («Едут на выборы», 1947), послевоенный трудовой подъем («Колхозный ток», 1949, «Ужин трактористов», 1951), быт русской деревни («Родник», 1952, «Летом», 1954). Так же широко известна получившая широкий резонанс в обществе картина «Весна». Главная героиня картины была прозвана «Северной Венерой».

Яркость и эмоциональность замысла отличают работы Пластова в области иллюстрации («Мороз, Красный нос»Н. А. Некрасова, 1948; «Капитанская дочка» А. С. Пушкина, 1948—1949; произведения Л. Н. Толстого, 1953; рассказА. П. Чехова, 1954, и др.), пейзажа, сельскохозяйственного плаката. Красочные образы деревенской жизни и родной природы Пластов запечатлел в акварелях к книгам для детей. Некоторым произведениям художника недостает глубокого раскрытия и обобщения черт нового в колхозной жизни; но в лучшей своей части творчество Пластова тесно связано с передовыми идеями современности и реалистическими традициями русского искусства и отличается ярко выраженным национальным характером, народностью образов, поэтичностью замысла, выразительностью колористических решений. Мастер при жизни стал признанным классиком советской живописи. Репродукции его картин постоянно включались во все школьные учебники и хрестоматии.

.Иванов. в 1944 году и сразу был принят в Московский художественный институт имени В.И.Сурикова. Виктор Иванов никогда не принадлежал к числу официальных художников. В шестидесятые годы он стал одним из мужественных и убежденных ниспровергателей "соцреалистического" направления в искусстве. Его относили к числу "революционных романтиков" так называемого "сурового стиля". Художники этого направления стремились пробиться к правде, яростно протестуя против фальши в жизни и искусстве. Они видели себя равноправными членами сурового и мужественного содружества: среди изображений строителей, колхозников, рабочих появлялись персонажи, наделенные автопортретными чертами. Темы произведений Виктора Иванова - глубинные, личностные - Жизнь и Смерть человека, его предназначение на Земле. Поэтому картины мастера, даже небольшие эскизы и этюды, имеют монументально-величественную устойчивость. Художник сторонился модных веяний, всегда оставаясь твердым и убежденным реалистом -В собрании Радищевского музея находится одна из известных картин мастера "В кафе "Греко" (1974) - авторское повторением одноименной работы, находящейся в коллекции Государственной Третьяковской галереи. Это полотно примечательно по сюжету: пятеро крупных и популярных живописцев своего времени - Гелий Коржев, Петр Оссовский, Ефрем Зверьков, Дмитрий Жилинский и сам Виктор Иванов, во время творческой командировки в Италию в 1973 году, собрались вместе в знаменитом римском кафе "Греко". На стенах кафе, окрашенных в темно-вишневый цвет, висят картины, за маленьким столиком, на котором стоят пять высоких бокалов с красным вином, сидят художники. Гелий Коржев и Петр Оссовский с одной стороны, Ефрем Зверьков, Дмитрий Жилинский и Виктор Иванов - с другой. Мастер едва заостряет индивидуальность и немного преувеличенно конкретизирует особенности лиц каждого. В коричневом костюме, положив правую руку на колено, спокойно и сосредоточенно, погруженный в глубокие размышления, сидит Гелий Коржев; слева от него, в сером костюме, чуть склонив голову, положив подбородок на руку, внимательно смотрит на художников, сидящих напротив, Петр Оссовский. С другой стороны стола, ближе к стене, сидит, опираясь на сложенные замком ладони, Ефрем Зверьков; правее, в светлом свитере, положив на стол скрещенные руки и опустив глаза, углубился в раздумья Дмитрий Жилинский. На первом плане, сидит за столиком сам автор портрета - Виктор Иванов. На нем глубокого темно-зеленого цвета рубашка, поверх которой надет жилет. Положив руки на стол, он держит бокал с вином. Большой, красиво написанный холст, сдержанно мерцающий глубокими пятнами вишневых, оливковых, черных тонов, останавливает внимание сосредоточенностью персонажей. Художник жестко и четко выстраивает композицию на гармонии дополнительных цветов. Не случайно Виктор Иванов пишет художников именно в этом римском кафе, которое имеет свою замечательную историю. Основанное в 1760 году, оно являлось своего рода интернациональным клубом искусств и служило местом встреч и время провождения многих художников, писателей и композиторов всего мира. Там бывали Гёте, Байрон, Стендаль, Шелли, Ганс Христиан Андерсен, Бизе, Гуно, Мицкевич, Россини, Берлиоз, Мендельсон, Лист, Вагнер и Тосканини. Здесь очень любили бывать и русские художники и литераторы. Как вспоминал Виктор Иванов, именно за этим столиком, за котором расположились наши художники, в прошлом веке сидели Гоголь, по преданию, именно здесь написавший большую часть "Мертвых душ", Александр Иванов, Достоевский и многие выдающиеся представители русской культуры. Кафе "Греко" было местом их встреч и бесед. В этом групповом портрете мы видим мастеров, с чьими именами связаны новаторские процессы в советском искусстве начала 1960-х годов, которым и позже удавалось внести новое в развитие нашей живописи. Картина продолжает традицию философского портрета, который имеет достойную традицию в русской советской живописи,

