Изменения в системе жанров

В XX веке относительно устойчивая картина жанров музы­кального творчества приходит в движение: меняется иерархия их, идет активный эксперимент, затрагивающий оперу, симфо­нию, балет, камерную музыку, массовую песню и приводящий в ряде случаев к новой трактовке жанров, введению в му­зыкальную практику как жанров забытых, так и совершенно новых. Опера, находившаяся в предыдущий период — период романтизма — на первом плане (вспомним Верди, Вагнера, Мейербера, Гуно, Визе, Массне), утрачивает свои позиции. В противоположность этому выдвигаются инструментальные жанры, а в сфере музыкального театра — балет.

В симфонической музыке вторая половина 10-х и 20-е годы отмечены поиском альтернативы романтической сим­фонии и свойственному ей симфоническому методу. Конечно, и в эти годы появлялись произведения романтического плана (подобные симфониям д'Энди, «Фонтанам Рима» Респиги, «Альпийской симфонии» Р. Штрауса), которые развивали принципы симфонизма Листа, Франка, Дебюсси и Римского-Корсакова. Но они скорее завершали целую эпоху. Ростки бу­дущего содержались в произведениях иного типа. Сигнал к об­новлению подал Шёнберг своей Камерной симфонией (1906). Камерность, прежде вовсе не свойственная симфоническому жанру, становится весьма типичной для «квазисимфоний» — симфоний малых форм, «маленьких симфоний», инструмен­тальных «музык», причем данная черта характерна для самых разных сочинений, написанных в духе экспрессионизма, нео­классицизма, «новой деловитости». По сути, совершенно новый тип симфонии, сведенной к концентрации на микромотиве, его интервальных превращениях и разработке средствами полифо­нии, создает Веберн. Хиндемит сосредоточивает свои искания

в области Kammermusik («камерной музыки») — особого жанра, который сочетает признаки камерности, концертности, симфоничности. Мийо в своих Маленьких симфониях, для­щихся от нескольких десятков секунд до нескольких минут, использует камерный ансамбль (иногда только струнных или духовых). Симфония теряет свое значение как жанр, «обобще­ствляющий чувства масс» (П. Беккер). Композиторы подчерки­вают, что употребляют слово sinfonia в старинном, доклассическом смысле, означающем созвучие инструментов.

Суть всех этих исканий — в отказе от стереотипов класси­ческой и романтической симфонии, ее формы, музыкального письма, от «сверхсоставов» позднеромантического оркестра. Всему этому теперь противопоставляется лаконичный, графичный инструментальный стиль, в котором важную роль играет полифония; развернутая сонатность, романтическая «поэмность» формы замещаются краткой сонатинностью; линии фак­туры не размываются фигурациями, они обособлены подчерк­нутой линеарностью и поручены, как правило, солистам, партиям которых вдобавок придан концертирующий характер. Фундаментом всех этих новаций были традиции мастеров до-романтической эпохи. Но весьма показательно, что и в этот период подчас самые дерзкие эксперименты обнаруживали скрытую опору на достижения довоенной музыки. Так, «Паси-фик-231» Онеггера при всей новизне замысла показывает свою преемственность и от баховской традиции вариаций на хорал, и от симфонической поэмы Листа, и от симфонических эпизо­дов музыки Вагнера. Маленькие симфонии Мийо учитывают политональные наслоения и ритмическую работу с попевкой, идущие от «Весны священной».

В творчестве Берга и Хиндемита возникли интереснейшие образцы симфоний на материале опер («Лулу», «Художник Матис»). Симфония не осталась вовсе чуждой «новым време­нам», откликнувшись на веяния современной бытовой музыки, джаза (Маленькая симфония Эйслера). И все же ближайшее время — уже конец 30-х годов — покажет, что драматические потрясения, конфликтность XX века лучше всего раскроет «большая» концепционная симфония. В конце 30-х годов имен­но к такой разновидности жанра один за другим обращаются ведущие зарубежные композиторы — Стравинский, Барток, Хиндемит, Онеггер, Мийо.

