Средства гармонизации композиции

Гармонизация формы объекта дизайна достигается путем преобразования исходных геометрических и физических свойств формы (пространства, объема, конфигурации, величины, зрительного впечатления массы, вида поверхностей, линий, точек, цвета, фактуры и текстуры) в соответствии с основными принципами композиции благодаря профессиональному выбору и умелому использованию средств и приемов композиции.

Основными средствами гармонизации композиции являются:

- ритм, метр;

- контраст, нюанс, тождество;

- пропорции;

- масштаб;

- симметрия, асимметрия;

- динамика, статика.

Каждому средству гармонизации отведена конкретная роль в организации композиции, а степень его значимости в создании произведения каждый художник определяет самостоятельно в силу своих творческих задач.

Приемы композиции – это процесс художественно обоснованного выбора и применения средств композиции, например: пропорционирование, ритмизация, масштабирование, контрастирование, нюансировка.

Ритм – закономерное чередование или изменение элементов, свойств, явлений во времени и пространстве. (Рис.1-3)

Природные условия и явления, окружающие человека, так же, как и процессы в человеческом организме ритмизированы. Ритм является одной из основополагающих установок человеческого восприятия. Ритмичное воспринимается как имеющее естественный порядок, правильное. Наличие определенного ритма в композиции облегчает ее восприятие, делает ее более привычной. Поэтому и произведения современного графического дизайна чаще всего ритмичны: современный зритель предрасположен к восприятию ритмических структур в силу ритмичного, быстрого характера современной жизни.

В композициях ритм может быть явным и скрытым:

- явный ритм очевиден, это как поместить элементы на полосатый фон;

- скрытый ритм представляет собой сложное чередование акцентов, ино гда смысловых, направлений, технических приемов.

Для наилучшего восприятия ритмический ряд должен иметь начало и конец, гаситься. Это наблюдение является достоянием древних греков, в храмах которых крайние колонны делались несколько толще, а промежуток между ними - меньше, что создавало зрительное ощущение остановки ритмического ряда.

Рис.1. Ритм в архитектуре. Колизей. Рим.

Рис.2. Ритм в живописи. П. Брейгель Старший «Притча о слепых».

Рис.3. Ритм в орнаменте. Ханты.

Метр – частный случай ритма – представляет собой повторение через равный интервал одинаковых или сходных признаков. Элементы располагаются через равные интервалы. (Рис.4.)

Особое значение ритм приобретает в поп-арте. Художники этого направления активно используют повторения, создают серии одинаковых произведений, что соответствует характеру эпохи постмодерна, когда многочисленные копии (в кино, дизайне, искусстве) нивелируют ценность оригинала.

Рис.4. Метрическая организация произведений Э. Уорхола.

Контраст – резкое различие элементов композиции, сочетание противоположных характеристик – высокого и низкого, линий и пятен, тёмного и светлого. (Рис.5)

Контраст является мощным средством усиления выразительности, так как противоположные характеристики подчеркивают друг друга и оттеняют. Светлое рядом с темным кажется светлее, изящное рядом с грубым кажется еще утонченнее, и т. д.

Рис.5. Пример контраста линий, форм, цвета.

Нюанс – плавный переход характеристик, такое соотношение элементов композиции, при котором преобладает сходство, но имеются незначительные отличия. (Рис.6)

Нюанс также является сильным выразительным средством, однако, если контраст привлекает внимание, вызывает сильные эмоции, то использование нюанса апеллирует к интеллекту, к тонкому вкусу, к игре ума. В современном дизайне активно используются оба средства выразительности. Контраст и нюанс – это не всегда противоположности, иногда, как например, в работах Энди Уорхолла, эти качества соседствуют: тонкие нюансные различия присутствуют в серии почти одинаковых работ, построенных на контрасте.

Тождество – отношение полностью сходных объектов. (Рис.7) Используется несколько реже контраста и нюанса, так как обладает меньшими выразительными возможностями.

Рис.6. Пример нюанса линий, форм, цвета.

Рис.7. Пример тождества линий, форм, цвета.

Пропорциональность – соразмерность частей и целого, которая прослеживается при переходе от одной части формы к другой и ко всей форме в целом.

Классическим приемом достижения пропорциональности является использование Золотого сечения (изобретение древних греков). Золотое сечение – гармоническое деление отрезка на две части такимобразом, что меньшая часть так относится к большей, как большая к целому отрезку (C = a + b; a: b = b: c).

Другие виды пропорциональных отношений:

- арифметическая прогрессия: 1, 3, 5, 7, 9…

- геометрическая прогрессия: 1, 3, 9, 27, 81…

- квадратичные отношения: 2, 4, 16, 256…

- ряд Фибоначчи: 1, 2, 3, 5, 8… и др.

