Краткий словарь художественных терминов

Академизм (франц. academisme), в широком смысле – оторванность от практики, от жизненных реалий; в изобразительном искусстве – направление, сложившееся в художественных академиях 16–19 веков и основанное на буквальном следовании формам классического искусства эпох античности и Возрождения. Способствуя систематизации и унификации художественного образования, сохранению классических традиций искусства, академизм одновременно насаждал систему вневременных, "вечных" канонов, форм красоты, идеализированных образов.

Акварель (франц. aquarelle, итал. acquerello, от лат. aqua – вода), краски, обычно на растительном клее, разводимые водой, а также живопись этими красками. Ее основные качества – прозрачность красок, чистота цвета; размывы и затёки создают эффект подвижности и трепетности изображения, мягкости тональных и цветовых переходов. Живопись непрозрачной акварелью с примесью белил (см. Гуашь) была известна в Древнем Египте, античном мире, средневековых Европе и Азии. Чистая акварель в 15–17 веках служила главным образом для раскраски гравюр, чертежей, географических карт, эскизов картин и фресок, а со 2-й половины 18 века стала широко применяться прежде всего в пейзажной живописи, поскольку быстрота работы акварелью позволяет фиксировать непосредственные наблюдения, а воздушность её колорита облегчает передачу атмосферных явлений. Живопись акварелью занимает значительное место в творчестве Ж.О. Фрагонара, Ю. Робера, Э. Делакруа, О. Домье, П. Синьяка во Франции, А. Менцеля в Германии, Р. Бонингтона, У. Тёрнера в Великобритании и др.

Акватинта (итал. acquatinta, от acquaforte -офорт и tinto – окрашенный, тонированный), метод гравирования, основанный на протравливании кислотой металлической пластины сквозь прилипшую к ней асфальтовую или канифольную пыль. Акватинта создает эффект, близкий к рисунку мягким карандашом; в сочетании с офортом обогащает его игрой тональных и фактурных оттенков.

Акрополь (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город), возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, крепость, убежище на случай войны. На Акрополе обычно находились храмы божеств-покровителей данного города. Наиболее известен Акрополь в Афинах на возвышающейся над городом скале – гармоничный по масштабам построек, гибкий по пространственной организации, органически связанный с естественным окружением ансамбль, созданный под общим руководством Фидия: парадный вход Пропилеи (437–432 до н.э., архитектор Мнесикл), храм Нике Аптерос (449–420 до н.э., архитектор Калликрат), главный храм Акрополя и Афин Парфенон (447–438 до н.э., архитекторы Иктин и Калликрат), храм Эрехтейон (421–406 до н.э.).

Алтарь (лат. altaria, от altus – высокий), жертвенник, первоначально – место для жертвоприношений богам на открытом воздухе. В Древней Греции и Древнем Риме представляли собой отдельные сооружения, часто украшенные мрамором и рельефами. В христианских храмах алтарём называется стол (престол), расположенный в восточной части церкви, на котором совершается во время литургии таинство Евхаристии; в католическом обиходе – также декоративные, в том числе многостворчатые стенки, украшенные скульптурой (см. также Ретабло) и живописью, алтарными картинами. Обычно алтарём называют также всю восточную часть храма, отделенную от молящихся алтарной преградой.

Ампир (франц. empire – империя, собственно – стиль империи), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1-й трети 19 столетия, завершающий эволюцию классицизма. Сложился во Франции в период империи Наполеона I: массивные, подчеркнуто монументальные формы архитектуры, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, доспехи, лавровые венки, орлы и т.п.), обращение к наследию архаической Греции, императорского Рима, Древнего Египта служили для воплощения идей государственного величия и воинской мощи (работы архитекторов Ш. Персье и П.Ф.Л. Фонтена; мебель Ф.О. Жакоба). В ряде стран Европы ампир стал выражением идей государственной независимости, отстаивавшейся в антинаполеоновских войнах (творчество Ф. Шинкеля в Германии и др.).

Архитектоника (от греч. architektonike – строительное искусство), тектоника, художественное выражение структурных закономерностей, присущих конструкции здания, композиции круглой скульптуры, объемных произведений декоративного искусства. архитектоника выявляется во взаимосвязи и взаиморасположении несущих и несомых частей, распределении масс, в ритмическом строе форм, в пропорциях, отчасти – в цветовом строе произведения. В более широком смысле архитектоника – композиционное строение любого произведения искусства, обусловливающее соотношение его главных и второстепенных элементов.

Базилика (от греч. basilike – царский дом), тип торгового и судебного здания в архитектуре Древнего Рима, позже – один из основных типов христианского храма в зодчестве Византии, Сирии, в архитектуре романского стиля и готики, Возрождения и барокко. базилика в своей развитой форме – прямоугольное в плане здание, внутри разделенное рядами столбов или колонн на продольные части (нефы); более высокий средний неф освещается через окна, расположенные над кровлями боковых нефов. Перед входом в базилику обычно располагается поперечный притвор (нартекс), а в противоположном конце среднего нефа – полукруглый выступ перекрытой полукуполом апсиды. Базилика с разными по высоте нефами или с более высоким, но лишенным окон средним нефом называется псевдобазиликой.

Барбизонская школа, группа французских живописцев-пейзажистов (Т. Руссо, Ж. Дюпре, Н.В. Диаз, Ш.Ф. Добиньи, К. Труайон), работавших в 1830–1860-е годы в деревне Барбизон близ леса Фонтенбло. Стремились утвердить эстетическую ценность национального ландшафта и обыденных пейзажных мотивов, передать многообразные состояния природы, вибрацию света и воздуха. Работая над этюдом, а иногда и над картиной с натуры, мастера Барбизонской школы разрабатывали методику тональной живописи, богатой валёрами, световыми и цветовыми нюансами, уделяли внимание точной фиксации непосредственных впечатлений. К Барбизонской школе были близки К. Коро и Ж.Ф. Милле, ее традиции повлияли на развитие пейзажной живописи как во Франции, так и в других странах Европы (творчество Я.Б. Йонгкинда в Нидерландах, М. Мункачи в Венгрии и др.).

Барельеф (франц. bas-relief, буквально– низкий рельеф), тип рельефа, в котором выпуклая часть изображения выступает над плоскостью фона не более чем на половину своего объема. Сюжетно-изобразительный и декоративный барельеф – распространенный вид украшения архитектурных сооружений и произведений декоративного искусства; барельефы часто применяются также в оформлении постаментов памятников, в надгробно - мемориальных сооружениях, монетах, медалях, геммах.

Бидермейер, бидермайер (нем. Biedermeier), стилевое направление в немецком и австрийском искусстве 1810–1840-х годов. Название получило позже, по фамилии немецкого обывателя, персонажа стихов немецкого поэта Л. Айхбродта "Biedermaiers Liederlust" (изданы в 1850). Архитектура (главным образом отделка интерьеров) и декоративное искусство Бидермейера, отражавшего вкусы бюргерской среды, перерабатывали формы ампира в духе интимности и домашнего уюта. Для живописи Бидермейера (Л. Рихтер, К. Шпицвег в Германии, М. фон Швиндт, Ф.Г. Вальдмюллер в Австрии), носящей отпечаток романтизма, характерны любовь к бытовой среде, тщательно воспроизведенным деталям, стремление к интимности, задушевности, безмятежной созерцательности.

Бистр (франц. bistre), прозрачная коричневая краска из древесной сажи, смешанной с растворимым в воде растительным клеем. Употреблялась европейскими художниками 15–18 веков для рисования пером и кистью.