Тема войны объединяет симфонии этих композиторов, появившиеся в канун Второй мировой войны, во время ее и сразу после нее. Некоторые из них стали незабываемыми до­кументами своего времени — символами борьбы с фашизмом, обличения зла, победы над ним человечества. Таковы, на­пример, Вторая и Третья симфонии Онеггера, по праву назы­ваемые «симфониями сопротивления», такова Симфония в трех движениях Стравинского. В них возникает новая образность: особые состояния душевной смятенности, воспроизведение бездушного хода военной машины и создающие полярный контраст оазисы красоты и гармонии.

Симфония военных лет выработала свои приемы. В новом качестве возрождается сонатность (без обычного тонального подчинения и обязательного контраста главной и побочной партий); разработанность пронизывает все разделы формы, и даже реприза не прерывает поступательного движения к куль­минации формы, сливаясь с разработкой (Онеггер); принципы сонатности совмещаются с фугой (Хиндемит), вбирают в себя нечто от инструментального концерта, соединяя идею темати­ческого развития с концертированием групп инструментов (Стравинский). Авторы, исходя из своего замысла, индивидуа­лизируют творческое решение симфонического цикла. Они учи­тывают при этом камерные и урбанистические эксперименты 20-х годов. И вместе с тем «военные» симфонии связаны с ве­ликими традициями, идущими от Брамса и Брукнера (Хинде­мит), Франка (Онеггер), Бетховена и Листа (Барток).

Роль камерно-инструментальных жанров в XX веке резко повышается, их не обходят вниманием круп­нейшие композиторы. Хиндемит, Мийо, Пуленк, Малипьеро и многие другие сочиняют практически во всех областях сольной и ансамблевой камерной музыки. Продолжают разрабатывать­ся сложившиеся ансамблевые формы — квартет, трио, соната, используются редкие жанровые разновидности — октет, нонет, ундецимет, возрождаются встречавшиеся в практике эпохи ба­рокко сонаты для инструментов соло и ансамблей. Возникает ряд сочинений, в которых грань между камерно-инструмен­тальной, концертной и симфонической музыкой весьма услов­на. Камерная музыка сближается с симфонической. Имеем в виду, например, упомянутые выше «камерные музыки» Хиндемита, Маленькие симфонии Мийо, Камерную симфонию Шёнберга, а также Камерный концерт Берга.

Обращает на себя внимание то обстоя­тельство, что нормативные составы (квартет, трио) чаще уступают место составам нетрадиционным — и по количеству инструментов, и по их сочетаниям (назовем, к примеру, Октет для духовых Стравинского, те же «камерные музыки» Хиндемита, в каждой из которых исполнительский аппарат индиви­дуален). Отметим, что камерные жанры активно участвуют в формировании принципов нового — лаконичного, графичес­кого по рисунку, «обнаженного» — инструментального письма, в котором господствует моторика независимых линий фактуры. Инвенционная техника взрывает привычную гармоническую вертикаль, инструментам соло отдается предпочтение перед дублировкой и, наконец, совершенно иначе используются штрихи, артикуляция, динамика, вводятся новые способы звукоизвлечения.

Предпринимаются интереснейшие попытки распространения камерной музыки в любительской среде (движение так называемой «прикладной музыки» — Gebrauchsmusik — в Германии). С этой целью Хиндемит пишет целый ряд сочинений, рассчитанных на непрофессионального исполнителя и на тот инструмент, какой у него есть под рукой: на скрипку, или флейту, или гобой, или кларнет...

В области балетного жанра высшие достижения предвоенной поры — «Весна священная» Стравинского и Лафнис и Хлоя» Равеля — открыли перспективы развития но­вого симфонизированного балета, имеющего сжатую структуру, которая не оставляет места дивертисментам, сюитам харак­терных танцев, вставным номерам. В балете видят жанр, обладающий безграничными возможностями, соперничающий с симфонией и более прогрессивный, чем другие музыкально-театральные жанры. Этот «рывок» балета от подчиненной роли к ведущей тем более поразителен, что он был совершен за какие-то пять-десять лет.