Изображая мастеров, раздумывающих о судьбах искусства, Виктор Иванов побуждает и зрителя думать о миссии, принятой на себя художниками его поколения, в своем творчестве ставивших злободневнейшие вопросы эпохи. В.И.Иванов — автор многочисленных жанровых картин из деревенской жизни. Его работы отличаются монументальностью образных решений, острой выразительностью композиционных построений, суровостью колорита.
"Семья. 1945 г." (1958-1964), "На покосе. В шалаше" (1961) и "Полдник" (1964-1966). "Похороны в Исадах" (1962-1983), "Ледоход" (1987),. серия живописных произведений, представленных на персональной вы-ставке в Российской академии художеств в 1995 г., серия работ "Куба" (1961), серия живописных и графических произведений, посвященных рязанской земле и ее людям.
Среди его наиболее известных работ также: "Родился человек" (1964-1969), "Женщина в белом платке" (1969), "На Оке" (1972), "В кафе «Греко»" (1974), "Под мирным небом" (1982), "На крыльце" (1979), "В саду" (1977), портрет "Ветерана гражданской войны Михаила Александ-ровича Учадчикова (1977), "Полдник" (1980), "Вечер в лугах" (1968-1984), "Портрет А. И. Рыжухина, инвалида Великой Отечественной войны" (1990).
Главный принцип Иванова – изображение жизни без прикрас, отказ от догматизма искусства, обращение к лаконичному, цельному изобразительному образу. Его пейзажи проникнуты единением земли и неба, а портреты отмечены психологической остротой раскрытия образа. Цветовой строй несет не только эмоциональную, но и смысловую нагрузку, выражая идею. Работа Иванова «Мать» к картине «Семья. 1945 год» − это уже «визитная карточка» художника, так как с этой работы окончательно определился стиль автора. Образное решение, найденное в этом портрете, предопределило общий художественный строй его монументального произведения «Семья. 1945 год.», которое находится в Государственном Русском музее.

5.

Попков, Виктор Ефимович (1932—1974) — общепризнанный в советское время живописец и график. Один из лидеров художников «сурового стиля»В 1948—1952 годах Попков учился в Московском государственном графическом училище. В 1952 году он был принят в Московский государственный художественный институт им. В. И. Сурикова в мастерскую известного графика Е. А. Кибрика (окончил в 1958 г.). Тема таких же одиноких вдов в пустых заброшенных домах на протяжении дальнейшего творчества глубоко волновала Попкова. Художник много ездил по стране. был увлечен развернувшимися вокруг грандиозными стройками. Первой творческой командировкой перед окончанием Суриковского института (в 1956 г.) стала поездка на Иркутскую ГЭС, затем состоялась поездка на строительство Братской ГЭС (картину «Строители Братска» приобрела ГТГ в 1961 г.). Эта картина принесла художнику настоящую известность. Он применил здесь необычный прием, поместив рабочих на темном густом фоне и высветив их как на сцене, сосредоточенных, полных чувства собственного достоинства. На выставке молодых художников в Париже в 1961 году за картины «Двое» и «Бригада отдыхает» Попков получил почетный диплом. В картине «Двое» (1966) две фигуры: мужчина и девушка. Замысел произведения возник после просмотра итальянского неореалистического фильма «Нищий». Колористически художник передал сложность человеческих отношений: нежная белая фигура девушки контрастирует с бронзовой огрубленной фигурой мужчины, отделенной пустым пространством. Сложные отношения, рвущиеся любовные связи... Эта тема была затронута в фильме и с большой глубиной выражена в картине. Здесь, как и в других жанровых работах («Развод», 1966; «Семья Болотовых», 1968; «Ссора», 1970)Особое место в творчестве художника занял цикл «Мезенские вдовы» (многие картины цикла в ГТГ). Картины возникли после неоднократных поездок на Север, где в пустых деревнях Попков увидел женщин, переживших такую же судьбу, как и его мать. Полнокровная жизнь давно ушла из этих почти бесплотных фигур, иссушенных неизбывным горем — наследием страшной войны. В цикл вошли картины «Воспоминания. Вдовы» (1966), «Одна» (1966), «Старость» (1968), «Сени» (1973), «Северная песня» (1968). К созданию знаменитой картины «Северная песня» Попкова подтолкнуло общение с женщинами в деревне Велегож на Мезени, где в знакомом доме они вечерами собирались на посиделки. «Хороший человек была бабка Анисья» (1973. ГТГ) — так назвал он свою большую работу. Ее сюжет — похороны старой крестьянки, которую уважала и любила вся деревня. Уход из жизни старой женщины трагичен, но после нее осталась память о добре, которым она делилась с односельчанами. И, несмотря на горе молодых и старых людей, собравшихся под сенью могучего дуба, их душевность, искренняя благодарность звучат как мелодия продолжающейся жизни. Огромную роль в картине играет пейзаж в красках осени, отливающих медью и кое-где пронизанных еще ярко-зелеными полями. Эти цвета звучат жизнеутверждающе. За два года до смерти Попков написал известное полотно «Шинель отца» (1972. ГТГ). Художник К. Фридман вспоминает: «Однажды вечером он пришел ко мне в шинели его отца, опустился на пол у стены и рассказал, как плакал сегодня, работая над картиной». Последней (неоконченной) стала картина «Осенние дожди» (1974. ГТГ). Изображение поэта на фоне тонко написанного русского пейзажа заставляет вспомнить, что художник очень любил жанр портрета и особенно автопортрета: «Мой день» (1968. ГТГ), «Работа окончена» (1972. ГРМ), «Мать и сын», «Художник в деревне». 12 ноября 1974 года несчастный случай оборвал жизнь замечательного художника. В 1975 году Попкову посмертно была присуждена Государственная премия СССР за серию картин «Размышление о жизни».