Болонская школа, одна из школ итальянской живописи с центром в городе Болонья. Произведения болонских живописцев уже в 14 веке выделялись острой характерностью и экспрессией образов, однако как историко-художественное понятие Болонская школа связывается прежде всего с одним из течений итальянской живописи эпохи формирования и расцвета барокко. Художники Болонской школы конца 16–17 веков (братья Карраччи, Г. Рени, Доменикино), опиравшиеся на несколько внешне воспринятые художественные приемы мастеров Высокого Возрождения, в своих декоративно-эффектных станковых композициях, алтарных образах и монументальных росписях заложили основы европейского академизма.

Брешианская школа, брешанская школа, школа итальянской живописи с центром в городе Бреша. Сложилась в 16 веке, в эпоху кризиса Возрождения. Творчество мастеров Брешианской школы (А. Моретто, Дж. Савольдо, Дж. Б. Морони), испытавших влияние венецианской школы, отмечено поэтическим восприятием жизни, вниманием к жанровым деталям, стремлением к бытовой трактовке религиозных тем; живописной непосредственностью, точностью социально-психологической характеристики отличаются портреты Брешианской школы.

Бюст (франц. buste, от лат. bustum – место кремации, надгробный памятник), погрудное, чаще всего портретное изображение человека в круглой скульптуре. Появился (первоначально как посмертный или надгробный образ) в искусстве Древнего Египта и Древней Греции, окончательно сложился как особый вид скульптурно-портретной пластики в Древнем Риме, где в его композицию была включена подставка. Получил широкое распространение в искусстве Возрождения и нового времени (Донателло, Дезидерио да Сеттиньяно, Л. Бернини, Ж.А. Гудон, О. Роден и др.).

Вазопись античная, искусство росписи античных керамических сосудов. Древнейшие образцы вазописи относятся к эгейской эпохе: критские вазы с изысканными растительными узорами ("стиль камарес", 20–18 вв. до н.э.) и живыми лаконичными изображениями морских животных (конце 17–16 вв. до н.э.), строгие по композиции сосуды "дворцового стиля" (конце 15 в. до н.э.) с геометризованным растительным орнаментом, микенские вазы (14–12 вв. до н.э.)со схематичными фигурами людей и животных. В ранней древнегреческой вазописи выделяются протогеометрический (11–10 вв. до н.э.) и геометрический (9–8 вв. до н.э.) стили с подчеркивающими тектонику сосудов полосами ритмичных геометрических узоров, "ковровый" или "ориентализирующий" стиль (7 в. до н.э.) с полихромными изображениями животных и фантастических существ. Наиболее совершенные памятники вазописи возникли в эпохи древнегреческой архаики и классики: вазы чернофигурного стиля с силуэтными изображениями, нанесенными черным лаком на желтую или красную глину (6 в. до н.э.; выделяющиеся чистотой линий, выразительностью силуэтов, эмоциональной насыщенностью сложных сюжетных сцен работы Эксехия, Амасиса и др.), и краснофигурные росписи (изображения цвета глины на черном лаковом фоне; возникли ок.530 до н.э.), прошедшие стадии "строгого стиля" (конце 6 – начале 5 вв. до н.э.; изящные и строгие, при некоторой угловатости рисунка произведения Евфрония, Дуриса, "мастера Брига"), "свободного стиля" (со 2-й четверти 5 в. до н.э.) с вазами, отличающимися естественностью композиции украшающих их сцен, точностью и лаконичностью рисунка, "роскошного стиля" (конце 5 – 4 вв. до н.э.), для которого характерны перегруженность композиции фигурами, нарушение органического единства росписи и формы сосуда. С 3 – 2 вв. до н.э. древнегреческая вазопись постепенно пришла в упадок и уступила место украшению сосудов рельефным декором или накладными орнаментальными росписями.

Валёр (франц. valeur, буквально – цена, ценность), в живописи и графике оттенок тона, выражающий, во взаимосвязи с другими оттенками, определенное соотношение света и тени; система валёров, дающих последовательную светотеневую градацию в пределах какого-либо цвета, позволяет тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде, достигать особой глубины и богатства колорита, тонкости цветовых отношений и переходов.

Веризм (от итал. vero — правдивый), реалистическое направление в изобразительном искусстве (скульптор В. Вела, живописец Дж. Пеллицца), итальянской литературе (Дж. Верга, Л. Капуана, Г. Деледда), опере (П. Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж. Пуччини) конца 19 века, близкое к натурализму; характерны интерес к быту бедняков, особенно крестьян, внимание к переживаниям героев, острые драматические коллизии, подчеркнуто эмоциональный стиль.

Версаль (Versailles), королевский дворцово-парковый ансамбль.

Впервые упоминается в 1075 году. В конце 16 века Версаль был небольшой деревушкой в лесу, где иногда охотился Генрих IV. Людовик XIII построил там охотничий дом, а потом охотничий замок, а в 1632 приобрел и деревушку. Людовик XIV, не любивший Сен-Жермен, решил в 1660 превратить версальский замок в королевский дворец. В 1682-1789 годах Версаль — главная резиденция французских королей. Апартаменты королевского дворца в Версале оформлялись по эскизам придворного художника Шарля Лебрена.

Один из крупнейших в мире дворцово-парковый ансамбль Версаля в стиле французского классицизма вырос из охотничьего замка Людовика XIII (1624, перестроен архитектором Ф. Леруа в 1631-34). В результате нескольких строительных периодов (1661-1668, архитектор Л. Лево; 1670-1674, архитектор Ф. д'Орбе; 1678-1679, архитектор Ж. Ардуэн-Мансар) он был превращен в обширный дворец (длина фасада 576 м) с пышной отделкой парадных и жилых интерьеров (художник Ш. Лебрен, с 1661, и др.). Регулярный парк (площадь свыше 6 тыс. га) с бассейнами, фонтанами и скульптурами.

В основу планировки города Версаля, где селилась знать, легли три дороги (в Париж и к королевским дворцам Сен-Клу и Со), шедшие веером от дворца. Точка соединения этих дорог в курдонере (парадном дворе) отмечена конной статуей Людовика XIV (2-я четверть 19 века, скульптор Л. М. Л. Птито).

Среднюю дорогу по др. сторону дворца продолжает эффектная главная аллея с бассейнами и с Большим каналом (длиной 1520 м) — ось симметрии четкой сети прямых аллей громадного регулярного парка (1660-е годы, архитектор А. Ленотр) с нарядными павильонами, фонтанами, скульптурой (Ф. Жирардон, А. Куазевокс и др.). К северу от Большого канала — дворцы Большой Трианон (1687, архитектор Ардуэн-Мансар) и Малый Трианон (1762-1764, архитектор Ж. А. Габриель), к которому прилегает живописный пейзажный парк (1774, архитектор А. Ришар) с «деревней» Марии Антуанетты («хижина», мельница, молочная ферма; 1782-1786, скульптор P. Мик и художник Ю. Робер).

Ансамбль Версаля, в котором пространственный размах барокко сочетается с характерной для классицизма рациональностью построения, оказал определяющее влияние на развитие градостроительства и паркового искусства многих европейских стран. В 1830 ансамбли Версаля превращены в национальный музей. До сих пор по традиции в Версале проводятся концерты на воде.

Гамма красочная, гамма цветовая, ряд гармонически взаимосвязанных оттенков цвета (обычно с одним доминирующим), используемый при создании произведений живописи, декоративно-прикладного искусства и др. Различают теплую холодную, светлую и другие гаммы.

Генуэзская школа, одна из художественных школ Италии с центром в городе Генуя. В живописи Генуэзская школа сложилась к конце 1620-х годов, во многом под влиянием работавших здесь фламандцев А. ван Дейка и П.П. Рубенса. Ведущим художником школы был Б. Строцци, соединивший местные традиции с живописностью и эмоциональной чувственностью фламандской живописи. Мастера Генуэзской школы прославились произведениями пасторального жанра, взволнованно-романтическими религиозными композициями. Пасторальные и бытовые сцены, парадные портреты, религиозные и мифологические композиции художников Генуэзской школы (Б. Строцци, Дж. Б. Кастильоне, А. Вассалло) отличаются сочной живописностью. В архитектуре Генуэзская школа оформилась к середине 16 века; ее расцвет связан с творчеством Г. Алесси, реформировавшего структуру городского палаццо.

