Венеціанська

Фр. Кавалі, Марк А.Честі, Фр. Сократті, А. Сартаріо, Дж. Лоренцо, Д.Фрескі,...

Характерні:

а) античний, міфологічний, історичний сюжет у вільному трактуванні;

б) захоплююча дія, любовні інтриги;

в) введення комічних епізодів;

г) опора на арії, мелодії близькі побутовим, народним;

д) втрачається віртуозність;

е) змінюється функція речитативів - тільки зв'язки між аріями;

ж) велика роль оркестру. Увертюри програмні, тематично пов'язані з оперою;

з) затверджуються оперні декорації (Тореллі).

2) Неаполітанська, на чолі з А.Скарлатті. В його творчості відкристалізувався жанр опери-serio (серйозної опери). Риси:

а) Сюжет історичний, легендарний, античний, міфологічний;

б) стрижень - любовна інтрига;

в) герої умовні, головне не характер, а емоції, дані в контрастах і суперечностях;

г) головне значення музики;

д) текст носить узагальнюючий характер;

е) виробляються певні типи арій, їх функції: арія-скарга, арія помсти (гніву), героїчна арія, пасторальна, бравурна...

ж) велика роль належить оркестру. Індивідуалізуються партії струнних і духових, затверджується трьохчастинна увертюра - simfonia: 1 ч. - швидка, 2 ч. - кантіленна, 3 ч. - моторна.

Паралельно опері розвивається крупний вокальний жанр ораторії, більш камерної кантати. Головним принципом ораторії стає розкриття тільки музичними засобами драматичного змісту. Поступово італійська ораторія витісняє ораторію з латинським текстом. Сольний спів витісняється хоровим. Текст ораторії зближується оперним лібретто. Виявляється прагнення до типізації арій і ансамблів. Досягнувши зрілості, італійська ораторія проникає в інші країни: Англію, Австрію (Гендель, Гайдн).

Кантата в XVII ст. складалася як жанр переважно світський, поступово наближаючись до оперної композиції в камерних масштабах. Кристалізація жанру пов'язана з іменами Дж. Каріссімі, А. Страделли. Поступово визначаються різновиди кантат: лірична (камерна), святкова (більш масштабна).

Історія інструментальної музики XVII ст. - це історія створення інструментальних ансамблів з ведучою роллю скрипки. Поступово визначаються ведучі типи ансамблів (тріо), висуваються виконуючі соло інструменти. В середині століття утворюється соната, як цикл нового типу.

Це породило:

1) пошук нового тематизму, образної визначеності, конкретності;

2) розширення рамок композиції, самовизначення частин;

3) контрастність динаміки і лірики в макро- і мікромасштабах.

Поступово соната з контрастно-складової форми перетворюється на цикл.

Розвивається і жанр сюїти. Поступово створюється тип концерту - grosso. Представники:

Арканджело Кореллі. Характерний: відсутність тематичних контрастів в межах частин; зіставлення solo і tutti для активізації музичної тканини; ясний і відкритий образний світ.

Антоніо Вівальді. Риси: відсутність в більшості творів програми, але яскравий тематизм, конкретність музичної мови. Мелодії близькі фольклорному пісенному, танцювальному пласту, оперним інтонаціям. Виробляється певний тип трьохчастинної композиції:

1 частина - рондо (швидко); розробка характеру;

2 частина – алегро (поволі), ліричний центр;

3 частина – престо (швидко).

В області органної музики провідне місце належить Фрескобальді. Основні риси стилю: змішання поліфонічних форм, тяжіння до “схвильованого стилю”, жанрова різноманітність, тематична індивідуалізація.

Таким чином, художнє і музичне життя Італії було багатоплановим і різноманітним.

Перша буржуазна революція, що ставила за мету звільнення народу від влади церкви, розділила країну на дві частини: південь (Фландрія, сучасна Бельгія) і північ (Голландія). Величезний соціальний і духовний підйом, пережитий Фландрією в період революції, зіграв вирішальну роль в розквіті культури. Не випадково через все мистецтво проходить тема стихійної життєвої потужності, всевладдя, безмежного; чуються відгомони героїчної епохи. На початку XVII ст. відбувається відновлення країни від розрухи. Культова архітектура сприймає риси і форми італійського бароко: декоративне оформлення фасадів, що грають самостійну роль, із застосуванням скульптур, пластичної орнаментації. Наприклад, церква св. Карла Барромея в Антверпені (1614-1621гг.), архітектор П.Хейсенс (церква Іль Джезу).

