Лофт - Интерьер жилья в бывшем фабричном здании

Лофт - тип жилища, переоборудованное под жильё помещение заброшенной фабрики, другого здания промышленного назначения. Слово loft означает «чердак», в США так называют еще и верхний этаж торгового помещения или склада, но сам стиль может присутствовать практически в любом помещении.

История

«Лофт» имеет чисто американское происхождение и берет свое начало от фабричных построек, складов и мастерских. Идея использования заброшенных мануфактур под жилье и рабочие помещения возникла уже в сороковых годах в фабричном районе Манхэттена. Тогда цены на землю в центре города поползли вверх, — промышленные предприятия стали выводить на окраины. Освободившиеся площади охотно занимают люди искусства, привлеченные как функциональными характеристиками жилья (высокие потолки, хорошее освещение), так и низкими, по сравнению с обычными квартирами, арендными ставками. Пройдя путь от мастерской до стильного помещения, лофты оказались на пике моды к 1950-м годам. Именно здесь сосредотачивается артистическая жизнь Нью-Йорка. Модные художники открывают в лофтах свои галереи и студии. Хрестоматийный пример — «Фабрика» Энди Уорхола. Вскоре за оригинальным жильем окончательно закрепился статус элитного. Снимать большие площади в историческом центре города, в зданиях уже близких к тому, чтобы за давностью лет получить статус памятника архитектуры, молодым художникам оказалось не по карману. Их место заняли успешные адвокаты и финансисты.

Цвета

В стиле лофт обычно используются цвета холодных оттенков (металлический, синий и т.д.). Отличительная особенность в цветовой палитре стиля лофт в том, что часто, для контраста, одну из 4-х стен делают другого цвета, например 3 стены в одной комнате кирпичные, а одна покрыта металлической штукатуркой. Такой эффект нужен для распределения зон в комнате.

Мебель

Мебель в основном металлическая или покрашенная «под металл», но используется также деревянная мебель светлых и темных тонов. Мебель в стиле лофт обычно проста и функциональна. Мебель часто выполняет роль перегородок (стен) между комнатами, т.е. разделяет пространство на части.

Архитектурные детали

Особое внимание в стиле лофт заслуживают детали. Это все наследие фабричного прошлого: лестницы, различные трубы, системы вентиляций, заводские приспособления и т.д. Также стоит обратить внимания на окна. Окна должны быть, по возможности, широкими и высокими (до пола) без занавесок, тюля и штор. Это необходимо для максимально освещения интерьера. Для искусственного освещения часто используются навесные люстры.

Современность

Сейчас стиль «Лофт» становится популярным и в России. В Москве, Петербурге, Чебоксарах и Екатеринбурге уже построены (и находятся на стадии проектирования) бизнес-центры и жилые комплексы в этом стиле. Однако в настоящее время в России застройщикам подчас проще снести старый завод или фабрику и построить на освободившемся месте новое здание. Лишь немногие из них решаются браться за реконструкцию исторических (но не охраняемых государством) построек. Так же популярна «стилизация» частных апартаментов под «лофт».

Арт-пространство

Бывшие промышленные пространства с их огромными площадями и высокими потолками используются не только для жилья, но и для организации многофункциональных культурных центров с выставочными залами, кафе, ресторанами, офисами, концертными площадками. Фабрика Энди Уорхола дала старт тенденции, захлестнувшей всю Америку, а затем и Европу. Примерами европейских лофтов, существующих в формате культурных центров, сдающих часть своих помещений под офисы, шоу-румы, рестораны, ателье, танцевальные студии и т.д., являются CABLE FACTORY в Хельсинки, MELKWEG в Амстердаме, TEA FACTORY в Лондоне, SUPERSTUDIO в Милане, Лофт Проект ЭТАЖИ и Креативное пространство ТКАЧИ в Санкт-Петербурге, «Лофт» в Екатеринбурге. Каждый из этих и многих других проектов представляет собой переоборудованное дизайнерами и архитекторами индустриальное пространство.

Баухауз - Интернациональный стиль — ведущее направление модернистской архитектурной мысли периода 1930-1960-х гг. Пионерами интернационального стиля были Вальтер Гропиус, Петер Беренс и Ханс Хопп в Германии, наиболее яркими и последовательными представителями — Ле Корбюзье (Франция), Мис ван дер Роэ (Германия-США) и Якобус Ауд (Нидерланды).

