Сказочные сюжеты в произведениях искусства

Тема сказки также широко распространена среди художников декоративно-прикладного искусства. Праздничностью, яркостью образов отличаются произведения художников Палеха на темы волшебных народных сказок, литературных произведений. Художники создали свою пушкиниану — множество произведений, вдохновленных мотивами поэм и сказок великого поэта. Ларец «Сказки Пушкина» (1949) заслуженный художник РСФСР А. В. Борунов (р. 1920) украшает миниатюрами на темы четырех сказок и вступления к поэме «Руслан и Людмила». На крышке изображены герои пролога «У лукоморья дуб золеный»: страшный леший в просвете призрачно-зеленой пещеры, лохматая баба-яга, могучие витязи, выходящие из моря. Но главное действующее лицо — сам поэт. Художник передает портретные черты, и в то же время создает образ условный, сказочный. Художник не старается показать развитие сюжета. Избирая одну линию повествования, в росписи стенки ларца на тему «Сказки о мертвой царевне и семи богатырях» Борунов рассказывает историю царевны и королевича Елисея. Художник придает в миниатюрах большое значение пейзажу. Художник видит в каждом дереве, цветке сказочный образ, выявляет в них особое поэтическое содержание. Палешане отражают в своих работах мир русских былин, народных песен и легенд. Нередко обращаются художники к различным литературным произведениям: прозе Гоголя («Чичиков у Манилова» В. М. Салабаиова, «Птица-тройка» А. А. Котухиной), к сказам Бажова («Каменный цветок» Т. И. Зубковой) и др.

Образ гоголевской птицы-тройки запечатлен в миниатюре народным художником РСФСР, лауреатом Государственной премии А. А. Котухиной (р. 1915). Тройка кажется видением, внезапно возникшим в красновато-золотистых облаках. Основные приемы, который использует художница - динамичность композиции, виртуозный рисунок, сочетающий узорчатость мельчайших штрихов и гибкость сочных линий. Художница не оставляет в стороне и литературные сюжеты. «Снегурочка» А. Н. Островского — чистая и поэтичная сказка — увлекает ее не только драматической завязкой сюжета, но и богатством эмоциональных оттенков. На сторонах и крышке вытянутой коробочки она располагает миниатюры, представляющие различные эпизоды сказки. В создании образов большую роль играет цвет. Безучастная ко всему Снегурочка отрешенно сидит за прялкой, ее холодность подчеркнута ледяной голубизной одежды. «Торговый гость» Мизгирь наряжен в богатый малиновый плащ, а легкую рубаху Леля как будто само солнце окрасило в теплые желтовато-розовые тона. Праздничный колорит помогает создать атмосферу народного торжества- встречи светлого Ярилы.

Русские игрушки немного грубоватые, но выразительные фигурки зверей, птиц, человека были любимы в народе. Их делали из осины, березы, сосны, липы. Игрушка подчиняется законам скульптуры. Вместе с тем она близка фольклору, сказке, лубочной картинке своим юмором и весельем, приемами типизации образов, а подчас и сатирической остротой характеристик. Содержание игрушке всегда давали жизнь, природа и человек. Изображая человека, мастера умели показать в нем представителя определенной среды: крестьянку, даму-госпожу, мужика, барина, офицера, торговца. Когда в XIX веке особенно возрос в народном искусстве интерес к жанру, к изображению бытовых особенностей, в деревянной игрушке появились тройки и рабочие упряжки, няньки с младенцами, пахари и пастухи, пряхи за работой, солдаты и т. д. Обобщать, выделяя в изображаемом лишь самое главное, характерное и типичное, находить обобщению художественную декоративную форму — этот основной принцип работы народного мастера в полной мере реализовался в деревянной игрушке, притом с особой смелостью и размахом фантазии.

Созданные в середине и во второй половине XIX века деревянные игрушки Подмосковья — это целая галерея персонажей, будто пришедших в музейные витрины из эпохи дореформенной России. В изысканных сложных костюмах жеманно и глуповато улыбающиеся дамы и кавалеры, гусары и барыни стоят на треугольных подставках, слегка выдвинув ногу и чуть склонив голову. Режут фигурки упрощенно, выявляя декоративную ритмичность силуэта, и раскрашивают «с маху».