Скульптура поєднує в собі народну традицію і італійську пластику бароко (багато майстрів працювали в Італії). Представники: Франсуа Дюкенуа, Лукас Файдхербе...

В цілому в мистецтві Фландрії було переважання живопису, що визначає шляхи розвитку скульптури, архітектури, художньої промисловості. Представники:

Антоніо ван Дейк (1599-1641). Характерна зовнішня ефектність, барочна патетика, внутрішня експресія, духовна сила, велика реалістичність і достовірність. Наприклад, “Портрет Ф.Снайдера”.

Неперевершеним майстром епохи став Пітер Пауль Рубенс (1577-1640). Органічно втілив спадщину італійського Відродження: єдність миру, життєствердність, прославляння людини як центру всесвіту; нової культурної епохи: вищий динамізм, пластичність, різкість, розімкнутість композиції, страждання і горе в тематиці, монументальність, декоративність, урочистість; національні традиції: реалізм. З'явився творцем парадного портрета, творцем класичного типу, вівтарного образу. Наприклад: “Охота на левів”, “Ставлення хреста”, “Персей і Андромеда”, “Вакханалія”...

“Треба бачити Рубенса, треба Рубенсом жити, треба Рубенса копіювати, бо Рубенс - Бог” (Делакруа).

Більш жорстке, строге втілення отримав стиль бароко в Іспанії. На той час Іспанія переживала свій “Золотий вік” в мистецтві, знаходячись при цьому в економічному і політичному занепаді. Це перша країна із закінченою формою абсолютної монархії з пануючим класом - земельною аристократією.

Для мистецтва Іспанії характерна декоративність, примхливість, витонченість форм, дуалізм ідеального і реального, тілесного і аскетичного, нагромадження і скупості, і піднесеного, і смішного.

Серед представників:

Доменіко Теотекапуле (Ель Греко) - художник рубежу XVI-XVII ст. Він був глибоко релігійний, тому в його мистецтві представлені численні варіанти релігійних сюжетів і свят: “Святе сімейство”, “Апостоли Петро і Павло”, “Зішестя святого духу”, “Христос на Маслинній горі”.

Ель Греко був прекрасним портретистом. Завжди зображення він потрактував як ірреальне, фантастичне, уявне. Звідси деформація фігур (елементи готики), граничні колористичні контрасти з переважанням темних кольорів, гра світлотіні, відчуття руху...

“Портрет поета Ерсильї-і-Суньїги”

“Портрет кардинала Тавера”

“Портрет невідомого”.

Але не його картини прикрашали пишний іспанський двір. Серед художників, що працювали при дворі Філіпа II, були

1. Франческо Сурбаран (1598-1664) - “Отроцтво Богоматері”, “Немовля Христос”. Головне в його картинах - відчуття святості, чистоти; просте композиційне рішення, плавність ліній, щільне колірне рішення, матеріальність, речовинність, багатство колориту, величавість, стриманість, реальність життя, сполучена з містичною віри, високою духовністю, емоційною напруженістю.

2. Хусепе Ріберо (1591-1652). Основні сюжети його картин - мучеництво святих, портрети людей, що прожили довге життя. Але його роботи не сентиментальні. Він понад усе не хотів, щоб його моделі викликали жалість. В них - істинно іспанська народна гордість. Наприклад, “Кривоніжка”, “Свята Інесса”, “Апостол Яків-старший”.

Здавалося, що іспанський живопис ніколи не вийде з “стін” храмів. Але це зробив Дієго Веласкес (1599-1660) - прекрасний майстер психологічного портрета, живописець характерів. Його картини відрізняються багатофігурною складністю композицій, багатокадровістю, граничною деталізацією, прекрасним володінням кольором. Веласкес - великий поліфоніст живопису.

“Сніданок”, “Портрет Олівареса “, “Блазень”, “Здача Бреди” (“Колья”), “Пряхи”.

Художником, що завершив “золоте століття” іспанського живопису, був Бартолелло Мурільо. Він, частково, продовжив побутову лінію, намічену Веласкесом. “Дівчинка з фруктами”, “Хлопчик з собакою”.