Разумеется, изменению взгляда па балет в большой степени способствовали дягилевские «Русские сезоны» в Париже. «Русские сезоны» произвели рево­люцию в балете, они стимулировали развитие этого жанра в странах Европы и Америки, что особенно стало ясно в 30— 40-е годы, когда по всему миру работали бывшие балетмейсте­ры Дягилева — Фокин, Мясин, Лифарь, Больм, Б. Нижинская, Баланчин.

Симфонизацию балета продолжил Равель в Вальсе и Боле­ро. Помимо него к такой же трактовке жанра тяготели Руссель («Вакх и Ариадна»), Хиндемит («Достославнейшее видение»). Это русло оказалось наиболее привлекательным для компо­зиторов эпохи 1918—1945 годов, однако на короткое время в 20-е годы выдвинулись балеты другого типа.

В конце Первой мировой войны, в 1917 году, увидел свет рампы и имел скандальный успех «Парад» Сати, открывший целую серию балетов, которые получили название «мюзик-холльных». В нем поражало парадоксальное решение сюжета, новая пластика, черпающая приемы из акробатики, эстрады, современного танца, бытовых движений. Его музыка состояла из намеренно грубовато оркестрованных опереточных и кафе­шантанных мотивов, обрывков регтайма и кек-уока, цитат-па­родий, издевательского воспроизведения «китайской» экзотики, соединенных с гудками сирен, звуками пишущей машинки, револьверными выстрелами... Сати демонстративно порвал с привычной балетной эстетикой, и это оценили Аполлинер, Стравинский; композиторы «Шестерки» откликнулись на «Парад» произведениями в близкой манере: коллективным балетом-фарсом «Новобрачные на Эйфелевой башни», балета­ми Мийо «Бык на крыше» и «Голубой экспресс». Из этого направления выросли впоследствии джаз-балет, урбанисти­ческий балет и т. п.

Тенденция к сближению балета с современностью сосуще­ствует в 20-е годы с противоположной линией в развитии жан­ра, основанной на «пересочинении» музыки композиторов про­шлого — Скарлатти, Перголези, Россини и др. Таковы балеты Томмазини («Насмешницы»), Стравинского («Пульчинелла»), Респиги («Лавка чудес»). Своеобразный неоклассицизм музыки в этом случае совмещается с возвратом к танцевальным фор­мам классического балета.

Несомненно удавшейся попыткой объединить обе линии — современного и неоклассицистского балета — являются «Лани» Пуленка, эти, как их часто называли критики, «Сильфиды XX века». Пуленк воскрешает старинные формы французской оперы-балета (Adagietto, песня-танец), и вместе с тем музыкаль­ные номера «Ланей» абсолютно современны по ритмам и ма­нере письма (например, рег-мазурка, приближающаяся по танцевальному смыслу к pas d 'action).

Наряду с балетом, где торжествует танец, находит продол­жение и традиция такого балета (или, точнее, сценического жанра на основе балета), в котором пантомима сочетается со словом, хоровыми и симфоническими эпизодами. Эта традиция восходит к «Орфею» Роже-Дюкаса и продолжается в «Энее» Русселя, «Персефоне» Стравинского.

В целом балет развивается под знаком симфонизации музы­кальных форм и торжества танца (исследователи хореографии даже выдвигают термин «балетный симфонизм», который призван быть адекватным понятию симфонизма в музыке). 20-е и особенно 30-е годы дают также ряд примеров хореогра­фических постановок (без присочинения сюжета) на музыку, не предназначенную для танца, — «чистую» музыку. Таковы балетные интерпретации произведений Берлиоза, Шуберта, Баха, Листа, созданные Мясиным, Б. Нижинской и Баланчиным, который блистательно продолжил эту линию после Второй мировой войны.

Весьма сложные процессы развития идут в о п е р е и других вокально-сценических жанрах. Меняется понимание театральности, динамики действия; опера взаимодействует как с другими музыкальными жан­рами — ораторией, кантатой, песней, так и с другими видами искусства — драматическим театром, кинематографом. При этом возникают новые типы музыкального представления: опера-оратория («Царь Эдип» Стравинского), драматическая оратория («Жанна д'Арк на костре» Онеггера), сценическая кантата («Carmina Burana» Орфа), спектакль с музыкой («Трехгрошовая опера» Вайля). Процессы обновления затра­гивают оперетту, ведут к возникновению нового музыкально-драматического жанра — мюзикла.