Эстетика интернационального стиля требовала отказа от национальных культурных особенностей и всяческих разновидностей исторического декора в пользу прямых линий и других чистых геометрических форм, лёгких и гладких поверхностей из стекла и металла. Излюбленным материалом стал железобетон, в интерьерах ценились широкие открытые пространства. Это была архитектура индустриального общества, которая не скрывала своего утилитарного предназначения и способности экономить на «архитектурных излишествах». Неофициальным девизом движения был предложенный Мис ван дер Роэ парадокс: The less is more («чем меньше — тем больше»).

В послевоенное время типичным воплощением идеалов интернационального стиля были геометрически отточенные небоскрёбы Мис ван дер Роэ, Филипа Джонсона и Бэй Юймина. Ле Корбюзье эволюционировал в сторону более скульптурного подхода к архитектуре, при котором подчёркивалась грубая структура бетона (так называемый «брутализм»). Интернациональный стиль проник в архитектурно консервативные страны, где появились свои «поэты железобетона» — Пьер Луиджи Нерви в Италии и Оскар Нимейер в Бразилии. Отдали дань эстетике этого направления и такие индивидуалистические мастера «органической архитектуры», как Фрэнк Ллойд Райт и Алвар Аалто.

Отход от интернационального стиля наметился в 1950-е гг. в произведениях Эро Сааринена, а в 1970-е гг. с критикой на ограниченность и «скучность» этого подхода обрушился основоположник архитектурного постмодернизма — Роберт Вентури.

Фабрика Фагус (Гропиус, 1911-13), Рабочий посёлок Вайсенхоф (Ауд, 1927), Дом радио в Кёнигсберге (Ханс Хопп, 1927), Баухаус в Дассау (Гропиус, 1929), Штаб-квартира ООН (коллектив авторов, 1950), Сигрэм-билдинг (Мис ван дер Роэ и Филип Джонсон, 1958).

Ар-деко - варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г. Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся«Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко». На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны. Золотой медалью был награждён художник Вадим Меллер за своё оформление спектакля в театре «Березіль».

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art déco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия). Крупнейшая коллекция скульптуры из бронзы и слоновой кости в России принадлежит Русскому Дому Art déco и насчитывает более 700 уникальных произведений.

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:

«Венский сецессион» раннего периода (Wiener Werkstätte); функциональный индустриальный дизайн

примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки

древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех

«Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста, граненые, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма

колористическая палитра фовизма

строгие формы неоклассицизма: Буле (Étienne-Louis Boullée) и Шинкель, Карл Фридрих

Эпоха Джаза

растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая черно-белая гамма клавиш рояля (т. н."sunburst")

гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флапперов («flapper»)

технологические достижения «Века машин» — такие как радио и небоскребы

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые брали начало от развития науки и предметов массового производства, приводя к тому, что в произведениях этого стиля появились очертания самолетов или револьверных пуль — тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Airflow» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся преимущественно для зданий на автомобильных развязках.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке, «Морской дом» на набережной Ванкувера, Жилые дома в Черновцах.

Органическая архитектура — течение архитектурной мысли, впервые сформулированное Луисом Салливеном на основе положений эволюционной биологии в 1890-е гг. и нашедшее наиболее полное воплощение в трудах его последователя Фрэнка Ллойда Райта в 1930-е — 1950-е гг.

В противоположность функционализму, органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт. Сторонник идеи непрерывности архитектурного пространства, Райт предлагал подвести черту под традицией нарочитого выделения здания и его составных частей из окружающего мира, доминировавшей в западной архитектурной мысли со времён Палладио. По его мнению, форма здания должна каждый раз вытекать из его специфического назначения и тех уникальных условий среды, в которых оно возводится.

В практическом плане, спроектированные Райтом «дома прерий» служили естественным продолжением окружающей природной среды, подобно эволюционной форме естественных организмов. Наиболее влиятельным представителем органической архитектуры в Европе был финн Алвар Аалто. Индивидуализм органической архитектуры неизбежно вступал в противоречие с потребностями современного урбанизма, и неудивительно, что основными памятниками этого направления были загородные особняки. В 1950-е гг. и Аалто и Райт стали отходить от органической архитектуры и проектировали здания в интернациональном стиле.