Але в зрілі роки творчості все частіше звертався виключно до біблійних сюжетів: ”Святе сімейство”, “Втеча до Єгипту”. В цих роботах він виступає як блискучий колорист, майстер композиції. Але як далеко пішов цей живопис від глибоко людських пристрастей кращих іспанських полотен.

Шлях іспанської музики був своєрідний. В XVII ст. не висувалася своя оперна школа, але прагнення до театральної визначеності виявилося достатньо рано. Крім крупних драматичних творів з традиційною участю музики, розвивалися пісні (tonas, tonadas), що театралізуються, склалася сарсуела - музично-театральний жанр (від назви королівського замка). Музиці додавалася провідна психологічна роль. В XVIII ст. значення жанру пригашується ввезеною італійською оперою.

Таким чином, знаходячись в економічному і політичному упадку, Іспанія переживала свій “золотий вік” в художній культурі.

Своє подальше розповсюдження стиль отримав в Німеччині. Особливого розквіту досягла скульптура. В інтер'єрі німецької барочної церкви їй відводиться більша роль, ніж живопису. Найяскравішим майстром бароко був Бальтазар Пермозер (“Палац Цвінтер” (архітектор Пеппельман), “Відчай проклятого”, “Святий Амвросій”). Його роботи відрізняє експресія, переходяча у велику внутрішню силу, унікальність робіт дрібної пластики, глобальні філософські проблеми.

В архітектурі стиль бароко був представлений менш яскраво: Палац Цвінгер в Дрездені, Фрауенкірхе в Дрездені (архітектор Георг Бер).

Якщо скульптура і архітектура була міцно пов'язана з німецькою національною традицією, то стан живопису залишався досить складним. Ослаблення національної традиції є трагічною характерною межею того часу. Закономірним слідством цього була орієнтація живописців на інші європейські школи.

Бароко найбільш яскраво представлено в творчості художника-монументаліста Франца Антона Маульберга. Він пише широко, темпераментно, вільною кистю, насищаючи колорит колірними акордами, що дають могутній декоративний ефект. Він, перш за все, живописець, якого не дуже хвилює психологізм, деталізація в зображенні, але дуже цікавлять колірні плями, що перетворюються на колірну фантасмагорію. Наприклад, “Хрещення євнуха”.

Надзвичайно насиченою була музика Німеччини, надана різноманітними жанрами, що і дала світу такого генія, як І.С. Бах.

Серед вокальних жанрів найкрупніші твори - вокальні ораторії Генріха Шюца (пассіони). Походження форми пов'язано з середньовічними традиціями прочитання певних розділів Євангелія на Страсному тижні. Поступово пассіони стають творіннями композитора. Основні риси:

1) лаконічність і строгість музичної драматургії;

2) декламація залежить від церковної традиції вимовлення тексту;

3) вводяться елементи співучості (в кульмінаціях);

4) обрамлення хорами.

Опера найбільш продуктивно розвивалася в Гамбурзі. Характерні:

1) духовні, міфологічні, історичні, побутові, злободенні сюжети;

2) комедійне трактування;

3) театральні ефекти;

4) натуралістичні подробиці;

5) соковита, груба мова, діалект.

Серед представників: Георг Телеман, Ріхард Кайзер.

В інструментальній музиці XVII ст. орган займав почесне місце. В першому поколінні німецьких композиторів-органістів найцікавішими були фігури Шайдта (1587-1654) і Йоганна Фробергера (1616-1667). Їх значення велике для історії поліфонічних форм на шляху до фуги і обробок для хоралу. Фробергер зближував органну і клавесинну музику (імпровізаційність, патетичність, віртуозність, рухливість, тонка розробка деталей). Серед безпосередніх попередників Баха можна назвати Йоганна Адама, Георга Бема, Йоганна Пахельбеля, Дітріха Букстельхуде. Крупні і оригінальні художники, вони представляють як би різні сторони передбахівського органного мистецтва: Пахельбель - “класичну лінію”, Букстельхуде - “барочну”. Для творчості Букстельхуде характерна розкинутість композиції, свобода фантазії, схильність до патетики, драматизму, ораторських інтонацій.