На полюсах оперных исканий 20—30-х годов стоят, с одной стороны, Вайль, который максимально приблизил оперу к драматическому спектаклю, свел роль музыки к ко­ротким броским музыкальным номерам — зонгам, несущим огромный драматургический смысл; с другой же стороны — Бузони, Берг, Хиндемит, которые сохраняют сквозное музы­кальное развитие и широко используют в нем закономерности чисто инструментальных форм.

Новые черты получает трактовка вокальной партии. Воз­рождается вокальность в качестве, близком тому, какое отли­чало ее в эпоху оперы-сериа («Похождения повесы» Стравин­ского); это касается и арии (причем возрождается даже форма da capo), и речитатива (secco). Композиторы продолжают по­иски средств выражения для самых тонких оттенков психоло­гической жизни персонажей; разнообразятся сюжеты, среда действия. В этом отношении показательно, как самые разные авторы по-своему преломляют опыт «отца оперной мелодики XX века» — Пуччини. Среди них назовем Берга, Даллапикколу, Пуленка, Бриттена. Остаются притягательными гениальные открытия Мусоргского и Дебюсси в области омузыкаливания слова, «человеческого говора». Стремясь пойти еще дальше в нотации речевой интонации, Шёнберг и Берг вводят Sprechstimme, или Sprechgesang (то есть речевой голос, речевое пение).

Наряду с максимально полным раскрытием возможностей оперного пения встречаются парадоксальные формы исполь­зования «антиоперных» голосов в опере и оратории. Так, «Трехгрошовая опера» Вайля предполагает ее исполнение акте­рами драматического театра.

Что касается масштабов оперного действия, то наблюдаются тенденции как к его предельному сжатию («оперы-минутки» Мийо), так и к расширению (оперы Хиндемита). В одних про­изведениях (например, в «Воццеке» Берга) действие обладает большим динамизмом развертывания, в других (скажем, в «Царе Эдипе» Стравинского) оно подчеркнуто статуарно. Театр пока­за осуществляет свои цели разными приемами: введением рассказчика, хора-комментатора, игры персонажей с публикой, сценическими «наплывами» и т. п. (Стравинский, Онеггер, Вайль). Воскрешаются формы средневекового театра-мисте­рии, вступающие в разного рода взаимодействие с формами современного театра (Мийо, Малипьеро, Онеггер, Орф).

Нельзя не отметить и такую существенную черту оперы 20—30-х годов, как все большее проникновение на сцену совре­менности. Она утверждается в сюжетах («Джонни наигрывает» Кшенека, «Новости дня» Хиндемита, «Ночной полет» Даллапиколы), да и сама музыка впитывает ритмы новейших быто­вых танцев, джазовые звучания.

Важный толчок развитию музыкального театра дали выда­ющиеся литераторы — Клодель, Брехт, Кокто. Они активно влияли на музыкальную поэтику театра, на выработку в нем новаторских приемов. К Брехту обращались и Вайль, и Эйслер, и Хиндемит, и Орф. Роль Клоделя велика в драматургической планировке «Жанны д'Арк» Онеггера, в театральных произве­дениях Мийо. Кокто был инициатором и либреттистом самых разных опер — среди них назовем «Царя Эдипа» Стравинско­го, «Человеческий голос» Пуленка.

По мере развития режиссуры и сценографии опера все более и более требовала разработанного сценического решения, выверенных мизансцен, включения разного рода световых и звуковых эффектов. Для п е с е н н о - р о м а н с н о г о творчества, в силу языковой окрашенности интонаций, особое значение имеет национальная традиция. В австро-немецкой музыке XIX века первенствовала культура романтической Lied, созданная Шу­бертом, Шуманом, Брамсом, Вольфом, Малером. Во француз­ской музыке сходное положение занимала культура melodie (романса), переросшей к концу века в роеmе («стихотворение с музыкой»). Эти жанровые разновидности сложились в твор­честве Гуно, Форе, Шабрие, Дюпарка, Шоссона, Дебюсси, Равеля.