Гератская школа миниатюры, одна из художественных школ Среднего Востока, существовавшая в 15 веке в столице государства Тимуридов Герате. Миниатюрам (главным образом иллюстрации к рукописям, создававшимся в придворной рукописной мастерской) 1-й половины 15 века присущи тонкость письма, чистый, иногда построенный на горячих тонах колорит. Произведения мастеров Гератской школы 2-й половины 15 столетия, среди которых выделяются Кемаледдин Бехзад и его ученик Касим Али, отличаются разнообразием сюжетов, многофигурностью и многоплановостью композиций с богатыми пейзажными мотивами, богатством красочной палитры.

Герма (греч. hermes), в Древней Греции первоначально культовый символ бога Гермеса в виде обработанного скульпторами каменного ствола с рельефом или камня с головой бога; особенно подчеркивался фаллос. Гермы устанавливались на дорогах из Афин с указанием расстояний и популярных сентенций. С 5 века до н. э. появляются гермы с портретами известных политических деятелей, поэтов и философов (часто встречаются гермы с двойными портретами).

Гемма (лат. gemma), произведение глиптики, драгоценный или полудрагоценный камень с врезанными (инталия) или выпуклыми (камея) изображениями.

Глиптика (греч. glyptike, от glypho — вырезаю), искусство резьбы на драгоценных или полудрагоценных камнях.

Гобелен (франц. gobelin), вытканный вручную ковер-картина. В строгом смысле – изделие действующей поныне парижской мануфактуры, основанной как королевская в 1662 в предместье Сен-Марсель, в здании, которое до того занимали красильщики Гобелены (отсюда название). гобелены ткались на специальных ручных станках из цветных шерстяных и шелковых нитей (иногда также золотых и серебряных) методом выборочного ткачества, т.е. отдельными участками, которые затем сшивались тонкой шелковой нитью. Рисунки (картоны) для гобеленов с историческими, мифологическими, религиозными и другими сюжетами создавали крупные французские живописцы: в 17 столетии – директор мануфактуры Ш. Лебрен, в 18 веке – Ф. Буше, Ж.Б. Удри. Художественные качества гобеленов столь высоки, что их название было перенесено сначала на сделанные им в подражание шпалеры, а в 19 столетии – вообще на любые шпалеры и даже на обивочное плотное полотно машинного производства. В 19 веке художественный уровень гобеленов резко снизился; искусство гобелена было возрождено на новой эстетической основе только в 1930–1940-е годы. Массовые гобелены хорошего ткачества изготовлялись в мастерских Обюссона. Для гобеленов берутся более толстые нити и резко сокращают количество цветов (ранее их было несколько тысяч, теперь же меньше сотни). Картоны для гобеленов создавали А. Матисс, Ф. Леже, Ле Корбюзье и др. С 1960-х годов при изготовлении гобеленов вводятся аппликации, коллаж, ажурное плетение. Обнажается основа ткани, используются декоративные эффекты от рельефных переплетений. Помимо традиционных материалов, используются синтетические, кожа, шнур.

Гуашь (франц. gouache, от итал. guazzo – водяная краска), краски, состоящие из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил, а также произведение искусства, выполненное этими красками. Возникла как разновидность акварели, когда для достижения плотности красочного слоя к водяным краскам начали примешивать белила. гуашь широко использовалась для выполнения книжных миниатюр уже в средневековом искусстве, а начиная с эпохи Возрождения – также для эскизов, картонов, подцвечивания рисунков, позже – для портретных миниатюр. Начало производства специальных гуашевых красок в середине 19 века способствовало окончательному обособлению гуаши от акварели, использованию ее особенностей (плотность и матовость тонов) для достижения специальных декоративных эффектов.

Дивизионизм (от франц. divison – разделение), также пуантилизм (от франц. pointiller – писать точками), живописная система, основанная на методичном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые фиксируются на полотне четко различимыми небольшими мазками (точечной или правильной прямоугольной формы) в расчете на их оптическое смешение при зрительном восприятии картины. Обладающая ярким декоративным эффектом система дивизионизма была разработана в 1880-е годы французскими живописцами Ж. Сёра и П. Синьяком и широко использовалась мастерами неоимпрессионизма.

Диптих (от греч. diptychos – двойной, сложенный вдвое), двустворчатый складень с живописными или рельефными изображениями на каждой створке; также две картины, связанные единством замысла и средств художественной выразительности.

Дюссельдорфская школа, одна из влиятельных местных живописных школ Германии в 19 веке. Сложилась в Дюссельдорфе в связи с основанием здесь в 1819 году Академии Художеств, первый директор которой, Питер Корнелиус, направлял ее деятельность в русло академизированного романтизма. В 1826–1859 годах, когда директором Академии Художеств был В. Шадов, в Дюссельдорфской школе выделились различные течения: национально-историческая тематика трактовалась в духе несколько поверхностного романтизма (К.Ф. Зон и др.), в эпико-героических образах (А. Ретель), даже с оппозиционных антикатолических позиций (К.Ф. Лессинг); развивался реалистический пейзаж (О. и А. Ахенбах). В бытовом жанре в Дюссельдорфской школе с 1850-х годов господствовали идиллические сцены из жизни бюргеров и патриархального крестьянства (Л. Кнаус, Б. Вотье).

Евфроний, древнегреческий античный вазописец и гончар конца 6 — начала 5 века до н. э. Представитель «строгого стиля». Стремился к передаче сложных движений («Пелика с ласточкой»).

Египетский Музей в Каире, основан в 1858 году О. Мариетом. Хранилище памятников искусства и культуры Древнего Египта (в том числе хранятся сокровища гробницы Тутанхамона).

Елена из Александрии (4-3 век до н. э.), древнегреческая художница. Ее мозаичную картину «Битва Александра Македонского при Иссе» император Веспасиан перевез из Греции в Рим и поместил в храме Мира на римском форуме.

Ерерукская Базилика, памятник древнейшей армянской архитектуры (5 век) близ поселения Анипемза Анийского района в Армении; 3-нефная базилика имеет 4 соединенных галереями придела на углах.

Жанр (франц. genre – род, вид), исторически сложившиеся внутренние подразделения в большинстве видов искусства, специфичные для каждой из областей художественной культуры. В изобразительном искусстве основные жанры определяются прежде всего по предмету изображения (портрет, пейзаж, бытовой жанр, интерьер, натюрморт, исторический жанр, батальный жанр) или по характеру интерпретации этого предмета (карикатура, шарж, камерный портрет, историко-бытовой жанр и т.п.). "Поджанры" основных жанров могут возникать при дроблении самих предметов изображения (морской вид, марина – особый вид пейзажа, "завтраки" и "десерты" – разновидности натюрморта). В тех видах пластических искусств, где невозможно выделить предмет изображения, – в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, дизайне, жанровая классификация замещается типологическими разделениями, основанными на функциях произведения (так, в архитектуре выделяются типы дворца, храма, жилого дома и т.д., в свою очередь разделяющиеся на множество подтипов).

Основные жанры, как и само понятие жанр, имеют свои исторические границы. Искусство древности, средневековья, Возрождения не знало четких границ между жанрами, и только в 17–18 веках эстетика классицизма создала строгую иерархическую жанровую систему с разделением жанров на "высокие" и "низкие". Однако уже в 19 веке эта иерархия разрушается, а границы между жанрами постепенно стираются, начинается процесс их переплетения и сложного взаимодействия. В ином, узком смысле термином жанр обозначаются произведения бытового жанра (жанровая картина, жанровая скульптура и т.п.).