.Историческая тема в жив.2.пол 20С оветскому историческому жанру взгляд на события с позиций партийности, марксистско-ленинского, раскрытие роли народа как творца истории. В советском искусстве сложилась и заняла почётное место историко-революционная тематика.
Великая Отечественная война 1941—45 побудила художников обратиться к событиям мужественной борьбы советского народа против фашизма и к героическому прошлому народов СССР (картины П. Д. Корина, Кукрыниксов, А. П. Бубнова, М. И. Авилова, Н. П. Ульянова). В послевоенные годы художники посвящают свои произведения В. И. Ленину и революционной истории страны, подвигам советских людей в борьбе за победу социализма, выдающимся деятелям и безымянным героям истории («Выступление В. И. Ленина на III съезде комсомола» и "Владимир Ильич Ленин на Красной площади" Б. В. Иогансона 1950; картины Вл. А. Серова "Зимний взят", «Ходоки у Ленина», Е. Е. Моисеенко «Красные пришли», «Победа», М. А. Савицкого, Г. С. Мосина, М. Ш. Брусиловского; скульптура Н. В. Томского, Е. В. Вучетича, Ю. Й. Микенаса, Э. Д. Амашукели, Л. В. Буковского; графика В. А. Фаворского, Е. А. Кибрика, В. И. Касияна). Исторический жанр в искусстве других социалистических стран посвящен эпизодам национальной истории, борьбе с фашизмом, победе социалистических общественных отношений.
Монументальные произведения Мыльникова занимают в творчестве художника значительное место. Широко известны мозаичные панно «Изобилие» и «В.И.Ленин» для станций метрополитена «Владимирская» и «Площадь Ленина», жесткий занавес для Кремлевского Дворца съездов в Москве, фрески для Театра юных зрителей им.А.А.Брянцева. Под руководством и при участии А.А.Мыльникова создавались творческим коллективом художников мозаичные панно для мемориального зала Памятника защитникам Ленинграда «Блокада» и «Салют Победы» (С.Н.Репин, Н.П.Фомин, И.Г.Уралов, В.В.Сухов), гобелены для Дома Советов в Москве.
Мозаики для станций метрополитена «Озерки», «Достоевская», «Ул.Дыбенко» выполненные по эскизам этих же художников. Мозаика для станции метрополитена «Площадь Александра Невского» выполнена А.К.Быстровым во время пребывания в Творческой мастерской Мыльникова.