Рассмотрим развитие названных жанров в интересующий нас период.

Общая тенденция, наблюдаемая в 10—20-е годы,— это про­должающийся отход от четкой жанровой типизации (песня, романс, баллада) и обращение ко все более индивидуализиро­ванным решениям, зависящим от поэтического текста, который и обусловливает комплекс выразительных средств. Вместо тра­диционного состава — голоса с фортепиано — часто приме­няется голос с инструментальным сопровождением, причем вокальная партия становится одним из равноправных участни­ков ансамбля («Лунный Пьеро» Шёнберга, Мадагаскарские песни Равеля, «Бестиарий» и «Кокарды» Пуленка).

Шёнберг почерпнул идею сочетания в вокальном цикле голоса с оркестром у Малера, развил ее в «Лунном Пьеро», комбинируя голос с различными инструментами, и в таком виде эта идея стала основополагающей для Берга и Веберна.

Нововенцы часто обращались к текстам поэтов-символистов (Тракля, Георге, Рильке, Бодлера, Жиро, Йоне). Культура Lied значительно трансформировалась в их творчестве. Неизме­римо усложнились психологические мотивы, изменился сам герой. И тем не менее связь с великой песенной традицией (прежде всего с традицией Шуберта и Шумана) не была порва­на. Она ощутима в «Книге висячих садов» и «Лунном Пьеро» Шёнберга, в вокальных циклах Берга и в вокальных сочинени­ях Веберна; причем эта связь многоаспектна и всегда очень индивидуально преломлена.

Иную линию, также связанную с Lied, развивает Хиндемит. Сначала он исходит скорее из позднего Брамса, затем обра­щается к традиции Баха. В его большой удаче — вокальном цикле «Житие Марии» на слова Рильке (1923) — текст опре­деляет только общий эффект, а вокальная партия создана по тем же законам, что и инструментальная: главенствует принцип «чистой» музыки, проявляющийся, в частности, в опоре на формы пассакальи, хорала, вариаций.

Традиция Lied поддерживалась в австро-немецкой музыке рядом композиторов постромантического направления, из ко­торых выделяется творчество Йозефа Маркса, обращавшегося к текстам Рюккерта и Эйхендорфа — поэтов, любимых Шума­ном, Малером, Р.Штраусом.

Во Франции еще в 1871 году Дюпарк своим «Приглашени­ем к странствию» на стихи Бодлера наметил камерно-вокальный жанр «стихотворения с музыкой», в котором поэтический образ, слово определяли и общее музыкальное решение, и декламационный рельеф, соединявшийся с гибкой и отзывчивой инструментальной партией.

На основе новой трактовки поэтического текста развивались самые разнообразные типы вокальных сочинений: сценки, портреты, зарисовки, лирические исповеди, философ­ские размышления, эпиграммы, каллиграммы, песни, песни-обработки, опирающиеся на традиции Шуберта, Дебюсси, Равеля, Мусоргского.

В 10-х — начале 20-х годов полоса нигилизма, характерная для творчества «Шестерки», затронула и камерно-вокальные жанры. Тогда появились дерзко эпатирующие опусы вроде Негритянской рапсодии Пуленка иа «тарабарский» текст, пред­ставляющий собой литературную мистификацию. С эстетикой импрессионизма спорили ранние вещи Онеггера, Пуленка, Coгe. Но эта полоса бунтарства скоро прошла. То ценное, что несла более поздняя вокальная музыка этих композиторов, по­жалуй, ярче всего выразилось в творчестве Пуленка, вокальные произведения которого — лучшая часть его наследия и украше­ние всей французской музыки 30—50-х годов. В циклах на тек­сты Элюара («И день, и ночь», «Лед и пламень»), Аполлинера («Каллиграммы») Пуленк соединил внимание к декламаци­онной стороне текста с мелодической ясностью, корнями ухо­дящей во французскую народную и городскую (эстрадную) песню, которую он прекрасно понимал и любил. Причем мело-дизация вокальной партии не означала, что инструментальная партия теряла черты, создающие атмосферу образа, воплоща­ющие подтекст — то, что остается «за кадром».