Всплеск интереса к органической архитектуре в начале XXI века связан со становлением эстетики био-тека, которая, в отличие от Райта, признаёт возможность и значимость прямых внешних аналогий архитектурных форм с формами органической природы.

«Дом под водопадом» (арх. Ф. Л. Райт, 1935).

Сталинский ампир - Советский монументальный классицизм, или «сталинский ампир» (от фр. empire — «империя» и по аналогии с ампиром) — лидирующее направление в архитектуре, монументальном и декоративном искусстве СССР с середины 1930-х до середины 1950-х годов. Пришёл на смену рационализму и конструктивизму. Получил распространение в годы, когда страной руководил И. В. Сталин, особенно — в послевоенное время, когда он был распространён также и в странах Восточной Европы.

Краткая характеристика стиля

Советская архитектура по мнению специалистов имеет три ключевых периода:

Эпоха с 1918 по 1932 годы называлась эпохой архитектурного авангарда, после неё переход к сталинскому неоклассицизму произошёл очень быстро и полно. Границей перехода к новой архитектуре стал проект Дворца Советов, после завершения которого все архитектурные объекты строились в новом стиле. С лета 1932 года к строительству в СССР не принимался ни один проект в стиле конструктивизма

Завершение эпохи Сталинского ампира также произошло одномоментно и на смену этому стилю пришла типовая советская архитектура, которая с теми или иными изменениями просуществовала до конца существования государства.

Кроме этого произошёл переход от личного творчества, когда проекты имели своих авторов к коллективному творчеству, когда авторами проектов становились не отдельные архитекторы, а предприятия.

Отличительные черты стиля:

ансамблевая застройка улиц и площадей;

синтез архитектуры, скульптуры и живописи;

разработка традиций русского классицизма;

использование архитектурных ордеров;

барельефы с геральдическими композициями и изображениями трудящихся;

оптимистический настрой всего произведения;

использование мрамора, бронзы, ценных пород дерева и лепнины в оформлении общественных интерьеров.

Возникновение и развитие стиля

В середине 1930-х годов в советской архитектуре произошёл постепенный переход от конструктивизма к «сталинскому ампиру». Этот переходный период можно назвать постконструктивизмом. Некоторые здания этого времени, внешне богато декорированные, сохраняли в своей планировке и деталях конструктивистскую основу. «Советский монументальный классицизм» был в целом сформирован к концу 30-х годов.

В 1934 году создаётся Академия архитектуры СССР и Союз архитекторов СССР, который объединяет творческие силы для решения новых задач, поставленных перед мастерами. Это создание Дворцов Культуры, спортивных комплексов, индустриальных центров, санаториев и пионерских лагерей. Архитекторы в этот период работают в больших творческих мастерских и научно-исследовательских проектных институтах, объединяющих конструкторов, зодчих и художников, которыми руководят лидеры советской архитектуры. Многие проекты создаются в результате всесоюзных конкурсов.

В целом «сталинский ампир» сформировался в период проведения конкурсов на проекты Дома Советов и павильоны СССР на Всемирных выставках 1937 года в Париже и 1939 года в Нью-Йорке. Конкурсы проходили в несколько этапов, при открытом обсуждении, и выявили ярких талантливых художников. Победитель конкурса — Б. М. Иофан, оптимистическое звучание произведений которого стало яркой страницей предвоенной архитектуры. Мастера, получившие вторые, третьи премии, и их ученики — Г. П. Гольц, И. В. Жолтовский, Л. В. Руднев, М. А. Минкус, впоследствии возглавили это архитектурное направление

Уже в период Великой Отечественной войны архитекторы начинают работать над проектами восстановления разрушенных городов, мемориалами и триумфальными арками для встречи советских героев. В художественном образе этих произведений был оптимизм победы, в которую верили архитекторы и которую все ожидали. [3]

В 1945 году страна приступила к восстановлению разрушенных городов. Архитектура стала одним из приоритетных направлений народного хозяйства. Архитектурное произведение должно было внушать уверенность зрителям в скором восстановлении всей страны. Яркими примерами являются Главное здание МГУ, комплекс павильонов ВСХВ, здание МИД СССР на Смоленской-Сенной площади.