Еще одна шпора. Начинаем говорить о том, что происходит поворот в жизни общества (оттепель, речь Иогансона), который отразился на культурной жизни общества. Все почувствовали «свежую струю», обновление… Появление нового живописного языка,расширение.круга.тем…Естественно, эти исторические изменение не могли не отразиться на исторической живописи. Если взглянуть на живопись 50-80, то мы увидим следующие темы.
-революция;-война (как отдельные подвиги, так и масштабные полотна);-портреты героев войны;
-российская история (дореволюционная) концу 70-х годам Назаренко «Казнь народовольцев», «Декабристы», «Пугачёв», 80-е годы к600-летию Куликовской битвы: Пугач, Ракша, Глазунов, Андронов…)
-репрессии(80-е.годыЖилинский«ПамятиОтца»…),-пушкинская тема (Моисеенко, Попков)
Изменяется трактовка исторических событий. Часто изображается героическое, не в момент самого подвига, а в его преддверии (Никонов «Октябрь», Коржев «Следы войны», Мыльников «Прощание»). Художники выбирают не самые героические моменты, идёт дегероизация. Появляется обобщенный «типаж» русского солдата (Никич «Военные корреспонденты»). Появляются работы с символическим началом (Савицкий «Поющие коммунисты»)
Историческая картина нашла своё воплощение и у художников «сурового стиля»:
Коржев (Триптих «Коммунисты»-революция, серия «Опалённые войной»-война, российская история- «Егорка летун», «Беседа»- философское размышление о судьбе России, обращение к образу Дон Кихота…)
Моисеенко «Красные пришли», «Матери, сёстры», «Черешня», «9 мая 45», позднее религиозные сюжеты..)
Савицкий «Партизанская мадонна», серия «Цифра на сердце» (Мадонна Веркинао, Поющие коммунисты…)
Угаров «Ленинградка», «Июнь 45»,
Мыльников Триптих «Памяти Лорки», «Прощание», Тюленев «Победа» (связь с полётами Шагала).
Далее картины на тему Куликовской битвы.
ГлазуновНазаренко(4картины)80-е годы: Белов серия работ Беломорканал, Жилинский «Памяти отца

7.

Коржев Русская живопись очень часто выступала как живопись гражданская (вспомним большинство художников Товарищества передвижных художественных выставок). Для советских живописцев, получивших свое художественное образование в первые послевоенные годы, обязаны были стоять вопросы, что и как изображать. Ибо жизнь давала, конечно же, объективно острые противоречия - стремление народа к лучшей жизни, его энтузиазм по восстановлению разрушенной войной страны и необычайно суровое существование большей части населения.
И надо признать, что творчество Гелия Михайловича Коржева (Коржева-Чувелева) полностью соответствовало той позиции, которую должен был бы занимать в то время любой художник-гражданин, художник-патриот. Ибо это была искренняя позиция художника, создающего неприкрашенные, не ласкающие глаза полотна, но понимающего, что изображаемый им народ имеет право на лучшую жизнь (не в этом ли истинный патриотизм?). При этом неважно, о каком цикле работ идет речь: о революционной ли серии, серии Опаленные огнем войны или евангельско-нравственной теме в творчестве художника. Интересная деталь: в большинстве картин Г. Коржева привлекает внимание изображение рук (или кистей рук), которые сознательно или бессознательно несут особую смысловую нагрузку, являя собой символ сурового времени, трагических событий (всмотритесь в "Проводы" из серии "Опаленные огнем войны", 1967; "Поднимающий знамя", 1951; "Гомер (Рабочая студия)", 1960; "Беседа", 1975-1985; "Достоевский на каторге", 1986-1990; "В тени креста", 1995-1996).Жизненная же линия художника типична для советских деятелей искусства, рожденных в 1920-е годы. Учился Г.М. Коржев в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова (1944-1950). С 1970 года живописец - действительный член Академии художеств, в 1979 году ему присвоили звание народного художника СССР. Широкую известность художник получил в 1950-е - 1960-е годы, когда были представлены его полотна «Поднимающий знамя», «Влюбленные» и знаменитый цикл работ «Опаленные войной». Произведения Коржева – это всегда прямой диалог со зрителем, непосредственное ощущение которого усиливается выделенным первым планом. Его искусство привлекает внимание к определенным нравственным проблемам, отличается социальной остротой и большой силой воздействия. Полотна - «Проводы», «Мать», «Заслон», «Старые раны», посвящены достоинству и духовной стойкости народа, терпению простых людей. Его творчество имеет не только национальное значение, оно предупреждает все человечество об опасности. Цикл «Мутанты» потрясает зрителей. В нем отражен протест втора против человеческой глупости, преступлений и насилия. Не менее важное место в искусстве живописца занимают натюрморты. Его предметы натюрморта величественны, благодаря четким композиционным построениям, приглушенному благородному колориту, увеличенному масштабу.

.Моисеенко. После демобилизации в ноябре 1945 г. возвратился в институт и в 1947 г. блестяще его закончил, представив в качестве дипломной работы картину "Генерал Доватор".

И хотя сразу же по окончании института его как зрелого мастера приняли в Союз советских художников, дальнейшее продвижение и официальное признание для недавнего узника концлагеря было невозможно.

Положение меняется в 1950-х гг., после смерти И. В. Сталина. С 1956 г., когда Моисеенко впервые избрали в руководство Ленинградского отделения Союза художников, началось его стремительное восхождение. В 1970 г. Моисеенко присваивается звание народного художника СССР. В 1974 г. за цикл картин "Годы боевые" ему присуждена Ленинская премия. В 1976 г. - орден Дружбы народов. С 1958 г. Моисеенко начал преподавательскую деятельность в ИЖСА в качестве руководителя персональной живописной мастерской.