Жанр анималистический (от лат. animal – животное), вид изобразительного искусства, в котором ведущим мотивом является изображение животных. Остро стилизованные, имевшие, как правило, магическое значение фигуры зверей и птиц были распространены в первобытном искусстве, в памятниках евроазиатского "звериного стиля" (в том числе у скифов, сарматов, саков и других племен), у народов Африки, Океании, древней Америки; непревзойденной монументальностью отличаются изображения реальных и мифологических животных в искусстве Древнего Востока, экспрессивной динамикой – в настенных росписях, вазописи, пластике крито-микенской цивилизации, искусстве классической античности и эллинизма. Собственно анималистическийжанр появился в Китае в периоды Тан (8 в.) и Сун (13 в.). В средневековом искусстве Европы были распространены почерпнутые из фольклора, языческих и христианских легенд сказочно-гротескные образы зверей и птиц; художники эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер) начали рисовать животных с натуры.

Европейский анималистический жанр сформировался (первоначально во многом как аллегорический - морализирующий, когда те или иные животные выступали как олицетворение человеческих пороков и добродетелей) в 17 веке в искусстве Голландии (П. Поттер, А. Кейп, М. де Хондекутер) и Фландрии (Ф. Снейдерс, Я. Фейт). В дальнейшем в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных (К. Труайон во Франции, Б. Лильефорс в Швеции и др.) соседствуют с романтическим восхищением их силой и ловкостью (А.Л. Бари во Франции) или с декоративной стилизацией образов животного мира. Художники, работающие в анималистическом жанре называются анималистами.

Жанр батальный (от франц. bataille – битва), жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных и морских сражений, военных походов прошлого и современности. Такого рода изображения известны с древнейших времен (рельефы Древнего Востока, вазопись Древней Греции, рельефы на фронтонах и фризах античных храмов, на древнеримских триумфальных арках и колоннах, монументальные росписи Древней Индии, японская средневековая живопись и др.), в книжной миниатюре и декоративном искусстве средневековой Европы. Как самостоятельный батальный жанр формируется в Италии эпохи Возрождения, в творчестве П. Уччелло,Пьеро делла Франческа; героическая обобщенность присуща батальным сценам Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана, Тинторетто. В 17 веке сближению батальной живописи с историческим жанром способствовали картины Д. Веласкеса, глубоко раскрывавшего исторический смысли этическую подоснову военных событий, и произведения П.П. Рубенса, захватывающие зрителя своими динамикой и драматизмом. В батальном жанре формируются типы условно-аллегорической композиции с изображением полководца на фоне выигранной им битвы (Ш. Лебрен),небольшой картины с эффектными сценами кавалерийских стычек (Ф. Вауэрман), морских сражений (В. ван де Велде), видами армейских привалов и биваков, перекликающимися с произведениями бытового жанра (А. Ватто). В 1-й половине 19 века на развитие батального жанра наложили отпечаток историзм и эмоциональный пафос романтизма; события эпохи наполеоновских войн и национально-освободительных движений в Европе запечатлены в живописи А. Гро, Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Верне во Франции, Ф. Гойи в Испании, П. Михаловского в Польше и др. Во 2-й половине 19 века в военных сценах и батально-исторических полотнах А. фон Менцеля в Германии, А. Фаттори в Италии, У. Хомера в США и др. усиливаются пейзажные, жанровые, психологические начала, внимание к действиям и переживаниям рядовых участников военных действий. Художники, работающие в батальном жанре, называются баталистами.

Жанр бытовой, один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный изображению частной и общественной жизни человека. Бытовые ("жанровые") сцены, известные с глубокой древности (в первобытном искусстве, в росписях и рельефах Древнего Востока, древнегреческой вазописи, эллинистических росписях, мозаиках, скульптуре, средневековых фресках и миниатюрах), выделились в особый жанр в эпоху формирования в Европе буржуазного общества. Предпосылки для этого были заложены в искусстве Возрождения, когда художники начали насыщать бытовыми деталями религиозные и аллегорические композиции (Джотто, А. Лоренцетти в Италии, Ян ван Эйк, Р. Кампен, Гертген тот Синт-Янс в Нидерландах, братья Лимбург во Франции, М. Шонгауэр в Германии); в конце 15 – начале 16 веков. Бытовой жанр постепенно обособлялся у венецианцев В. Карпаччо, Я. Бассано, у нидерландцев К. Массейса, Луки Лейденского, П. Артсена, а в творчестве П. Брейгеля Старшего картины повседневности служили для выражения глубочайших мировоззренческих идей. В 17 веке окончательно сформировавшийся бытовой жанр, утверждал частный быт как значимое и самое ценное явление жизни. Возвышенная поэтизация бытовых мотивов, мощное жизнелюбие характерны для произведений П.П. Рубенса и Я. Йорданса, любование здоровой, естественной красотой простых людей– для "бодегонес" Д. Веласкеса.

В Голландии, где окончательно сложились классические формы жанра, интимную атмосферу, мирный уют бюргерского и крестьянского быта воссоздавали А. ван Остаде, К. Фабрициус, П. де Хох, Я. Вермер Делфтский, Г. Терборх, Г. Метсю, глубинные противоречия жизни вскрывал в бытовых по форме сценах Рембрандт. Во Франции в 18 столетии бытовой жанр представлен идиллическими пасторалями в стиле рококо(Ф. Буше), "галантными сценами", в которые А. Ватто и Ж.О. Фрагонар внесли эмоциональную тонкость и остроту жизненных наблюдений, сентиментально-дидактическими композициями Ж.Б. Греза, лирическими полотнами Ж.Б.С. Шардена, воссоздающими частную жизнь третьего сословия. Социально-критическому направлению в бытовом жанре положили начало картины и гравюры У. Хогарта, высмеивающие нравы английского общества. В 16–18 веках бытовой жанр переживал расцвет и в искусстве стран Азии –в миниатюре Ирана, Индии (К. Бехзад, Мир Сеид Али, Реза Аббаси), живописи Кореи (Ким Хондо), графике Японии (Китагава Утамаро, Кацусика Хокусай). В Европе 19 столетии бытовой жанр стал полем социальной критики и публицистически заостренной сатиры (графика и живопись О. Домье), жанром, исполненным жизненной достоверности и пафоса утверждения красоты и внутренней значительности людей труда (Г. Курбе и Ж.Ф. Милле во Франции, А. фон Менцель и В. Лейбль в Германии, Дж. Фаттори в Италии, Й. Исраэльс в Голландии и др.). Во 2-й половине 19 века мастера импрессионизма во Франции (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар) утвердили новый тип жанровой картины, в которой стремились запечатлеть как бы случайный, фрагментарный аспект жизни, острую характерность облика персонажей, слитность людей и окружающей их среды; их творчество дало толчок к более свободному толкованию жанра, непосредственно-живописному воссозданию бытовых сцен (М. Либерман в Германии, К. Крог в Норвегии, А. Цорн в Швеции, Т. Эйкинс в США). На рубеже 19 и 20 веков в искусстве постимпрессионизма, символизма, стиля модерн начался новый этап в развитии бытового жанра: бытовые сцены трактуются как вневременные символы, жизненная конкретность изображения уступает место живописной экспрессии, монументально-декоративным задачам (Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, П. Гоген, П. Сезанн во Франции и др.). Художники, работающие в бытовом жанре, называются жанристами.

Жанр портретный. Портрет (франц. portrait, от устаревшего франц. portraire – изображать, передавать "черта в черту"), один из основных жанров изобразительного искусства, изображение человека или группы людей, реально существующих либо существовавших в прошлом. Важнейший критерий портретности – сходство изображения с оригиналом, которое достигается не только верной передачей облика модели, но и раскрытием духовной сущности, социального положения портретируемого, типичности или, напротив, исключительности его индивидуальности и т.п. Субъективно-авторскую окраску придают искусству портрета личностное отношение художника к модели, его собственные мировоззрение и творческая манера. Исторически сложилась широкая и многоплановая типология портрета: в зависимости от функционального назначения, композиционных особенностей, образной трактовки различают портреты героические, сатирические и сентиментальные, парадные и интимные, погрудные, в полный рост, анфасные, профильные и т.п.; специфический "поджанр" портрета – автопортрет.