Особливість історичного становища полягає в тому, що він був самим передовим художником свого часу. Трагічне історичне становище Німеччини (селянська війна, тридцятирічна війна, Вестфальський світ, що остаточно закріпив роздробленість країни) дало Баху якнайкращу можливість відчути трагічні суперечності свого часу. Бах підіймається до високого узагальнення духовного життя, мистецтва на новому історичному етапі в концепціях загальнолюдського значення. Соціальна природа його музики народна, “співак селянських і міських низів” (Розеншильд), церковна. Бах апелює не тільки до емоцій, але і перш за все до розуму, інтелекту. Могутнє, кристально ясне інтелектуальне начало - одна із підвалин його мистецтва. Його ідеал - світ світлий і розумний. Для Баха характерна емоційність і імпровізаційність, скорботність, трагічність, пафос, вища трагедійна концепція в пассіонах, гранична можливість узагальнення в месі.

Риси стилю:

1) мелодія - опора на риторику, на форми, що склалися, на схеми і символи церковної музики, на народні мелодії;

2) гранична концентрація і мелодійна нагота тим;

3) ритм різноманітний. Бах неперевершений майстер різнорідних і в той же час органічних ритмічних сплавів і контрастів, перемикань і зіставлень (“Хроматична фантазія і фуга”, “Органна фантазія” g-moll).

Бах працював у всіх жанрах (окрім опери) і скрізь досяг небувалих вершин.

Ораторіальні жанри найзначніша область творчості: пассіони - піднесено-філософське втілення євангельської теми. Ідея пристрастей потрактована гуманістично - етично. Його герой покірливо, безтрепетно і непохитно йде на жертовний подвиг. Слідуючи традиціям, Бах в рамках циклу вільно об'єднує оповідний речитатив, церковний хорал чотириголосного складу, хори, арії, аріозо. Все це синтезовано з багатою оркестровкою, тонко, винахідливо і поетично розцвіченої по тембровому колориту, з розвинутими соло і органом.

Бах відходить від обрядової традиції, розвернувши освячений церквою шестичастинний цикл в монументальну композицію з двадцяти чотирьох номерів, з'єднаних в чотири частини. В Месі не відображені картини життя, оповідання. Сфера Меси - людські ідеали в їх естетично і етично узагальненому виразі. Вперше ідея сходження від страждань до радості отримала узагальнену форму. Дві образні сфери - страждання і дії, радощі - в розвитку прагнуть в протилежних напрямах, композиція побудована як цикл циклів, в основі якого знаходиться вибраний круг музичних образів. Це значить, що вміст глибокий і багатоманітний, як частина бахівської картини світу.

Більшість інструментальної музики - твори чисто світські (виключення - музика для органу). В інструментальній музиці протікає процес взаємодії і взаємозбагачення різних областей, жанрів, типів викладу. Центральне місце займає музика для клавіру і органу.

Клавір - творча лабораторія. Бах розсунув рамки репертуару, пред'являючи граничні вимоги до інструменту. Стиль клавіру відрізняється енергійним і величавим, стриманим і урівноваженим емоційним ладом, багатством і різноманітністю фактури, насиченістю інтонації. Бах ввів нові прийоми гри. Твори: п'єси для початківців (маленькі прелюдії, фугетти), прелюдії і фуги (ХТК), сюїти, концерти (Італійський), токкати, фантазії (вільна імпровізація, патетика підведений тон, віртуозна фактура), “Мистецтво фуги” (створив класичну фугу).

Велика роль в творчості Баха належить органу. Органний стиль наклав відбиток на все інструментальне мислення композитора. Саме органу належить жанр, що пов'язує інструментальну музику з духовними кантатами і пассіонами - обробки хоралів (більше 150). Органні твори тяжіли до форм, традиційних жанрів, яким Бах дав якісно нову інтерпретацію, що відстоялися: прелюдія і фуга (розмежував дві композиційні сфери, удосконалив їх, возз'єднуючи в новому синтезі).

Писав Бах і для інших інструментів: віолончельні сюїти, камерні ансамблі, сюїти для оркестру, концерти, що зіграли величезну роль для подальшого музичного розвитку.

Величезна спадщина Баха чинить етичну дію. Він зробив крок далеко за рамки одного стилю, однієї епохи.