Напряженная педагогическая работа не мешала его собственному интенсивному творчеству и не прекращалась до конца его жизни. В 1963 г. Моисеенко присвоено звание профессора кафедры живописи, в 1973-м он избран действительным членом АХ СССР.

Персональная выставка художника, открывшаяся в марте 1982 г. в ГРМ, показала настоящий масштаб его дарования и невероятную, почти на пределе человеческих возможностей работоспособность. Традиционно считавшийся мастером тематической картины, Моисеенко раскрывается как одаренный портретист (портреты Н. Н. Золотарева, 1967 художника А. А. Осмеркина, 1970 искусствоведа Г. В. Кекушевой, 1971 "В Старой Ладоге. (Автопортрет с женой)", 1978 "Портрет матери", "Автопортрет", "Портрет жены", все 1979, и др.), автор поэтических пейзажей ("Пейзаж. Стежки", "Суздаль", оба 1968, "Цветет яблоня", "Озеро", "Дождик", "Вечер. Старые липы", "Ночной поселок", все 1973 "Зима. Серый день", 1977, "Темные деревья", "Зеленый май", "У пруда", все 1978) и плотно, размашисто написанных натюрмортов ("Натюрморт с античным торсом", 1971 "Гитары", 1972 "Натюрморт с жасмином", 1977 "Натюрморт с фреской", 1980, и др.).

И все-таки именно тематическая картина определяет главное направление в творчестве художника.

Искусство Моисеенко автобиографично по своей сути. Он изображает то, что пережил, что глубоко вошло в сознание. Уход из родного дома в отроческом возрасте и связанные с этим событием переживания обострили интерес Моисеенко к миру подростков.

Он посвящает этой теме круг работ - от явно биографических ("Из детства", "У колодца", обе 1979) до многочисленных изображений мальчишек - купающихся, отдыхающих, увиденных в единстве с природой. Знаменательно, что духовно близкого ему С. А. Есенина художник также представил подростком ("Сергей Есенин с дедом", 1964).

На протяжении всего творчества главной для Моисеенко остается тема войны, страдания, высоты человеческого духа, трагических потерь и счастья Победы. Он воспроизводит увиденное и пережитое (серия "Этого забыть нельзя", 1960-62 "Матери, сестры", 1967 "Победа", 1970-72 "Ветераны", 1978) и наряду с этим творит иную реальность, создавая удивительный сплав правды и мечты.

Через романтическую поэзию Э. Г. Багрицкого, И. П. Уткина, М. А. Светлова воспринял и запечатлел художник эпоху гражданской войны. "Нас водила молодость" (1972-75) - назвал он одну из своих картин, акцентируя внимание на поэзии как источнике вдохновения. И другие его работы, посвященные теме гражданской войны, также овеяны романтикой поэтического восприятия мира ("Красные пришли", 1961

"Товарищи", 1963-64 "Вестники", 1967 "Черешня", "Комиссар", обе 1969 "Песня", 1978-80).

Романтическое, возвышенное начало, явно просматривающееся в работах Моисеенко, не случайно. В них, конечно же, нашла отражение личность самого художника, но в не меньшей степени - и атмосфера времени, окрыленных, полных надежд 1960-х гг. с их высоко поднявшейся поэтической волной и песенными ритмами. И что бы в дальнейшем ни писал художник - солнечную Элладу, интеллектуальный Париж или близкую его сердцу Испанию, песенное начало присутствует в его живописи как ритм, поэзия. От природы Моисеенко был щедро одаренным человеком. Он не только абсолютно видел цвет, но и абсолютно слышал слово. Его тяга к литературе - не просто дань времени, но и глубинная потребность творческой натуры. Любимый поэт - А С. Пушкин. К его образу художник возвращался постоянно, возможно ощущая некое родство с мятущейся душой поэта ("Пушкин в Болдине", 1974 "Пушкин", "Натюрморт с рисунком А. С. Пушкина", обе 1976 "Вечер. Пушкин", 1978). Одна из последних значительных работ Моисеенко посвящена умирающему Пушкину.

.Назаренко Татьяна Григорьевна Назаренко родилась 24 июня 1944 года в Москве. Жила с бабушкой, которая осталась жить в картинах художницы: «Утро. Бабушка и Николка» (1972), «Портрет А. С. Абрамовой» (1976), «Воспоминания» (1982), «Жизнь» (1983), «Белые колодези. Памяти моей бабушки» (1987).

В 1962 году Татьяна Назаренко поступила на живописный факультет Художественного института имени В. И. Сурикова, где ее учителями стали Д. Д. Жилинский, А. М. Грицай, С. Н. Шильников. После окончания института, с 1968 по 1972 год, она работала в творческой мастерской Академии художеств СССР у Г. М. Коржева.