Зародившийся в глубокой древности, портрет достиг высокого уровня образности уже в искусстве Древнего Востока, особенно в древнеегипетской пластике и монументальной живописи (работы Тутмеса и многие другие памятники). В античном искусстве портрет развивался от идеализированных скульптурных образов поэтов, философов, общественных деятелей Древней Греции до драматически-выразительных портретов эпохи эллинизма и сугубо индивидуализированных портретных бюстов и статуй Древнего Рима. В эпоху средневековья, когда личностное начало растворялось во внеличностной корпоративности и религиозной соборности, возникали, тем не менее, портретные образы, отмеченные ясной физиономической определенностью, зачатками духовной индивидуальности (скульптура готики, некоторые мозаики и фрески Византии и Древней Руси и т.д.). Выразительные образы создавались в средневековой живописи Китая и Японии, в миниатюре стран мусульманского Востока (произведения Кемаледдина Бехзада, Реза Аббаси и др.).

Выдающиеся достижения в искусстве портрета связаны с эпохой Возрождения: идеалы героической, активно действенной личности, гармонично связанной с мирозданием, утверждали итальянские художники 15 века(живопись Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Пьеро делла Франческа, А. Мантеньи, Антонелло да Мессина, Джентиле и Джованни Беллини, статуи Донателло и А. Верроккьо, живопись и медали Пизанелло). Углубляют содержание портретных образов, наделяют их силой интеллекта, сознанием личной свободы, душевной гармонии, а иногда мощным драматизмом мастера Высокого Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто); в искусстве Позднего Возрожденияи маньеризма гармоническая ясность ренессансных образов сменяется напряженностью и подчеркнутой драматичностью (произведения Понтормо, А. Бронзино в Италии, Эль Греко в Испании). Духовной заостренностью, предметной точностью изображения отличаются портреты нидерландских (Я. ван Эйк, Р. Кампен, Рогир ван дер Вейден, Лука Лейденский) и немецких (А. Дюрер, Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший) мастеров Возрождения, ренессансным гуманизмом отмечены произведения французских портретистов этой эпохи (Ж. Фуке, Ж. и Ф. Клуэ, Ж. Пилона, Корнеля де Лиона).

В 17 столетии глубокая демократизация жанра, стремление художников к многостороннему познанию человеческой личности, эмоциональная насыщенность портретных образов ярче всего сказались в творчестве голландских мастеров (Рембрандта, Ф. Халса), в живописи Д. Веласкеса в Испании, П.П. Рубенса и А. ван Дейка во Фландрии, Н. Пуссена во Франции. В 18 веке свежая жизненная правдивость, точность и острая аналитичность характеристик свойственны портретам французских (живопись и станковая графика М.К. де Латура, Ж.О. Фрагонара, Ж.Б. Перроно, пластика Ж.А. Гудона и Ж.Б. Пигаля) и английских (У. Хогарта, Дж. Рейнолдса, Т. Гейнсборо) художников. На переломе 18 и 19 веков существенные аспекты эпохи выпукло отражены в страстно-эмоциональных, романтически-приподнятых картинах Ф. Гойи, в ярких и правдивых портретах главы позднего французского классицизма Ж.Л. Давида.

В 1-й половине 19 столетия в портрете развивались тенденции романтизма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа во Франции, Ф.О. Рунге в Германии), новым жизненным содержанием наполнялись традиции классицистического портретного искусства (живопись Ж.О.Д. Энгра во Франции, пластика И.Г. Шадовав Германии и др.), появились значительные образцы сатирического портрета (графика и скульптура О. Домье во Франции). В середине и 2-й половине 19 века расширяется география национальных школ портрета, возникает множество стилистических направлений, в рамках которых по-разному решаются проблемы портретной живописи (работы А. фон Менцеля и В. Лейбля в Германии, Я. Матейко в Польше, Дж. Сарджента, Т. Эйкинса в США и др.). Достижения мастеров французского импрессионизма (Э. Мане, О. Ренуара, Э. Дега, скульптора О. Родена) и их последователей (М. Либермана в Германии, Дж. Уистлера в США, А.Л. Цорна в Швеции и др.) привели к обновлению художественной концепции портрета, передающего теперь изменчивость облика и поведения модели в столь же изменчивой среде; противоположные тенденции нашли выражение в творчестве художников постимпрессионизма – П. Сезанна, стремившегося выразить в портретном образе устойчивые, вечные свойства бытия, и В. ван Гога, в предельно драматических автопортретах отразившего жгучие проблемы нравственной и духовной жизни.

Зальная церковь, вытянутый в плане храм с несколькими нефами равной высоты (существует модификация Зальной церкви с несколько более высоким, но лишенным окон средним нефом – так называемая псевдобазилика), а также однонефный храм без поперечного нефа-трансепта. Зальные церкви с ровным, неконтрастным освещением интерьера, удобные для собраний городской общины, были типичны для архитектуры вольных городов Северной Германии, Чехии, Польши 13 – начала 16 веков; в Южной Германии первую Зальную церковь построил в середине 14 века архитектор Генрих I Парлер.

Замок, укрепленное жилище феодала. Замки Европы, Ближнего Востока, Кавказа, Средней Азии возводились в хорошо защищенных местах; главная башня (донжон, кешк) окружалась валами, рвами, стенами. Феодальный замок являлся неотъемлемой частью жизни Средневековья. Это и дом, и центр селения, и место для рыцарских турниров, и убежище во время войны, и средоточие средневековой культуры. Суровые, мощные замки с 11-12 века становятся более живописными, свободными по планировке, с 13-14 столетия превращаются в сложные комплексы построек и, наконец, в дворцовые ансамбли.

Зевксис, древнегреческий живописец конца 5 - начала 4 века до н. э. Стремясь к иллюзорности изображения, применял светотень («Елена», «Младенец Геракл»). Произведения не сохранились.

Зевс-Олимпиец, статуя Зевса работы греческого скульптора Фидия; одно из Семи чудес света. Статуя помещалась в культовом центре Олимпийского святилища — храме Зевса, в священной роще Альтисе. Статую Фидий исполнил в хрисоэлефантинной технике: открытые части тела были выложены пластинами слоновой кости, одеяния отлиты из золота, а основа скульптуры была деревянной. Высота статуи достигала около 17 м в высоту. Если бы бог «поднялся», его рост намного бы превысил высоту самого храма. В руке громовержец держал статую Ники (символ победы). Из золота и слоновой кости был сделан и трон Зевса. Спинку, подлокотники и подножие украшали рельефы из слоновой кости, золотые изображения богов и богинь Олимпа. Нижние стенки трона покрывали рисунки Панэна, его ножки — изображения танцующих Ник. Ноги Зевса, обутые в золотые сандалии, покоились на скамье, украшенной золотыми львами.

Перед постаментом статуи пол был выстлан темно-синим элевсинским камнем, высеченный в нем бассейн для оливкового масла должен был сберегать слоновую кость от рассыхания. Проникавший в двери темного храма свет, отражаясь от гладкой поверхности жидкости в бассейне, падал на золотые одежды Зевса и освещал его главу; вошедшим казалось, что сияние исходит от самого лика божества. Возможно, в конце 4 века статуя Зевса была перевезена в Константинополь и установлена на столичном ипподроме, где погибла во время одного из пожаров.