XVII ст. виявилося суперечливим і для музичного мистецтва Англії. Творча спадщина англійської музики була багатою і різноманітною: традиція багатоголосся, розробка поліфонічних форм, розквіт мадригала... Але безпосереднього історичного продовження багато що з раніше досягнутого не отримало. Рух творчої думки гальмувався і уривався через особливі історичні обставини. В складних умовах висувалася в Англії фігура геніального музиканта Генрі Персела (1658-1695гг.). Ним написані твори в різних жанрах, деякі його пісні сталі “народними”, він розвинув духовні хорові співи (“антеми”). Але головною областю творчості була музика для театру (опера, музика до 152 спектаклів...). Став родоначальником і завершувачем національної оперної школи. Характерні:

1) опора на глибинні музичні традиції Відродження;

2) з'єднання національної грунтовності, сміливої опори на народно-жанрові зразки з вільним проявом авторської індивідуальності;

3) концентрація музичної образності;

4) драматизм і трагізм в світосприйнятті;

5) принцип одноразового контрасту в образах, інтонаціях, гармонії, ритмах;

6) композиція крупного плану з великою цілісністю частин.

В області англійської інструментальної музики відбувалося складання школи клавіру (верждинелісти - по назві інструменту). Представники: Берд, Булл, Морні, Гіббонс... Найбільший інтерес з їх творчості представляють варіації на тему танців і пісень.

Майстром найбільшого масштабу епохи став Георг Фрідріх Гендель - найбільший поліфоніст, що тяжіє до синтетичних вокально-інструментальних форм. Його творчість - ця епічна велич, уява, багатоплановість контрастів, спрямованість вшир і в зовні духовного світу, дієвість і картинність творчості. Неоднозначно розв'язується питання про національну приналежність мистецтва Генделя: склався як музикант в Німеччині, з 1704 по 1740 р. писав італійські опери, в 1717 р. переселився до Лондона. Його творчість стала справді інтернаціональною.

Інструментальна музика - показова для стилю композитора, пов'язана з вокальними творами, саме образи, картинно-образотворчі властивості музики із словом впливають на тематизм, загальний вигляд п'єс, окремих частин. В цілому характерний блиск, пафос, густина звучання, святкова урочистість, повнозвучність, контрасти світлотіні, темперамент, імпровізаційні розливи.

Найбільш характерний для творчого вигляду жанр concerto grosso і концерту взагалі (для органу, для оркестру...). Гендель допускав вільний склад концертного циклу, не дотримувався принципу “швидко-повільно”. Його концерти (у тому числі і для органу) - чисто світські твори, з включенням танцювальних частин. В загальному тонусі переважають святковість, енергійність, контрастність, імпровізаційність.

Працював Гендель і в інших жанрах інструментальної музики: сонатах (тріо-сонатах), фантазіях, каприччо, варіаціях, писав розважальну музику (подвійні концерти, “Музика на воді”).

Все ж таки провідну область творчості займають синтетичні жанри: опера, ораторія.

Протягом тридцяти років працював Гендель над оперними творами, написаними в стилі італійської опери (виключаючи перші три, написані для Гамберга), але не обмежуючись рамками опери seria. Його цікавлять різноманітні сюжети: історичні, міфологічні, епос, казки. Основним стрижнем стає ідеал героїчного самопожертвування. Конфлікт традиційний. 2 табори, 2 нації, конфлікт в душі героя (боротьба між почуттям і обов’язком). Вокальні форми близькі інструментальному складу. Гендель об'єднує речитатив і арію в сцені крізної дії. Часто виділяє інструментальні номери. Його оркестр виразний, барвистий, блискучий, динамічний. Увертюра французького типу вельми імпозантна, велична, повна потужності.

Велике значення має Гендель як великий реформатор ораторій, новий соціально-патріотичний пафос, що привніс. Хорова поліфонія Генделя незмінно виразна, дієва, контрастна, зображувально-картинна, образно-конкретна. Потрактував хор як дієву, живописну, драматичну барву. Основною формою сольного співу залишається арія, яка не завжди персоніфікується. Дуже важлива партія оркестру, диференційована, деталізувалася. Герой його ораторій - гіперболічний образ, що злиться з народною масою. В результаті і біблійний сюжет об'єднується з народним трактуванням. Основні типи: героїчні драми (“Самсон”, “Саул”), героїчні дифірамби (“Месія”), ораторії-викриття (“Валтасар”), ліричні (пасторалі, казки, ідилії, утопії).