Искусство Татьяны Назаренко формировалось под влиянием бурных событий 1960-х годов и воспоминаний о трагических событиях 1930-х. В нем соединились полнокровность мироощущения, жизнелюбие, умение переживать будничные события как праздник — и постоянная тревога, позволяющая превращать эти праздники в странные и сложные действа, где все правда — и неправда, где столько же веселья, сколько печали, где много слоев восприятия, много пространств, наложенных одно на другое, где зыбко время, переплетены точность натурных наблюдений и самая безудержная фантазия.

В творчестве Татьяны Назаренко сильно аналитическое начало. В каком бы жанре живописи она ни работала, главное содержание ее картин выражается не только и не столько через сюжет, сколько через общую духовную атмосферу, которая определяет и психологическое состояние героев, и эмоциональную окрашенность пейзажей, предметов, и сам пластический язык ее искусства. Эта одухотворенность живописи в соединении с аналитически-пристальным подходом к изображаемым явлениям и составляет содержательное своеобразие произведений художницы.

В конце учебы в институте, в 1965—1967 годах, Назаренко ездила в Среднюю Азию. Казахстан, Узбекистан, Киргизия на несколько лет определили круг сюжетов ее работ. Среднеазиатские картины Назаренко («Мать с ребенком», «Материнство», «Самарканд. Двор», «Узбекская свадьба», «Молитва», «Мальчики в Бухаре») отразили ее живые наблюдения. Но не только. В этих работах как будто собрался весь багаж ее ученических приобретений. Но в них уже видно и другое неотъемлемое качество молодой художницы — самобытность. Из-под привычных форм «искусства шестидесятых» в них проглядывает иное содержание. В них все гораздо более зыбко и неоднозначно, они необычайно музыкальны, в них проявляются черты примитива: желание снять репрезентацию, внести улыбку, простоту и игру.

И не случайно сразу после среднеазиатской серии Назаренко обращается к темам, значительно более для нее близким. Она пишет картины, где главными героями являются она сама и ее друзья. Жизнь поколения становится предметом ее искусства.

Начало 1970-х годов для Назаренко, как и для большинства художников ее поколения, — время поисков жанра, манеры, темы. Художница пробует свои силы и в «примитивистской» манере, и в системе строгой неоклассики, пишет полотна романтически-декоративные и игровые. В эти годы ею были написаны такие разные полотна, как «Казнь народовольцев» (1969—1972), «Дерево в Новом Афоне» (1969), «Воскресный день в лесу» (1970), «Портрет цирковой актрисы» (1970), «Проводы зимы» (1973), «Новогоднее гуляние» (1973), «Мои современники» (1973), «Обед» (1970),

Среди ее героев почти всегда можно встретить собственное изображение — и мера зоркой беспощадности глаза, умение подчеркнуть острохарактерное в ущерб идиллически-благополучному так же сильны в отношении к самой себе, как и к любой другой модели.

В исторических композициях Татьяны Назаренко отражен взгляд нашего современника на прошедшее. В ее картинах одномоментно присутствует прошлое и настоящее, историческое событие — и наше нынешнее представление о нем. Характерен уже сам подход к решению темы: в исторических полотнах — «Казнь народовольцев», «Партизаны пришли» (1975), «Декабристы. Восстание Черниговского полка» (1978), «Пугачев» (1980) — художница избирает трагедийные, кульминационные моменты, требующие высшего напряжения духовных сил участников действия. Многозначительны здесь тишина, молчание.

10.Портрет в живописи 1940-50-х гг Советский портрет — качественно новая ступень в истории мирового портретного искусства, один из основных жанров советского изобразительного искусства, отмеченный всеми его характерными чертами. В советском портрете наметилась устойчивая тенденция относительно равномерного его развития во всех основных видах изобразительного искусства. Портретный образ все чаще входит в сюжетную картину, монументальную скульптуру, плакат, сатирическую графику и т.п. Советский портрет многонационален.
Основное содержание советского портрета — образ нового человека, строителя коммунизма, носителя таких духовных качеств, как коллективизм, социалистический гуманизм, интернационализм, революционная целеустремленность. Главным героем советского портрета становится представитель народа.
Возникают Портрет-типы и Портрет-картины, отражающие новые явления в трудовой и общественной жизни страны (работы Г. Г. Ряжского, А. Н. Самохвалова, С. В. Герасимова, С. А. Чуйкова).
Наряду с портретными образами советской интеллигенции, созданными такими мастерами, как живописцы Малютин, К. С. Петров-Водкин, М. В. Нестеров, Д. Корин, И. Э. Грабарь, Кончаловский, М. С. Сарьян, появляются жизненно правдивые портреты рабочих, воинов Советской Армии и колхозников (живопись А. А. Пластова, А. Гудайтиса, И. Н. Клычева).
На новой идейно-художественной основе создаются групповые потртеты (произведения А. М. Герасимова, Корина, Д. Д. Жилинского).
Новаторскими чертами отмечены исторические и, в частности, историко-революционные портреты мастеров союзных республик ("Лениниана". Н. А. Андреева, работы И. И. Бродского, Вл. А. Серова, В. И. Касияна, Я. И. Николадзе).
Развиваясь в русле единого идейно-художественного метода социалистического реализма, советский Портрет отличается многообразием творческих индивидуальностей его мастеров, богатством художественных манер и решений темы, смелыми поисками новых выразительных средств.