Земляное Искусство или Лэнд-Арт (от англ. land art — земляное искусство), направление в изобразительном искусстве последней трети 20 века, основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Энтузиасты лэнд-арта (У. де Мариа, Р. Смитсон, М. Хайзер в США, Р. Лонг в Великобритании) прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы и т. д., избирая для своих акций обычно безлюдные, «первозданные» и «дикие» ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Благодаря своему «первобытному» облику многие акции и объекты такого рода сближаются с археологизмом, а также (поскольку большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий) с фото-артом.

Интерьер (от франц. interieur – внутренний) в архитектуре, внутреннее пространство здания в целом или составляющих его помещений (вестибюля, фойе, комнаты, зала в светских постройках, хора, нефа, трансепта в христианском храме и т.п.). Художественная выразительность архитектурного интерьера определяется как его пропорциями, конфигурацией, архитектоникой составляющих частей, так и его декоративным убранством. интерьер в живописи – жанр, одним из главных мотивов которого является изображение различных внутренних помещений. В искусстве Западной Европы тщательно-любовное воссоздание интимного "комнатного" мира, известное с эпохи Возрождения (произведения П. Перуджино, В. Карпаччо, Я. ван Эйка), достигло расцвета в голландской живописи 17 века (картины Я. Вермера Делфтского, Т. Метсю, Г. Терборха, П. де Хоха, "чистые" интерьерные виды Э. де Витте).

Исфаханская школа миниатюры, одна из ведущих художественных школ Ирана, сложившаяся на рубеже 16 и 17 веков в городе Исфахан, при дворе шаха Аббаса I. Основоположником стиля Исфаханской школы, для которого характерны каллиграфически точный виртуозный рисунок с легкой подцветкой, пластическая объемность и легкость фигур, тончайшая проработка деталей, был Реза Аббаси. С 1670-х годов под влиянием европейской живописи в миниатюрах Исфаханской школы появились элементы светотеневой моделировки, линейной и воздушной перспективы в изображении пейзажных фонов.

Кампанила (итал. campanile), в итальянской архитектуре средневековья и эпохи Возрождения 4-гранная или круглая башня-колокольня, обычно стоящая отдельно от храма.

Капелла (позднелат. capella, итал. cappella – часовня), в католической и англиканской архитектуре небольшое сооружение или помещение для молитв одного семейства, для хранения реликвий, размещения певчих и др. Капеллы обычно размещались в боковых нефах храмов или вокруг хора ("венец капелл" в архитектуре готики), а также в замках или дворцах; иногда строились также и отдельно стоящие, не связанные с храмом или каким-либо другим сооружением Капеллы.

Караваджизм, направление в европейской живописи 17 столетия, представленное последователями Караваджо, итальянского художника конца 16 – начала 17 веков. Для Караваджизма характерны демократизм образной системы, повышенное чувство реальной предметности, материальности изображения, активная роль светотеневых контрастов в живописно-пластическом решении картины, монументализация жанрово-бытовых мотивов. В Италии, где тенденции Караваджизма сохраняли свою актуальность до конца 17 столетия и особенно сказались в живописи Рима, Генуи и Неаполя, наиболее сильное и оригинальное истолкование наследие Караваджо получило в творчестве О. Джентилески. Среди европейских мастеров Караваджизма вне Италии наиболее значительно творчество так называемый утрехтских караваджистов в Голландии (Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст и др.), а также Х. Риберы в Испании и А. Эльсхаймера в Германии. Воздействие отдельных приемов Караваджизма ощутимо также в работах некоторых мастеров академизма (Г. Рени и др. в Италии) и барокко (К. Шкрета в Чехии и др.).

Карандаш (от тюрк. кара – черный и даш, таш – камень), стержень из угля, свинца, графита или сухой спрессованной краски, обычно в деревянной или металлической оправе, предназначенный для письма, рисования, черчения. В 12–16 веках для рисования применялись свинцовые и серебряные карандаши в металлической оправе, дававшие тонкий штрих и темно-серый тон. Известный с 14 столетия итальянский карандаш, изготовлявшийся из черного глинистого сланца или порошка жженой кости в смеси с растительным клеем, дает линию матового оттенка и слабой черноты. Малой интенсивностью и легким блеском отличается штрих распространившегося с 16 века графитного карандаша. Современный тип карандаша с пишущим стержнем из смеси графитного порошка с глиной и с деревянной оправой изготовляется с конца 18 столетия. Особые виды карандаша – пастель и сангина.

Карнация (франц. carnation – телесный цвет, от лат. caro – плоть, тело), живописные приемы (обычно многослойное наложение красок), применяемые для изображения кожи человека, его лица, других обнаженных частей тела.

Картон (франц. carton, итал. cartone, от лат. charta – бумага) в изобразительном искусстве, крупноформатный, иногда расцвеченный рисунок, выполняемый в размере будущего произведения фресковой живописи, витража, шпалеры, гобелена и т.п. Предварительная подготовка композиции с помощью картона была широко распространена в практике европейских художников эпохи Возрождения, а также 17–18 веков.

Киликийская школа, одна из школ армянской миниатюры, существовавшая в 12–14 веках в Киликийском армянском государстве на юге полуострова Малая Азия (главные центры – монастыри Ромкла, Скевра, Акнер, Грнер, Дразарк). Стиль Киликийской школы сложился на основе традиций искусства коренной Армении и Византии, а также под влиянием западноевропейской живописи этой эпохи; для миниатюр школы периода ее расцвета (в 13 столетии), особенно для произведений Тороса Рослина, характерны эмоциональность образов, стремление к объемной моделировке форм, богатство орнаментальных мотивов, виртуозность динамичного рисунка, звучность красок.

Классика (от лат. classicus– образцовый), период расцвета древнегреческого искусства, охватывающий 5 век до н.э. и первые три четверти 4 века до н.э. В эпоху Классики сложилась система регулярной планировки города-полиса (архитектор Гипподам из Милета), высшей гармоничности и тектонической уравновешенности достигла ордерная архитектура (постройки Иктина и Калликрата), идеалы возвышенной красоты воплотились в пластике (скульпторы Мирон, Поликлет, Фидий, Скопас, Пракситель, на исходе эпохи – Лисипп). Классика подразделяется на раннюю ("строгий стиль"; 1-я половина 5 века до н.э.), высокую (2-я половина 5 века до н.э.) и позднюю (400–325 до н.э.).

В более широком смысле под Классикой (классическим искусством) понимается все искусство Древней Греции и Древнего Рима, а также опиравшееся на него искусство Возрождения и классицизма. В максимально широком значении Классика – наивысшие художественные достижения различных эпох и народов, проявляющиеся в самых разных, часто не восходящих к античности стилистических формах. Совокупность Классики народов мира составляет классическое художественное наследие, являющееся достоянием всего человечества.

Колорит (итал. colorito, от лат. color – цвет, краска), применяемая в искусстве (в живописи, в использующих цвет видах графики, в некоторых типах произведений декоративного искусства) система соотношений цветовых тонов, образующая определенное единство и являющаяся одним из важнейших средств эстетической эмоциональной выразительности, компонентом художественного образа. Исторически сложились две основные колористические тенденции. Первая связана с применением более или менее ограниченного количества локальных цветов, иногда (особенно в средневековом искусстве) имеющих символическое значение. Для второй характерны стремление к полной передаче цветовой картины мира, использование тона, валёров, рефлексов. По характеру цветовых сочетаний колорит может быть спокойным или напряженным, холодным (при преобладании синего, зеленого, фиолетового оттенков) или теплым (при господстве красных, желтых, оранжевых цветов), светлым или темным, а по степени насыщенности и силы цвета – ярким, сдержанным. блеклым и т.д. В архитектуре и скульптуре система цветовых отношений обычно называется полихромией.