Примеры сооружений в разных городах

В Москве — «сталинские высотки» (здания МГУ, МИД и Министерства Транспорта, жилые дома на Котельнической набережной и Кудринской площади, гостиницы «Ленинградская» и «Украина»); ансамбли Тверской улицы, Кутузовского, Ленинского, Ленинградского проспектов, проспекта Мира, Красносельской, Щербаковской и других улиц, Лубянской, Суворовской и других площадей, Садового кольца, архитектурные сооружения ВСХВ и канала имени Москвы, станции Московского метрополитена первой — пятой очередей.

В Санкт-Петербурге (Ленинграде) — Дом Советов, ансамбли Московского проспекта, проспекта Стачек, Ивановской улицы, квартал в районе Наличной улицы и Большого проспекта Васильевского острова, площади Калинина, Светлановская, Заневская; станций первой очереди Кировско-Выборгской линии Ленинградского метрополитена, ансамбль привокзальной площади Колпино, вокзал в городе Пушкине.

В Волгограде (Сталинграде) — Аллея Героев, ансамбль набережной, проспект Ленина, театр Драмы, педагогический институт, планетарий.

В Нижнем Новгороде (Горьком) — Чкаловская лестница, Дворец Культуры Горьковского Автозавода, жилые дома по Октябрьской улице, ансамбль центра Сормова, площади Горького, площадь Лядова, проспект Гагарина, ННГУ им. Лобачевского.

В Челябинске — Оперный театр, Дворец металлургов, Южно-Уральский государственный университет, жилые дома на улице Спартака и жилой комплекс завода им. С. Орджоникидзе.

В Екатеринбурге (Свердловске) — здание Горсовета, здание Уральского университета, первое здание аэровокзала, Дворец металлургов, Дом офицеров, Клуб железнодорожников им. А. Андреева.

В Перми — Речной вокзал, жилые дома по Комсомольскому проспекту и улице Карла Маркса, Дворец культуры имени Солдатова, здание ГУВД, здание Пермэнерго, главный корпус Пермского политехнического университета.

В Новосибирске — Театр оперы и балета, здание Западно-сибирского филиала АН СССР, Институт инженеров железнодорожного транспорта, улица Станиславского, улица Сибиряков-Гвардейцев, улица Мира, улица Советская, улица Авиастроителей, проспект Дзержинского, Театр юного зрителя.

В Магнитогорске — Жилой массив на правом берегу Урала.

В Кемерово — дома на улице Орджоникидзе. В Сочи — здания Железнодорожного и Морского вокзала Сочи, Городской театр, здание Горсовета, Комплексы Всесоюзных санаториев.

В Киеве — Дом Совета Министров, Здание Верховного Совета, Крещатик (старый Крещатик полностью сгорел во время войны), станции первой очереди Киевского метрополитена.

В Днепропетровске — проспект Карла Маркса (старый проспект почти полностью разрушен во время войны), ансамбль площади Ленина, южная

часть застройки улицы Рабочей и др.

В Запорожье — проспект Ленина, проспект Металлургов, бульвар Шевченко, проспект Маяковского.

Во Львове — арка у входа в парк им. Богдана Хмельницкого, а также кинотеатр «Дружба»; отдельные дома на улицах в Железнодорожном, Шевченковском и Франковском районах, вклиненные в старую австро-венгерскую и польскую застройку (например, ул. Ярослава Мудрого, 1, ул. Рудницкого, 39).

В Минске — Проспект Независимости.

В Риге — Здание Академии наук Латвии.

В Ташкенте — Театр оперы и балета.

В Баку — Дом правительства.

В Ашхабаде — Отстройка города после землетрясения 1948 г..

В Ереване — Дом правительства, Театр оперы и балета, жилые дома на улице Баграмяна, Мать-Армения (монумент).

В Варшаве — Дворец науки и культуры, район улицы Маршалковской.

В Софии — Партийный дом, Президентский дворец, здание Совета министров.

В Салавате — Жилой район 2-3 этажных зданий (Старый город).

Брутали́зм - (под данным термином подразумевается обычно новый брутализм, илинеобрутализм — англ. New Brutalism) — направление (стиль) в архитектуре периода 1950-х — 1970-х годов, первоначально в архитектуре Великобритании. Одна из ветвей послевоенного архитектурного модернизма.

Отправной точкой брутализма считаются проекты и теоретические писания архитекторов-англичан Элисон и Питера Смитсонов. Стиль имел распространение практически во всех странах Европы и мира, в том числе в США, Канаде, Японии, Бразилии, странах Скандинавии и др.