В этом жанре продолжают работать М. С. Сарьян, И. Э. Грабарь, П. Д. Корин. В своей скупой выразительной манере, всегда остро подчеркивая индивидуальное в модели, Корин исполняет портреты близких ему людей художественной среды: "С. Т. Коненков" (1947), "Л/. С. Сарьян ", "Р. Н. Симонов " (оба – 1956), "Кукрыниксы" (1957–1959), по образному определению одного из исследователей, прекрасные "живописные монументы". Изысканные по цвету, лирические по характеру портреты создает В. М. Орешников (" Портрет балерины А. Я. Шелест", 1949). Свои лучшие работы исполнил на склоне лет Р. Р. Фальк (" Автопортрет в красной феске", 1956). Образы рабочих интересуют ленинградского художника Л. В. Кабачека. М. С. Сарьян одним из первых изобразил генерала армии И. X. Баграмяна в "непарадном виде", без обычных для того времени "котурнов" (1947).

.Л Д. Корин российский живописец, портретист, монументалист, коллекционер, Игумнова, М. С. Сарьяна, С. Т. Коненкова, Кукрыниксов, Р. Гуттузо, за которые художник был награжден Ленинской премией. Интересны также его монументальные работы – мозаики и витражи для московского метро (станции Комсомольская, Смоленская и Новослободская). Всю жизнь Корин собирал редкие экземпляры древнерусского искусства, украшением его собрания является чудная коллекция икон. Умер художник в 1967 году, похоронен на Новодевичьем кладбище.лауреат Ленинской премии, общественный деятель. Родился в селе Палех в семье иконописца. Среди знаменитых родственников Павла Корина – художники Алексей, Александр, Дмитрий и Михаил Корины. В 1911 году молодой Корин переезжает в Москву, где становится учеником и помощником Нестерова, вместе с которым расписывает Марфо-Мариинскую обитель. В 1916 году Корин заканчивает Московское училище живописи ваяния и зодчества. Смерть патриарха Тихона сподвигла глубоко верующего художника к созданию полотна «Реквием», которая, с подачи М. Горького, получила название «Русь уходящая». Переименование картины с одной стороны исказило ее первоначальный замысел, а с другой – защитило художника он гонений со стороны атеистического советского строя. Новая политика диктовала жесткий стиль жизни, поэтому великая картина все-таки осталась незаконченной. Павел Корин – замечательный портретист, среди известных его работ – портреты М. В. Нестерова, А. Н. Толстого, В. И. Качалова, К. Н. Вышедший из потомственной семьи иконописцев Корин с детства относился с искусству как высшему проявлению духовной жизни человека. Работа в Москве, а главное, знакомство с М.В. Нестеровым сформировали в нем отношение к творчеству как подвижничеству, служению своему призванию. Московское училище живописи, ваяния и зодчества дало ему достаточно высокую профессиональную подготовку. Корину был свойственен интерес к человеку, к проявлению его психических и духовных сил во время острых социальных конфликтов. Похороны патриарха Тихона произвели сильное впечатление на молодого художника; позже родился замысел большой картины. Работа увлекла его, и в течении восьми лет он создал этюды-портреты для задуманного полотна. Так возникают произведения, в которых Корин проявил себя великолепным портретистом. Его творчество привлекает внимание общественности, и А.М. Горький организует ему поездку в Италию и Францию. Проявляются условия для творчества, растет количество исполненных им портретных работ. Каждый такой портрет полностью открывает внутренний мир персонажей, их индивидуальные черты и духовную общность. Корин много работает над эскизами, но картина еще не сложилась в его воображении, а без этого он не мог приступить к ее написанию. Сложность поднятой проблемы требовала все более углубленного проникновения в суть конфликта, при этом четкость, ясность понимания замысла исчезали. Художник не находит необходимого решения, которое бы его удовлетворяло. В самом характере творчества Корина заметно тяготение к монументальности, она присуща его мышлению. Действительно, все созданное им монументально и по композиционному строю, и по внутреннему образу. Художник в каждом пейзаже или портрете находит свою высоту и духовность. Однажды в разговоре Корин упомянул, что его могут увлечь люди только с глубоким интеллектом, духовно богатые. Портреты художника открывают главное в человеке, в них — умение видеть существенное, важное, характерное. Созданные Кориным драматические образы героев будущей картины как бы нашли продолжение в глубоких психологических портретах деятелей искусства и науки, над которыми он работал в течение многих лет. Даже в официально парадных образах маршалов — героев Отечественной войны (портрет маршала Г.К. Жукова) блеск орденов и регалий не заслоняет человека с его индивидуальным складом характера. Монументальные живописные полотна Корина, начиная с триптиха «Александр Невский» и кончая триптихом «Сполохи», синтезирует в себе образы русской истории. В них каждый персонаж становится олицетворением высоких понятий. Художник не боится пафоса, героическое звучание естественно для созданных Кориным композиций. Над своими произведениями Корин работал подолгу, избегая случайностей, торопливости, в них всегда чувствуется работа мысли художника, стремление найти точное, адекватное замыслу воплощение. Создание мозаичных сюжетных композиций для актового зала Московского университета, нескольких станций и вестибюлей метрополитена в Москве стали естественным продолжением творческого пути Корина. Самым значительным из них стал цикл мозаик для станции «Комсомольская-кольцевая». Торжественному, парадному архитектурному решению подземных залов А.В. Щусева соответствовали и мозаичные плафоны по эскизам П.Д. Корина. Выбор сюжетов — ключевые моменты русской истории — был обусловлен заданной темой победы народа над фашизмом. Воспевание славы русского оружия воспринимается как триумф борьбы народа с иноземцами на протяжении столетий исторического развития. Эскизы к этому циклу существуют как вполне самостоятельные произведения. Мягкая гамма, тонкие нюансы цвета открывают в них новые качества. Внимательная моделировка каждой сцены позволяет подробнее увидеть отдельные детали, почувствовать их взаимосвязь. Диапазон творческих интересов Корина был очень велик, он работал в самых разных областях искусства, и везде видна его требовательность к себе. Акварели, сделанные в Москве, Италии, Палехе, являются небольшими законченными картинами. Пейзажи родных мест открывают в нем пейзажиста, тонко чувствующего природу с ее сложными оттенками настроения, вечно меняющимся состоянием. Работая над мозаиками, он внимательно изучил технику их исполнения, смело использовал новые материалы. Много сил отдавал Корин реставрации, в течении двадцати семи лет возглавляя реставрационную мастерскую Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Творческая жизнь художника была насыщенной и многообразной. Вызывает восхищение значительность и благородство замыслов мастера, глубина его проникновения в психологию и характер человека, преклонение перед красотой — будь то красота родной земли или человеческой души.