Ксилография (от греч. xylon – дерево и grapho – пишу), один из видов гравюры, гравюра на дереве. Изображение в ксилографии отпечатывается с плоской поверхности деревянной доски, покрытой краской, от которой свободны углубления, вырезанные между элементами изображения. Существуют два основных типа ксилографии. В "обрезной" ксилографии на досках продольного распила из мягких пород дерева линии и пятна рисунка обрезаются ножом, а промежутки между ними выбираются долотом. Обрезной ксилографии, зародившейся в Германии, Чехии, Австрии на рубеже 14 и 15 веков, присущи контрастные соотношения черного и белого, обобщенность рисунка, его повышенное эмоциональное звучание. Выдающиеся гравюры в этой технике создавал А. Дюрер, а также его современники, разработавшие технику цветной ксилографии (немецкие мастера Х. Бургкмайр, Х. Бальдунг, Л. Кранах Старший). Поэтическими ассоциациями, эмоциональной яркостью, замечательным техническим совершенством отмечены гравюры мастеров существовавшей с 17 века японской школы укиё-э(Судзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тёсюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо Хиросигэ). В 1780-е годы англичанин Т. Бьюик изобрел "торцовую" ксилографию; в этой технике на досках поперечного распила из твердых пород дерева специальным инструментом (штихелем) прорезаются тонкие штрихи, в оттиске выходящие белыми. Возможность с помощью комбинаций подобных штрихов создавать тоновые пятна разной насыщенности определила широкое распространение "торцовой" ксилографии как техники репродуцирования живописи и тональных рисунков.

Лессировка (от нем. lasieren – покрывать глазурью), тонкие прозрачные или полупрозрачные слои красок, которые наносятся на просохшие или полупросохшие основные, плотные красочные слои картины, чтобы изменить, ослабить или усилить цветовые тона, обогатить колорит, добиться его единства и гармонии. В 16–19 веках наложение лессировки было, как правило, заключительным этапом работы художника над картиной.

Литография (от lithos – камень и grapho – пишу), специфический вид печатной графики, при котором оттиски получают переносом краски под давлением с плоской, нерельефной печатной формы непосредственно на бумагу; также произведение, выполненное литографским способом. Печатной формой в литографии служит гладкая или зернистая поверхность камня-известняка, на которую жирной тушью или жирным литографским карандашом наносится изображение; вслед за травлением камня кислотой, воздействующей на не покрытую жиром поверхность, рисунок смывают и взамен наносят типографскую краску, пристающую только к непротравленным частицам камня В сфере изобразительного искусства литографию обычно относят к гравюрным техникам, хотя процесс ее создания не связан с гравированием, т.е. с механической обработкой печатной формы.

Изобретенная А. Зененфельдером в Германии между 1796–1798, литография привлекла внимание художников большой свободой авторского исполнения, широким диапазоном графических средств, большой точностью воспроизведения штрихового рисунка. Специфический язык художественной литографии оформился в произведениях мастеров французского романтизма (Т. Жерико, Э. Делакруа) и работавшего в 1820-е годы во Франции Ф. Гойи, а также в графике О. Домье, крупнейшего мастера этой техники в искусстве 19 столетия. Новые художественные возможности литографии были открыты мастерами импрессионизма (Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега, К. Писсарро), близкими к ним художниками Германии (М. Либерман) и США (Дж. Уистлер). В конце 19 века особую остроту, драматизм и, одновременно, декоративную выразительность привнесли в литографию (особенно цветную) художники, связанные с постимпрессионизмом, символизмом, стилем модерн (О. Редон, А. де Тулуз-Лотрек, Э. Вюйяр во Франции, Ф. Ропс в Бельгии, Э. Мунк в Норвегии).

Лоджия (итал. loggia, от древневерхненемецкого laudia – беседка), помещение, открытое с одной или нескольких сторон, где стену заменяет колоннада, аркада, парапет. В итальянской архитектуре Возрожденияи барокко лоджия – обычно отдельное сооружение общественного назначения с аркадами и колоннадами на главном фасаде.

Локальный цвет в живописи, основной и неизменяющийся цвет изображаемых объектов, условный, лишенный оттенков, которые возникают в природе под воздействием освещения, воздушной среды, рефлексов от окружающих предметов. Понятие "Локальный цвет" впервые было введено Леонардо да Винчи в его "Книге о живописи". Применение Локального цвета характерно для средневекового искусства, в котором многие цвета имели символическое значение, живописи Раннего Возрождения и классицизма; локальные цветовые плоскости используются также многими направлениями искусства 20 столетия.

Ломбардская школа, художественная школа, сложившаяся в Ломбардии, исторической области Северной Италии. В архитектуре Ломбардская школа выделялась самобытной интерпретацией романского стиля и готики; постройки ломбардских архитекторов эпохи Возрождения (Филарете и др.) отличаются обилием декоративных вставок, подчеркивающих гладь стены. Новаторский характер имело творчество Браманте, работавшего в Ломбардии в 1477–1499. Живопись Ломбардской школы отмечена хрупким изяществом форм и поэтичностью; значительную роль в ее развитии в период Раннего Возрождения сыграли Пизанелло, а затем А. Мантенья. Во 2-й половине 16 столетия образовалась самостоятельная брешианская школа, в искусстве которой соединились традиции Ломбардской школы и венецианской школы.

Майолика (итал. maiolica, от Majolica – старого названия острова Мальорка, через который в Италию ввозились изделия испано-мавританской керамики), итальянские керамические изделия 15–17 веков с цветным пористым черепком и сюжетными росписями по сырой непрозрачной свинцовой глазури (продукция мастерских Фаэнцы, Флоренции, Сиены, Урбино и др.), а иногда и с нанесенным сверху люстром (Дерута, Губбио). Пионерами в применении Майолики для изготовления рельефов и круглой скульптуры были работавшие во Флоренции мастера семьи делла Роббиа (15 – начало 16 века). В широком смысле Майолика – изделия из цветной обожженной глины с крупнопористым черепком, покрытые глазурью.

Маккьяйоли (итал. macchiaioli, от macchia – пятно), группа итальянских живописцев, оформившаяся во Флоренции к 1860 и получившая свое название за склонность к широкой манере письма, свободному сочетанию сочных световых и цветовых пятен. Для произведений Маккьяйоли (Т. Синьорини, Дж. Фаттори, С. Лега и др.) характерны также обращение к демократическим жанрам (эпизоды войны за независимость Италии, жанрово-бытовые сцены, сельские и городские пейзажи), жизненная конкретность мотивов, лаконизм и естественность композиционных решений, четкий рисунок. В 1880-е годы группа распалась, ряд ее членов обратился к импрессионизму.

Марина (франц. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской), картина с изображением морских видов и кораблей. Как самостоятельный вид пейзажа марина обособилась в европейском искусстве 17 столетия и пережила свой первый расцвет в творчестве голландских живописцев Я. Порселлиса, Х. Сегерса, В. ван де Велде и др. Среди крупнейших художников 18–19 веков, обращавшихся к жанру марины – К.Ж. Верне во Франции, У. Тёрнер в Великобритании, Кацусика Хокусай в Японии. Художники, работающие в жанре марины, называются маринистами.

Масляная живопись, вид живописи масляными красками, которые готовят растиранием неорганических пигментов в отбеленном льняном (иногда с добавлением орехового и подсолнечного) масле. Масляными красками пишут преимущественно на холсте, а также на дереве, металле, картоне, покрытых специальными грунтами (станковая масляная живопись), или на известковой штукатурке (монументальная масляная живопись). Масляную живопись отличают выразительность и динамика письма; в большей степени, чем какая-либо другая техника живописи, она позволяет достичь на плоскости зрительной иллюзии объема и пространства, богатых цветовых эффектов и глубины тона. До начала 19 века масляная живопись была построена на многократном нанесении красочных (с примесью лаков) слоев и на последующей лакировке поверхности картин. С начала 19 столетия для масляной живописи более характерна манера "алла прима", когда картина или ее фрагмент быстрыми, смелыми мазками выполняется за один сеанс, до полного высыхания красок. Отдельные сведения о масляной живописи встречаются в античных и средневековых источниках. Широкое распространение масляная получила после усовершенствования ее Яном ван Эйком в 1-й половине 15 века.