Термин «брутализм» употреблен первоначально Элисон и Питером Смитсонами в их теоретических записках и статьях, в которых они объясняли свои взгляды и свои архитектурные творения начала 50-х годов. Происходит термин от французского «béton brut» — «необработанный бетон». Это выражение, с помощью которого Ле Корбюзье описывал технологию обработки наружных поверхностей здания, примененную им во многих его постройках послевоенного периода. Термин получил широкое распространение после того, как британский архитектурный критик Райнер Бэнем использовал его в названии своей книги «Новый брутализм — этика или эстетика?», 1966 г., в которой описал постройки определенного архитектурного характера, в Европе, в частности.

Характеристика

Эстетически брутализм вписывается в контекст европейского модернизма 50-70-х годов (в сфере пластических искусств — в кино, фотографии, графике, скульптуре, оформлении интерьеров) — с его поисками новых средств выразительности. Это, в частности, интерес к локальному цвету, пластичной броской «модернистской» форме, остро-выразительным фактурам. Декларативной лёгкости и приглаженности «интернационального стиля» брутализм противопоставил впечатляющую мощь конструкций и объемов, смелые крупномасштабные композиционные решения. Например, одна из популярных тем у бруталистов, часто используемая в проектах административных и общественных зданий — это ступенчатая пирамида, перевернутая основанием вверх и приподнятая над землей на пилонах (Посольство Великобритании в Риме, 1971. Арх. сэр Бэзил Спенс). Подобные идеи одухотворялись верой в новые строительные технологии, в частности, в неисследованные еще возможности такого нового строительного материала, как армированный бетон. Пластичность бетона, его «скульптурные» возможности очень привлекали архитекторов-бруталистов.

Основные признаки стиля:

Функциональность;

Урбанистичность облика зданий брутализма, подчеркнутая массивность форм и конструкций;

Смелость, сложность композиционных решений, отражающих, по мысли архитекторов-бруталистов, «всю сложность жизни»;

Поверхности строительных материалов не декорируются, экспонированы в их естественном виде («честность материалов» — принцип, восходящий к Дж. Рёскину и английскому движению «искусства и ремесла»);

Интернациональный характер;

Преобладающий строительный материал — железобетон;

Комплексный, градостроительный подход к архитектурному заказу;

Ле Корбюзье и Великобритания

Непривычный для Британии, (где традиционным строительным материалом был красный кирпич), после 1945 года железобетон стал символом надежд для нового, послевоенного поколения архитекторов. Одним из формальных приемов брутализма считается подчеркнутая фактурность бетонных поверхностей, не отделанных после распалубки ни штукатуркой, ни облицовкой, ни покраской («бетон-брут») — излюбленный метод Ле Корбюзье конца 40-х — начала 50-х годов.

Хотя сам Ле Корбюзье не построил в Великобритании ни одного здания, его проекты и постройки оказали самое непосредственное влияние на британских бруталистов. Что неудивительно, поскольку практически все его проекты после 1945 года легко вписываются в категорию брутализма. Например, расположенные в предместье Парижа дома Жауль, построенные из простого красного кирпича, его «Жилая единица» в Марселе, характерный пример нового «коллективного жилья» (1947-52), а также здания, построенные им в Чандигархе и Ахмадабаде в 1950-60-х годах.
Одним из определяющих факторов необрутализма стали новые послевоенные градостроительные идеи, предложенные и разработанные, в частности, тем же Корбюзье в его многочисленных проектах Современного города. Жилой комплекс Alton West Estate, в Роэгемптоне, Лондон (1954—1959, арх. London County Council Architects Dept), почти буквально воспроизводит урбанистические предложения Ле Корбюзье — как в общей планировке, так и в архитектуре жилых зданий, напоминающих уменьшенные копии Марсельского блока.

Ле Корбюзье вполне может считаться духовным отцом этого направления, хотя формально этот титул принадлежит его оппонентам по CIAM, молодым архитекторам из Лондона Элисон и Питеру Смитсонам. Общий смысл предложений этих молодых архитекторов из группы Team-X, известных своей реформаторской деятельностью по обновлению CIAM (Congrès International d’Architecture Moderne), выражался в их призывах отказаться от некоторой механистичности подхода раннего модернизма — в пользу более широкого и, в конечном счете, более гуманистичного взгляда на архитектурный заказ:

«Брутализм старается противостоять обществу массового производства, пытаясь извлекать строгую поэзию из сложных и мощных действующих сил».