Наряду с откликом на самое «последнее» поэтическое слово у французских композиторов XX века существовал устой­чивый интерес к поэзии Ренессанса — Вийону, Маро, Ронсару. За пределами же Франции стоит отметить тот особый смысл, который принимало вокальное творчество на тексты поэтов Ренессанса (например, Петрарки, Полициано) у итальянских композиторов Пиццетти и Малипьеро, прочитывавших текст сквозь призму неоклассицизма с максимальным вниманием к форме стиха и его деталям (цикл Малипьеро Три стихотво­рения А. Полициано). Малипьеро возрождал и осовременивал жанр мадригала и как вокальный жанр, и как сценический, со­здавая на его основе оперу «Орфеиды».

Хоровая и массовая профессиональная песня, имевшая весь­ма традиционный облик до середины 20-х годов, в дальнейшем приобретает новые черты в Kampfiieder («песнях борьбы») Эйслера и песнях, созданных французскими композиторами. Эти песни были ответом на революционный подъем в Веймар­ской республике и рост демократических настроений во Фран­ции.

В целом можно резюмировать, что период между двумя войнами был для музыкального искусства переломным. Ход мировой истории, а с ней и истории музыки, резко ускорился. Конфликтность, взрывчатость протекания социально-полити­ческих, экономических, общекультурных процессов отразились в музыке, ее эстетико-стилевых течениях, жанрах, выразитель­ных средствах. Композиторы-новаторы следовали дорогой сложнейших исканий — через преодоление позднего роман­тизма, через неоклассицизм и «новый динамизм», через неофольклоризм, через экспериментальные решения. Высшей целью этих исканий было создание новой классики — класси­ки XX века.

13. «Серебряный век» в истории русской культуры и в истории музыки.

Новый этап развития культуры в России (1861 – 1917). Серебрянный век – назвал Бердяев. Это проявление духовного и художественного ренессанса, взлет культуры. Духовные противоречие. Зарождение модерна. Обогатил все виды искусства и философию. Серебрянный век – западничество, Уайльд, Ницше, Шопенгауэр, А. де Виньи. Ориентиры в разных веках – Маларме, Рембо, Шелли, Ибсен, Меттерлинк и т.д.

2 направления – западничество и славянофильство.

19 век – открытия науки (Менделеев, Яблочков, Ладыгин, Циалковский).

Гуманитарные науки развиваются под влиянием естествознания. Ключевский.

Философия – идеализм. Русская религиозная философия. Основы религиознофилософского ренессанса – Соловьев 0 опыт синтеза религии, философии и науки.

Бердяев, Мережковский, Федотов, Флоренский.

В русской философии – внимание к духовному миру личности. Люди ищут новые онования духовной жизни. Мистические учения – Брюсов, Белый, Гипиус, Мережковский.

Противопоставления – природа и культура, смерть и любовь.

Формирование типа массовой культуры. Противовес – элитарное искусство.

Искусство становится неодонородным. Усилиение контактов с мировой культурой.

Разные стили. Конец 19 – декаденство – отказ от гражданственности, погружение в сферу индивидуальных переживаний. Многие течения модернизма.

Русская литература начала 20 века – символизм. Символ – знак иного мира, связь двух миров. Мережковский считал преобладание реализма – главным упадком культуры. Индивидуализм – тема стихийного гения.

Старшие (Брюсов, Бальмонт, Мережковский, Гипиус – 90 годы, культ красоты и свободное самовыражение поэта) и младшие (Блок. Белый, Соловьев – философские и теософские искания) символисты.

к 1910 году – акмеизм (Н. Гумилев, Городецкий, Ахматова, Мандельштам). Они декларировали освобождение поэзия от идеального, радостное любование бытием. Отказ от нравственных и духовных исканий.