Миниатюра (франц. miniature, итал. miniatura, от лат. minium – киноварь, сурик, которыми в древности расцвечивались рукописные книги), произведение изобразительного искусства, отличающееся небольшими размерами и особой тонкостью художественных приемов. Первоначально миниатюрами назывались сделанные от руки рисунки, многоцветные иллюстрации гуашью, акварелью, клеевыми и др. красками в рукописных книгах, а также инициалы, заставки рукописей и т.п. Искусство книжной миниатюры, известное уже в Древнем Египте, достигло высокого совершенства в средневековой европейской культуре, в Византии, Грузии, Армении (произведения Тороса Рослина и др. мастеров киликийской школы), в Средней Азии, Иране, Азербайджане, Индии (творчество миниатюристов гератской школы, тебризской школы, исфаханской школы, могольской школы и др. школ). К шедеврам европейской миниатюры, относятся миниатюры, созданные в 15 веке братьями Лимбург и Ж. Фуке. Распространение в Европе книгопечатания способствовало вытеснению миниатюры книжной иллюстрацией.

Название "миниатюра" было перенесено и на портретную живопись малого формата, выполняемую на табакерках, часах, перстнях, в медальонах и т.п. В искусстве портретной миниатюры, зародившемся в итальянской живописи 16 века, выделяются произведения Х. Хольбейна Младшего, выполненные им в Германии и Англии, работы английских миниатюристов Н. Хиллиарда и С. Купера, французских мастеров Ж. Фуке в 16 столетии и Ж.О. Фрагонара в 18 веке. Портретная миниатюра практически исчезла с середины 19 столетия в связи с распространением фотографии.

Могольская школа миниатюры, одна из основных школ средневековой индийской живописи, развивавшаяся при дворе правящей династии Великих Моголов. Стиль Могольской школы сложился на основе местных традиций, под влиянием миниатюры Ирана и Средней Азии, а также при некотором воздействии европейской живописи и графики. Для раннего этапа развития школы (2-я половина 16 – начало 17 века), связанного с творчеством приглашенных в Индию Мир Сеида Али из Тебриза и Абдас-Самада из Шираза, характерны насыщенные действием многофигурные композиции, развернутые на фоне условно и декоративно трактованного пейзажа. В 17 столетии основными жанрами Могольской школы становятся портрет и изображение цветов, зверей, птиц.

Моделировка (от франц. modeler – лепить), передача, выявление объема, пластики, пространственных свойств изображаемых предметов и фигур посредством светотени (в живописи, графике) или с помощью соответствующей обработки трехмерных форм (в скульптуре).

Монохромия (от греч. monos – один и chroma – цвет; буквально – одноцветность), способ колористического решения произведения искусства, основанный на употреблении одного тона какого-либо цвета или его тональных градаций.

Мягкий стиль, течение в западноевропейском (преимущественно немецком и чешском) искусстве поздней готики (1380–1430-е годы). Для живописных (работы так называемого Мастера Тршебоньского алтаря, Конрада из Зёста и др.) и скульптурных ("прекрасные Мадонны") произведений "Мягкого стиля" характерны лиризм и эмоциональная насыщенность образов.

Наби, "Набиды" (франц. Nabis – пророки, от древнееврейского наби – пророк), группа художников (живописцы М. Дени, П. Боннар, Э. Вюйяр и др., график Ф. Валлоттон, скульптор А. Майоль), работавших в Париже в конце 1880-х – начале 1900-х годов и создавших под влиянием П. Гогена своеобразный, близкий к символизму вариант стиля модерн, для которого характерны декоративная обобщенность форм, музыкальность ритмов, плоскостность композиции, главенство цветового начала.

Натурализм (франц. naturalisme, от лат. naturalis – природный, естественный), направление в литературе и искусстве, сложившееся в Европе и США в последней трети 19 века и стремившееся к объективно-точному и беспристрастному воспроизведению реальности. Сформировавшийся под воздействием позитивистской философии, натурализм уподоблял художественное познание научному, не доверяя любым формам идеологии. Творчество писателей, приверженцев натурализма (особенно Э. Золя, Э. и Ж. Гонкуров, Г. Гауптмана), оказало непосредственное влияние на Э. Мане, Э. Дега, А. де Тулуз-Лотрека во Франции, К. Менье в Бельгии, М. Либермана в Германии и многих других художников.

В ином, часто употребляемом смысле, натурализм – внешне жизнеподобное воспроизведение реальности, поверхностное изобразительство, пристрастие к достоверно-фактографическому воссозданию мрачных, теневых сторон жизни.

Натюрморт (франц. nature morte, итал. natura morta, буквально – мертвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи и графики), посвященный изображению вещей, окружающих человека, размещенных, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Объектом изображения в натюрморте могут быть также цветы, овощи, фрукты, "дары моря" и т.п.; как дополнение к основному мотиву в композицию натюрморта иногда включаются люди, животные, птицы, насекомые. Воссоздание предметного мира в натюрморте имеет, как правило, самоценное художественное значение, хотя за изображением вещей часто скрывается сложное символическое или аллегорическое содержание, стремление к созданию цепи ассоциаций, так или иначе характеризующих стоящего за набором предметов человека.

Тенденции к возникновению жанра натюрморт возникли в искусстве итальянского и нидерландского Возрождения, в котором культивировалось внимание к конкретно-чувственному воссозданию предметного мира (первый точно передающий облик предметов "Натюрморт" выполнен в 1504 итальянским живописцем Якопо де Барбари; в середине 16 столетия монументальные по композиции натюрморты писал нидерландец П. Артсен). В 17 веке, в эпоху расцвета натюрморта, выделяются своей возвышенной строгостью и внутренней значительностью композиции испанских художников (Ф. Сурбаран и др.), вниманием к передаче фактуры предметов и материалов, тонкостью тональных отношений и цветового строя – "завтраки", "десерты", "битые птицы", аллегорические композиции "суета сует" голлландских мастеров (В. Хеда, П. Клас, А. ван Бейерен. М. де Хондекутер и др.). декоративным размахом, радостным жизнелюбием – "лавки", "рынки", "цветы и фрукты" фламандских живописцев (Ф. Снейдерс, Я. Фейт). Во французском натюрморте 18 столетия, имевшем, как правило, чисто декоративное назначение ("охотничьи" натюрморты Ж.Б. Удри), особое место занимают произведения Ж.Б.С Шардена, отмеченные демократизмом и подлинной человечностью. свободой композиции, тонкостью цветового решения. В 19 веке судьбы натюрморта определяли ведущие мастера живописи, вовлекавшие жанр в борьбу эстетических взглядов и художественных идей (Ф. Гойя, Э. Делакруа, Г. Кубре, Э. Мане и многие др.). К концу 19 столетия новый подъем натюрморта был определен выступлением мастеров постимпрессионизма, для которых мир вещей становится одной из ведущих тем творчества (П. Сезанн, В. ван Гог).

Неоготика, псевдоготика, направление в архитектуре Европы и Сша 2-й половины 18–19 веков, использовавшее архитектурные формы, декор, а в ряде случаев и конструктивные решения готики. Зарождение неоготики (в зодчестве и парковом искусстве Великобритании) было связано с предромантическими веяниями, тягой к естественной живописности, поэтизацией средневековья; к ранним постройкам неоготики относятся искусственные руины, часовни, беседки в английских садах и парках 18 века. Разбуженный романтизмом интерес к национальному прошлому, археологические исследования и точные архитектурные обмеры памятников средневекового зодчества способство