На протяжении XIX столетия складываются стилистические особенности подмосковной игрушки. В столбоватости фигур, фронтальности явно проступает чисто народное понимание скульптуры как объема, подчиненного тому блоку, из которого он высвобождается. В то же время вытянутость пропорций, по-архитектурному четкое членение форм и их соразмерность, композиционная строгость обнаруживают значительное влияние на парадную игрушку искусства классицизма, мелкой фарфоровой пластики. Воздействие последней особенно заметно в росписи игрушек. Недаром ими как декоративными статуэтками часто украшали горки и комоды вместо недоступных по цене фарфоровых. Кроме окрашенной игрушки, богородские мастера делали и неокрашенную.

Также широко известна дымковская игрушка — один из самых старинных промыслов России, существует на Вятской земле более четырёхсот лет. Возникновение игрушки связывают с весенним праздником Свистунья, к которому женское население слободы Дымково лепило глиняные свистульки в виде коней, баранов, козлов, уточек. Было разработано большое количество орнаментов и цветовых сочетаний. Дымковская игрушка — искусство рукотворное. Каждая — создание одного мастера. От лепки и до росписи процесс творческий, никогда не повторяющийся. Вблизи городов с развитыми ремеслами и крупными ярмарками, благоприятствовавшими кустарному промыслу, в XIX веке существовало массовое изготовление игрушек. Известны кадняковские, вологодские, устюжские игрушки. Особенно интересны новгородские Кирилловского уезда. Это изысканные по силуэту копи-колоды на колесах, «каретки» с двуглавыми кониками и тесанные из дощечек плоские коники с лебединым изгибом шеи, с острыми ушами и характерным выступом-зарубкой на спине, означающим седло. В нем нашли отражение черты языческой символики и сказочно-поэтических вымыслов.

Многие художники ЛФЗ и других фарфоровых заводов страны в своих сервизах обращались к теме сказок. Так живописец ЛФЗ им. М. В. Ломоносова Тамара Николаевна Беспалова-Михалева расписала в 1973 году пласт «Царевна-Лебедь» по мотивам «Сказки о царе Салтане и сыне его Гвидоне» А.С. Пушкина, которая хранится в Русском музее. Также является автором сервиза «Сказка о царе Салтане» (1934), пласта «Кот в сапогах» (1938) и др.

А. Земсков - художник по фарфору. Работал на Новгородском фарфоровом заводе «Пролетарий» (1920-1930-е). По его эскизам было расписано несколько сервизов на сказочно-былинные темы. В 1936 году создал сервиз «Садко», сочетая черно-белую графику в орнаменте, золотые элементы и красочная композиция.

Александра Васильевна Щекатихина-Потоцкая - живописец по фарфору, театральный декоратор. Окончила РШ ОПХ (1914), где училась у Н. К. Рериха. Занималась в мастерской М. Дени в Париже. С 1918 художник фарфорового завода. Участница выставок „Мира искусства". Щекатихина-Потоцкая оставила большое творческое наследие. Это живопись, станковая графика, эскизы декораций и костюмов к театральным спектаклям, книжные иллюстрации. Но все же ее яркий, полный неповторимого своеобразия талант наиболее полно проявился в искусстве фарфора. Опираясь на древнюю традицию, Щекатихина уподобляет формы живой природы различными видами сосудов. В каждом произведении чувствуется преемственная связь с народным творчеством.

Евгений Иванович Чарушин - художник книги, литограф, рисовальщик; писатель. Главная тема литературного и художественного творчества – реальное изображение жизни зверей и птиц. Очеловечивание животных, включение их в фантастические ситуации у Чарушина сравнительно редки. В конце 1920-х годов Е.И. Чарушин занимался сочинением подписей под рисунками для детей. Затем он стал писать небольшие рассказы о животных и сам их иллюстрировал. Главными героями его историй, где сочетались, правда и вымысел, были звери и птицы. Знание повадок и особенностей их поведения отражалось в обликах сказочных персонажей, созданных художником.