Футуризм – разрушение старого, формотворчество.

Яркие индивидуальности не относящиеся к определенным течения – Волошин, Цветаева. Серебрянный век – эпоха ярких индивидуальностей.

Живопись – Левитан, Коровин, Борисов-Мусатов, Врубель. Объединение Мир искусства. опирались на поэтику символизма. поиск художественного образа в минувшем (Рерих – обращение к языческой славянской. скандинавской древности; Кустодиев, Серебрякова (неоклассицизм))

Бенуа, Сомов, Борисов-Мусатов – личностое отношение художников к изображаемому объекту. Объединения – голубая роза, бубновый валет – авторское осмысление мира.

Абстрактное искусство – Кандинский, Малевич. Петров-Водкин – связано с древнерусской иконописью. Главная тема – свобода человеческого духа перед лицом вечности.

Новый театр – Станиславский, Меерхольд, Вахтангов. Развитие музыкального театра – Мариинский. Большой. Частная опера – Мамонтова, Зимина. Вокальная школа – Шаляпин, Соболев, Нежданова. Реформаторы балета – Фокин, Павлова.

Римский-Корсаков – жанр оперы сказки. => Глазунов. Лядов, Мясковский.

Отход от социальной проблематики к философско-этическая проблеме.

Рахманинов, эмоциональная направленноть творчества Скрябина, Стравинский…..

Взаимодействие разных видов искусства – Чюрленис, Мясковский.

Жанровые обозначения переходят из искусства в искусства. Белый – симфонист. У Скрябина - Поэмы. Скрядин – параллель с Брюсовым и Ивановым. Мистическое искусства. 4 соната, божественное поэма, поэма экстаза. Рахманинов – Концерт№1, Олеко, Симфония№1…. Стравинский – Петрушка и т.д. эксперименты с ладом, ритмом.

Дягилевские сезоны. Русский балет – ведущие позиции Петипа, Фокин, Горский. Работают с художниками Бакстом, Бенуа, Коровин, Рерих. Дягилев совместно с Бенуа создает Мир искусства. Русские сезоны за границей.

Поющие актеры – Шаляпин, Собинов, Нежданова.

Конец 19 век – мировое признание русского искусства.

Беляевский кружок – Р.-К. – издание русских произведений, организация конкурса Глинки…. пропагандирование русской музыки.

Появляются органы – Глазунов, Старокадамский. Скрипка как виртуозный инструментв – Прокофьев, Хренников. Развитие камерной музыки.

Серебрянный век – романтическое мироощущение. Репрезентативная музыка в творчестве Танеева, Лядова и т.д. Многоликость жанров камерной музыки. Палемики и критики композиторов. Метнер Муза и мода, Бузони….

Специфика серебряного века – многоликость и динамизм. Синтез музыки и танца в камерно-инструментальной музыке. Глубокая драма личности – трагические предчувствия, лиризм.

Поэтизация старины.

Тенденции камерного вок. творчества – охранительная, реформирующая (радикальная).

Предпосылки русского космизма: - художественно эстетические истоки – русский симфолизм. две тенденции – опора на зап. символистов (художественный символизм); симфолизм как миропонимание. Философия Платона, Гегеля, Шопенгауэра, Ницше.

- новая картина мира, осознание музыки как живого космоса.

- пространственно-временные возможности музыки дают понять что прошлое и будущее, причины и следствия постоянно взаимопроникают, меняются местами и сосуществуют одномоментно.

- женское начало 0 культурно-историческое явление (прекрасная дам, Татьяна…). Женщина – связь между земным и небесным

- космизм и литургика, богочеловечество. Всенощное бдение, Иоанн Дамаскин, Колокола. Аппакалиптическая направленность – 6 симфония Мясковского, Колокола. Китеж, Поэма огня.

- синтез искусств стремится к абсолютному искусству, открывающему первообразы. Музыкально-фресковый стиль. Синтезийность – перерастание символа в символ эпохи.

14. Проблема периодизации истории современной отечественной музыки: основные стилевые тенденции развития и политика «государственного музыкального строительства».