Многие из архитекторов, сторонников этого направления, придерживались взглядов, близких социал-реформаторству, выделяя среди достоинств бруталистской архитектуры не только дешевизну строительства (особенно актуальную в первые послевоенные годы), но и безоговорочную антибуржуазность этого стиля.

Бруталистские здания и жилые комплексы, выстроенные целиком из бетона, суровые, лишенные регионального своеобразия, бескомпромиссные в своей программной чистоте, не всегда воспринимались в Великобритании (да и в других странах тоже) однозначно. К тому же не все постройки были равного качества — какие-то из них были более удачными, какие-то — неудачными и непопулярными. В 70-80-х годах, когда во многих странах наступила реакция против модернистской архитектуры, бруталистская архитектура принимала на себя нередко всю тяжесть этой критики.

Наиболее известные сооружения брутализма в Великобритании

Школа в Ханстентоне, Норфолк, 1949-54 (весьма близкая к Мису ван Дер Роэ, к архитектуре его комплекса Иллинойского технологического ин-та в США). Арх-ры: Э. и П. Смитсоны;

Здания офисов (три высотных здания) издательства журнала «Экономист», Лондон (1959-64). Арх-ры: Э. и П. Смитсоны;

Комплекс многоквартирных домов «Робин Гуд Гарденс» (1969—1972, Лондон). Арх-ры: Э. и П. Смитсоны;

Национальный театр в Лондоне (1976). Арх-ры: Д. Ласден и П. Софтли (снимок вверху);

Александр Флеминг Науз, Newington Causeway, Лондон (1960-63) — Арх. Эрно Голдфингер (Ernö Goldfinger);

Треллик Тауэр (Trellick Tower) в Северном Кенсингтоне, Лондон Арх. Эрно Голдфингер (1968—1972);

Галерея Hayward на южном берегу Темзы, Лондон; Арх-ры: Алан Уотерхаус и Денис Крэмптон, 1968;

Школа в Пимлико, Вестминстер, Лондон. Арх. Джон Банкрофт, Greater london council architects department (1966—1970);

QUEEN ELIZABETH TOWER BLOCKS // THE GORBALS, GLASGOW, SCOTLAND (1965). Арх. сэр Бэзил Спенс. (Снесено в 1993).

Жилой и общественный комплекс Барбикан в Лондоне (См. основную статью Барбикан).

Примеры брутализма в мировой архитектуре

Брутализму отдали дань многие корифеи современной архитектуры — например, Фрэнк Ллойд Райт (музей С.Гуггенхейма в Нью-Йорке, 1956), Алвар Аалто (комплекс городского центра в Сяюнятсало, Финляндия, 1952), Луис Кан (здания Национальной Ассамблеи в Дакке, Бангладеш, 1962-75; Индийский институт менеджмента в Ахмадабаде, Индия, 1960-65). А также другие известные архитекторы:

Жилая единица в Марселе, Франция (1952). Арх. Ле Корбюзье (снимок #1 в галерее);

Библиотека Гейзел Лайбрери Калифорнийского ун-та в Сан-Диего (1970). Арх. Вильям Леонард Перейра (снимок #2 в галерее);

Комплекс парламента в Дакке, Бангладеш, 1961. Арх. Луис Кан (снимок #5 в галерее);

Гимнастический зал в префектуре Кагава, Япония, 1964. Арх. Кендзо Танге (снимок #7 в галерее).

Сара Нетворкс Хоспитал, Центр реабилитации (Sarah Networks Hospital), 1980, Бразилия. Арх. Joao Filgueiras Lima;

Бостон Сити Холл (Boston City Hall), 1981, Бостон, Массачусетс, США. Арх-ры: Г.Кальман, М.Мак-Киннель и Э.Ноулс (снимок #8 в галерее).