В 1945-1949 годах исследователь русской керамики А. Б. Салтыков и московская художница Н. И. Бессарабова с помощью местных мастеров возродили как народный промысел знаменитую в прошлом Гжель. Они обратились к художественным традициям гжельского полуфаянса XIX века и наладили производство фарфора с ручной подглазурной росписью кобальтом. Строгий стиль гжельского сине-белого фарфора находит индивидуальную интерпретацию в авторских манерах каждого из местных художников. В 1971 году Азарова расписала масленку «Рыба-кит» по сказке Ершова «Конек Горбунок» кобальтом подглазурной росписью.

В 2005 году была создана роспись сервиза Михаилом Шемякиным по специальному проекту совместного сотрудничества с ЛФЗ и посвящена персонажам из балета «Щелкунчик», поставленного на сцене Мариинского театра в декорациях и костюмах известного художника. Утонченная, изысканная по колориту роспись гармонично сочетается с формой сервиза, созданной в конце XIX века на Императорском фарфоровом заводе. В росписи использовано натуральное золото с гравировкой полудрагоценным агатом.

Многие русские художники создавали различные иллюстрации и картины на тему русских сказок.

Ярким представителем и иллюстратором русской сказки был замечательный художник Иван Яковлевич Билибин. Он выполнил иллюстрации к русским народным сказкам "Царевна-лягушка", "Перышко Финиста-Ясна Сокола", "Василиса Прекрасная", "Марья Моревна", "Сестрица Аленушка и братец Иванушка", "Белая уточка", к сказкам А. С. Пушкина - "Сказка о царе Салтане"(1904-1905), "Сказка о золотом петушке"(1906-1907), "Сказка о рыбаке и рыбке"(1939) и многим другим. И. Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира, сочетание яркой сказочности с чувством народного юмора и др. Дальнейшее развитие билибинского стиля состоит в том, что в более поздних иллюстрациях художник от лубочных приемов перешел к принципам древнерусской живописи: цвета становятся звучнее и насыщеннее, но границы между ними обозначены теперь не черным проволочным контуром, а тональным сгущением и тонкой цветной линией.

В.М.Васнецов - русский художник и архитектор, мастер живописи на исторические и фольклорные сюжеты. В 1880-е гг., оставив жанровую живопись, создавал произведения на темы национальной истории, русских былин и народных сказок, посвятив им почти полностью всё своё дальнейшее творчество. Одним из первых русских художников обратившись к русскому фольклору, Васнецов стремился придать эпический характер своим произведениям, в поэтической форме воплотить вековые народные идеалы и высокие патриотические чувства. Васнецов создал картины "После побоища Игоря Святославича с половцами" (1880), "Алёнушка" (1881), проникнутая искренней поэтичностью, "Иван-царевич на сером волке" (1889), "Богатыри" (1881-98), исполненные веры в богатырские силы народа, "Царь Иван Васильевич Грозный" (1897). С общей направленностью станковой живописи Васнецова 1880- 1890-х гг. тесно связаны его работы для театра. Отличающиеся народно-поэтическим складом декорации и костюмы к пьесе-сказке "Снегурочка" А. Н. Островского и одноимённой опере Н. А. Римского-Корсакова,исполненные по эскизам Васнецова оказали большое влияние на развитие русского театрального-декорационного искусства в конце 19 - нач. 20 вв. Пейзажные фоны произведений Васнецова на сказочные и исторические темы, проникнутые глубоко национальным ощущением родной природы, то замечательные лирической непосредственностью её восприятия ("Алёнушка"), то эпические по характеру ("После побоища Игоря Святославича с половцами"), сыграли важную роль в развитии русской пейзажной живописи.