На відміну від Баха, найближчі покоління не забули Генделя: його слава продовжувала рости в XVIII ст.., його твори виконувалися в Європі. Його музика і понині не застаріла, сприймається як вічно жива спадщина.

Таким чином, бароко живе в музичному побуті, в інтонаціях і ритмах легкої музики, в горезвісному “під музику Вівальді”, в шкільних нормах музичної мови. Живі і розвиваються своїми шляхами жанри, народжені епохою бароко: фуга, опера, кантата, прелюдія, соната, концерт, арія, варіації... Музика бароко - величезна область виконавської практики: від Баха і Генделя в програмах органних концертів, від музики клавіру, кантат, камерних творів Вівальді, Кореллі до опери Телемана. Численні ансамблі старовинної музики. Справжній бум мистецтвознавчих і музикознавських публікацій, що продовжується більше ста років (з появою в 1888 р. роботи Г.Вельфліна “Ренесанс і бароко”). Відгомони стилю бароко - “необарокко” - в музиці пізніх романтиків: Брамса, Регера, Стравінського, Шостаковича, Шнітке, в архітектурі Гауді. Епоха бароко задає питання, звернені до неба, до людства, в нікуди (недаремно, риторичне питання - улюблена фігура барочної риторики).

“Що смерть благочестивим”

(фон Хоффмансвальгау)

“Що молодість, шана, майстерність, блиск нагород?”

(Гріфіус)

“Що мені ця квінтесенція праху?”

(Шекспір)

Антиномії епохи співіснують і в музиці:

1) жанрово-танцювальне, аж до звукозображувальної програмності (“Пори року” Вівальді) і духовне, звернене до релігійних ідей (кантати Баха, інші його твори, кантати Букстельхуде);

2) мажор і мінор (заслуга бароко у виділенні цих двох протилежних ладів);

3) гігантські композиції (“Пристрасті”, Меси, ораторії...) і лаконічні номери;

4) чергування різнохарактерних частин (в сюїтах, концертах, операх);

5) подвійність ставлення до художнього простору, ясність, раціональність і одночасно ірраціональність, розмитість. Простір бароко в музиці має вертикальні орієнтири; головні види руху в ньому - під'їм до неба або спуск в пекло. В теорії музичної риторики це виражається фігурами підйому і спуску (а-moll прелюдія з II т. ХТК: блукання по лабіринтах простору, по викривлених лабіринтах нечистої совісті грішників. Фуга - як вирок, як грізний жест Верховного Судії на Страшному Суді, вказуючий вниз, після чого стрімке падіння, крах). Таким чином, світ фізичний виявляється усередині людини. Людина і світ - одне. “Зупинися, людино! Небеса в тобі! Якщо ти шукаєш Бога у іншому місці, його там немає!” (Ангеліус Силезіус);

6) час, непостійність, що відображає, мінливість світ. Характерна деталь музики бароко - відлік митей, незмінно пульсуючий ритм, який часто поєднується із звивистим ритмічним малюнком. Музика бароко створила і особливий тип контрасту: час потік, що змінюється (час людського життя) і час застиглий (час вічності): контраст темпів в багаточастинних творах; жанри варіацій на незмінний бас, хоральні прелюдії...;

7) хаос - порядок. Із строкатої різноманітності барочних жанрів помітно виділяється жанр прелюдії (фантазії, токкати) і фуги. Він не вийшов за межі епохи, тоді як решта жанрів жила і змінювалася ще декілька століть. Суть циклу в зіставленні двох принципів мислення: імпровізація, непостійність світу і людини в 1 частини і розміреність, впорядкованість, регулярність, монотонність в другій.

В естетиці бароко музика визначалася через точні науки з метою:

1) служіння Богу;

2) прикраси людського життя.

“Музична композиція - це математична наука, за допомогою якої складається і наноситься на папір приємна і чиста злагодженість звуків, яка після цього може бути заспіваний або зіграний, з тим, щоб нею в першу чергу підняти людей до старанного благоговіння перед Богом і потім, щоб нею потішати і давати задоволення слуху і душі” (Вальтер).

Стиль бароко знайшов своє вираження і в літературі. І якщо архітектура, скульптура і живопис прагнули єднання, то і в літературі можна спостерігати аналогічні явища: лірика прагне монументальності, величності. В той же час для неї характерна деталізація, орнаментика (Драйден “Бенкет Олександра, або сила гармонії” 1697г.)