. Жилинский Дмитрий Жилинский родился 25 мая 1927 года в посёлке Волковка (ныне село Волковка, г. Сочи, Краснодарский край). Живописец. В 1944—1946 годах учился в Московском институте прикладного и декоративного искусства. В 1951 году окончил МГАХИ имени В. И. Сурикова. Учился у Н. М. Чернышёва, С. А. Чуйкова,П. Д. Корина, А. М. Грицая и В. Н. Яковлева.Автор многочисленных сюжетных полотен, картин-портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. Принадлежит к поколению художников «сурового стиля», но стилистически стоит особняком.Среди наиболее значимых картин: «У моря. Семья» (1964, ГТГ), «Гимнасты СССР» (1964, ГРМ), «Под старой яблоней» (1969, ГРМ), триптих «1937 год» (1986—1987, ГТГ).
Жилинскому ведомы разные уровни реального Человек и Природа, их духовное единство - одна из центральных тем большинства произведений мастера, которые обращены к вечным ценностям мироздания, природы, культуры, нравственным и духовным основам личности. Мироощущение художника формировалось под влиянием ярких личностей: В.А. Фаворского, Н.М. Чернышева, П.Д. Корина, в общении с ними происходило его взросление и обретение мастерства. Своеобразие пластического языка определило глубокий интерес к искусству мастеров итальянского Возрождения и древнерусскому искусству, буквально покорившим молодого художника. Жилинский в совершенстве освоил сложную технику живописи темперой по левкасу, требующую безукоризненного рисунка. Мастер сосредоточил свой художнический поиск на создании ритмически выверенной и гармонично построенной многофигурной композиции, он предпочитает некую замкнутую пластическую среду, «говорящую» со зрителем на особом метафоричном, полном символов языке. В излюбленных портретных композициях и натюрмортах Жилинский погружается в процесс скрупулезного изучения натуры, придирчиво отбирает детали, опускает ненужное, всегда балансируя на грани эмоционального восприятия и жесткой рассудочности. Интерес художника вызывают мифологические и религиозно-аллегорические сюжеты. С годами его живописная манера меняется: уходит строгая локальность цвета, развивается тонально разработанная палитра, уплощенность изображения уступает место иллюзорной трехмерности. Особый акцент делается на выразительных возможностях линии, контура, силуэта, тонкости колорита отличают теперь его стилистику и способ нового художественного освоения действительности. Таково новое «творческое лицо» мастера. Искусство Дмитрия Жилинского - пример широкого диапазона возможностей видеть и понимать мир.