Также к теме сказок обращался и И.Е. Репин в своей картине «Садко». Репин написал картину на сюжет новгородской былины о Садко. Художник изобразил момент, когда Садко по приказу морского царя выбирает себе в жёны одну из морских девиц, представленных в виде заморских красавиц. По мысли Репина, они олицетворяют разные страны и народы, но Садко выбирает в жёны стоящую в глубине русскую девицу Чернаву. Стремясь к предельной достоверности, он изучал атласы морского мира, делал зарисовки морской флоры и фауны в Нормандии, совершил поездку в Берлин, где посетил морской аквариум, осматривал Хрустальный дворец в Лондоне. При изображении свиты морского царя художнику помогли впечатления от пышной зрелищности европейских салонов. Репин выставил «Садко» в Парижском салоне 1876 года, но картина успеха не имела, зато стала известной в России. Она была куплена великим князем Александром, будущим императором Александром III. В том же году Илья Репин получил за неё звание академика.

"Царевна-Лебедь" Михаила Александровича Врубеля – своего рода символ прекрасной героини русской сказки, облаченной в великолепный наряд. В основе сюжета о царевне Лебедь лежит как "Сказка о царе Салтане" Александра Сергеевича Пушкина, увидевшая свет в 1832 году. Врубель пишет, тем не менее не конкретный, а некий обобщающий образ героини русских сказок.

Также Врубель пробовал свои силы в монументальных панно, декоративной скульптуре, витраже, декоративном искусстве, в архитектуре. В 1890-е годы в Абрамцеве была создана П.К.Ваулиным керамическая мастерская, возродившая искусство майолики. Врубель увлеченно работал в глине. Его прельщали богатые живописные возможности майолики, игра глазурей и люстров. Врубель делал в Абрамцеве скульптуры, маски для архитектуры, блюда, изразцы для облицовок. Работа в керамике заметно повлияла на него. Благодаря керамике художник стал новатором русского декоративного искусства. На почве сказаний, былин и песен, народных орнаментов создавал свои картины и Врубель. Влияние музыки, литературы и театра на живопись Врубеля велико. Его «Морская царевна» навеяна музыкой «Садко», в портрете Забелы в роли Волховы слились воедино впечатления от сказок, музыки и художнического проникновения в удивительные формы и цвета растений.

Николай Константинович Рерих - живописец, художник театра, автор мозаик, археолог, философ, историк культуры, общественный деятель, академик Императорской Академии художеств (с 1909). Крупнейший представитель русского символизма. В его работах нашли отражение идеи "всеединства", множественности миров. В 1909-1910 годах Рерих исполнил серию панно "Богатырский фриз" для особняка видного промышленника и почетного гражданина Петербурга Ф. Г. Бажанова. Каждый интерьер дома отличался неповторимым оформлением, но тема героической Древней Руси была доминирующей. Гостиную украшал майоликовый камин "Вольга и Микула", исполненный по эскизу М. А. Врубеля, а панно Рериха размещались в столовой. Серия состояла из восьми сюжетных ("Садко", "Витязь", "Баян", "Илья Муромец", "Микула Селянинович", "Город", "Вольга Святославович", "Соловей-разбойник") и одиннадцати декоративных композиций. Создание монументального "Богатырского фриза" стало в творчестве художника кульминацией его обращения к теме былин.

Владимир Михайлович Конашевич, иллюстратор, рисовальщик, акварелист, литограф, музейный деятель, автор ряда книг и статей об искусстве. Член общества «Мир искусства» с 1922. С 1917 сотрудничал с издательствами «Радуга», Детгиз и многими другими. Его иллюстрации к сказкам народов мира, русскими народными и литературными являются классикой отечественной книжной графики для детей, многократно переиздаются и в наши дни. Владимир Михайлович обратился к иллюстрированию детских книг в конце 1910-х годов. Его работы отличают тонкий и выразительный рисунок и тесная взаимосвязь с текстом. Вслед за автором он легко включался в игровую ситуацию, поэтому особенно любил иллюстрировать сказки К.И. Чуковского, стихотворения С.Я.Маршака. Художник, по словам самого Конашевича, «должен добраться до правды сказки, до ее подлинной реальности. Изображая фантастическую оболочку сказки, надо всегда иметь в виду реальную правду сказки и к ней вести читателя, как это делает сама сказка».