Серед двору фонтан, наповнений до краю

Кристальний струмінь дзвенить, не угасаючи

На вологий алебастр, спадаючи з вишини

Є сто чудовисьок там - фонтану прикраса -

Надзвичайне тіл химерних сплетення

Як ваза, світлий круг басейну вознесенний

Під ним з каменя стовп - підставкою служить він.

(Жорж де Ськюдері

“Аларіх, або переможений Рим” 1654 р.)

До стилю бароко можна віднести і пізню творчість Мільтона, його поеми на біблійні сюжети: ”Втрачений рай”, “Повернення в рай”, “Самсон-борець... Для його творчості характерний:

1. масштабність поеми;

2. поєднання плотської, матеріальної стихії з високою духовністю;

3. рельєфні образи;

4. нагромадження деталей;

5. панування ідеї про подвійність і суперечність життя, боротьбі добра і зла.

В той же час відбувається відродження героїки, особливо у французькому романі:

1) Мадлен де Скюдері “Артамен або великий Сер” (1649-1653). Відмінні риси: громіздкість, багатослівність, докладність і живописність описів; риторична величність мови героїв;

2) “Міщанський роман” (1666г.) Антуана Фюретьера;

3) “Симпліциссимус (1668г.) Гріммельсхаузена”. Характерне: розпливчатість на безліч епізодів, поєднання символіки і натуралізму. “В кожній конкретній до відчутності, підкресленої до натуралізму сцені присутнє якесь відволікання від реальності в її безпосередній даності... Умовне не тільки зображення обстановки, але і самого героя. Він -... повчальний приклад, що ілюструє етичні і філософські положення автора”.

Своєрідне втілення стиль бароко отримав в театрі. Даному жанру властиві:

1) умовність, витіюватість стилю;

2) своєрідна мова з включенням простонародних слів;

3) динаміка дії;

4) складна композиція;

5) пихатість, афектація.

На сцену вийшли нові драматурги: Тірсо де Маліна (“Дон Хіль - зелені штани” - комедія станів; “Севільський цирульник або кам'яний гість”) і Педро Кальдерон (“Життя це сон” 1636 р., “Поклоніння хресту” 1635 р., “Чудодійний маг” 1637 р., “Стійкий принц” 1628 р., “Великий театр світу” 1675 р.). Основні риси:

1) боротьба духу і тіла, чесноти і вади в особі героя і в зовнішньому конфлікті драми;

2) перемога світлих сил, яка дістається спокутуванням, мукою;

3) оголення життєвих суперечностей.

Таким чином, культура бароко займає величезний історичний простір: рубіж XVI-XVII ст.. – XVIII ст. Його поява була історично закономірним процесом, підготовленим всім попереднім розвитком. Неоднаково знаходив своє втілювання стиль в різних країнах, виявляючи їх національні особливості. В той же час мав загальні риси, типові для всього європейського мистецтва і для всієї європейської культури:

1. Церковний догматизм, що привів до посилення релігійності;

2. Збільшення ролі держави, світськості, боротьба двох начал;

3.Підвищена емоційність, театральність, перебільшеність всього;

4. Динаміка, імпульсивність;

5. Декоративність, живописність, надмірність елементів...

В той же час, бароко підготувало нову епоху - епоху Просвіти. Мистецтво цього стилю живе, розвивається аж до наших днів (мистецтво рококо, “неокласицизм”, що відроджує перш за все барочні форми, “нововіденська школа” в музиці, що повертається до майстрів строгого стилю...)

Світ бароко такий же безмежний, як і світ людської душі. Строкатість життя, що переповнює музику цього часу, по законах барочної антиномії уживається з напруженими духовними шуканнями. Плотська краса мистецтва бароко - застава любові до нього. Але воно звернене не тільки до серця. Серце і розум, любов і пізнання - ось ряд антиномій, що відносяться до сфери сприйняття мистецтва.

Лети душа, лети, геть межі

Земного буття, круг життя розірви

Відкинь утіхи дальньої долі

Важке ярмо земної любові.

Душі легко, відкриті небеса

Там засваталися вічність і краса.

(фон Хоффмансвальдау “Світ”­).