В современном дизайне пропорциональность чаще определяется «на глаз», интуитивно.

Масштаб, размер. Масштабность – соразмерность принятому эталону.

Размер – величина изображения по отношению к формату.

Существуют композиции, строящиеся на использовании мелкого масштаба – как на географических картах, и строящиеся на крупных планах – как например, фотографии макросъемки. Эффект создаваемой композиции зависит от того, как выбранный масштаб и размер изображения соответствуют цели автора: хотел ли автор вызвать ощущение огромного пространства, или тесноты, или присутствия.

Важно заметить, что подсознательно эталоном для сравнения у человека является сам человек. Это сформулировал еще Парменид: «Человек есть мера всех вещей, существующих, что они существуют, и несуществующих, что они не существуют». Древние греки делали ступени и двери в храмы в таком масштабе, что они соответствовали не размерам человеческого тела, но росту богов, который считался примерно в 1,5 - 2 раза больше роста человека.

Большая часть живописи Нового Времени часто использует «натуральный» масштаб и почти всегда «натуральный» размер изображения: персонажи смотрятся так, что они соответствуют естественному размеру тела человека, вне зависимости от того, фреска ли это во дворце или станковая картина. Естественный масштаб соответствует идеологии Эпохи Просвещения: человек и его разум – главное, что существует, мир рационален.

Крупный масштаб при изображении обнаженного тела очень редко использовался до XX века, и чаще всего в картинах, которые не выставлялись, считаясь неприличными, как например, скандальная картина Г. Курбе «Происхождение мира» или «Даная» Г. Климта. Если на картине изображены резко приближенные части человеческого тела, то зритель оказывается в положении «любовника», он «неприлично» приближен к фигуре. Только в 60-е годы XX века человечество стало достаточно раскрепощенным, чтобы свободно использовать такой масштаб и размер изображаемых элементов.

Статика – зрительное впечатление неподвижности.

Статика используется для выражения следующих смыслов: уверенность, спокойствие, остановка, «классика». (Рис.8)

Рис.8. Схема построения статичной композиции

Динамика – зрительное впечатление движения, скорости.

Динамика используется для выражения смыслов: движение, энергия,сила, дерзость, порыв, «альтернатива». (Рис.9)

Рис.9. Схема построения динамичной композиции

Каждый период в истории изобразительного искусства отмечен преобладанием статики или динамики как основной эстетической установки. Это связано с преобладающим типом сознания и мировоззрением. Общая установка исторической эпохи отражается в искусстве как склонность художников к предпочтению статичных или динамичных форм. Характер жизни в 20 веке стал более сложным и многогранным, чем в другие эпохи, поэтому в XX веке статика и динамика органично сочетаются между собой. Возможно, преобладает динамика, как основная черта ритма жизни в постмодерне.

Статика и динамика не всегда взаимоисключают друг друга. В некоторых случаях можно говорить о внутренней динамике формы.

Понятия «тектоника» и «атектоника» связаны, но не идентичны понятиям «динамика» и «статика». Тектоника – установка на устойчивойсть. В отличие от статики, это не неподвижность. Динамичный, быстро и уверенно бегущий человек – тектоничен, так как не производит впечатления, что сейчас упадет. Искусство античной Греции тектонично, но не статично. Атектоника – установка на неустойчивость. Атектоничны готические соборы, так как вся их конструкция выражает стремление к полету.

Симметрия – определённый порядок, математическая закономерность, с которой располагаются повторяющиеся предметы относительно друг друга на плоскости или в пространстве. Типы симметрии: зеркальная (самый частый случай), центральная, осевая, симметрия поворота, симметрия переноса (принцип орнамента).

Установка на симметрию является одной из основополагающих установок человеческого восприятия, что связано с симметричностью человеческого тела. Симметричные композиции легче воспринимаются, так как симметрия – один из самых простых способов уравновесить композицию. Симметрия как композиционный прием вызывает ощущение спокойствия, отдыха, строгости и силы. Однако принцип симметрии нельзя абсолютизировать.

Асимметрия – полное нарушение симметрии, повторяющиеся элементы отсутствуют или их нельзя совместить путём сдвигов или поворота.

Диссимметрия – частичное нарушение симметрии. Диссимметрия хорошо воспринимается, так как, обладая структурными качествами симметрии, содержит больше свободы.

Композиционная симметрия – принцип группировки элементов на плоскости или в пространстве, предполагающий наличие одной или нескольких осей, по отношению к которым ведется построение. В соответствии с принципами симметрии, композиции могут быть: симметричные, асимметричные, диссимметричные и флаговые.