Брутализм в СССР

Влияние брутализма дошло и до советской архитектуры, особенно проявившись в 1970‑х — начале 1980‑х годов. В частности, в Москве в этом стиле были построены:

Здание Онкологического центра РАМН (Каширское шоссе, 24, архитектор И. М. Виноградский, 1972-1979)

Пресс-центр Олимпиады 1980 года, ныне здание АПН (Зубовский б-р, 4, архитекторы В. К. Антонов, И. М. Виноградский, А. С. Дубровский, Ю. В. Калмыков, В. М. Орлов, 1976-1979)

«Дом-корабль», жилой дом на Большой Тульской (Б. Тульская ул., 2, архитектор В.Воскресенский, 1976-1981)

«Дом-сороконожка», жилой дом на Беговой (Беговая ул., 34, архитектор А. Д. Меерсон, 1973-1978)

Хай-тек - (англ. hi-tech, от high technology — высокие технологии) — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в недрах позднего модернизма в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х. Главные теоретики и практики хай-тека (по большей части практики, в отличие от архитекторов деконструктивизма и постмодернизма) в основном англичане — Норман Фостер, Ричард Роджерс, Николас Гримшоу, на каком-то этапе своего творчества Джеймс Стирлинг и итальянец Ренцо Пиано.

Истоки

Для становления концепций хай-тека очень важна деятельность группы «Аркигрэм», перенёсшей идеи поп-арта и научной фантастики 1960-х гг. в архитектуру. Также важны с технологической стороны работы Б. Фуллера (геодезические купола; с конца 1960-х по 1983 год он сотрудничал с Н. Фостером), О. Фрея, разрабатывавших кинетические структуры.

Хай-тек, согласно классификации Ч. Дженкса, относится к позднему модернизму, то есть его характеризуют прагматизм, представление об архитекторе как элитном профессионале, обеспечение архитектурой обслуживания, сложная простота, скульптурная форма, гипербола, технологичность, структура и конструкция как орнамент, анти-историчность, монументальность. Практически все архитектурные критики вслед за Дженксом архитекторов хай-тек называют новым поколением модернистов, так как, несмотря на иронию 1970-х, они не порывают с традициями европейской архитектуры, они не спорят с Витрувием: их произведения очень функциональны, удобны, и в них есть своя красота. Но если хай-тек — пик модернизма, даже шире — пик идеи «современности» в архитектуре, в таком случае хай-тек можно считать поэтичным завершением целой эпох

Ранний хай-тек

Одним из первых важных осуществлённых сооружений хай-тека принято считать Центр Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей Парижа (как некогда Эйфелева башня).

В Англии реальные хай-тек здания появились позже. Первые лондонские сооружения в стиле хай-тек были построены только лишь в 1980—1990-х годах (здание компании Ллойдз, 1986). В какой-то мере медленная реализация современных проектов в духе хай-тека в Англии была связана с политикой принца Чарльза, развернувшего тогда активную деятельность в рамках архитектурного конкурса на реконструкцию Paternoster Square (1988). Принимая участие в архитектурных дебатах, принц выступил в поддержку новых классицистов и против архитекторов хай-тек, называя их постройки уродующими лицо Лондона. Ч. Дженкс призывает «королей оставить архитектуру архитекторам», даже высказывается мнение, что начинается новая волна монархизма с диктатурой принца в архитектуре

Современный хай-тек

Хай-тек уже с 1980-х гг. выражал престижность (все здания хай-тек очень дорогие), Ч. Дженкс называет их «банковскими соборами», можно даже говорить о том, что современный хай-тек формирует имидж крупнейших коммерческих фирм. В Лондоне архитектурные дебаты вокруг хай-тека утихли, а наиболее яркие его представители признаны и пользуются уважением (Норману Фостеру присуждено звание рыцаря).

Начиная с 1990-х гг. хай-тек все чаще пытается соединиться с природой, не спорить с ней, но войти в диалог. Таким образом, постепенно хай-тек перерастает в био-тек и эко-тек (особенно это заметно в работах архитекторов родины хай-тека — Англии и итальянца Р. Пиано).

Основные черты

Использование высоких технологий в проектировании, строительстве и инжиниринге зданий и сооружений.

Использование прямых линий и простых фигур.

Широкое применение стекла, пластика, металла.

Трубчатые конструкции из металла и лестницы, выведенные наружу здания.

Децентрированное освещение, создающее эффект просторного, хорошо освещённого помещения.

Широкое использование серебристо-металлического цвета.

Высокий прагматизм в планировании пространства.

Частое обращение к элементам конструктивизма и кубизма (в противоположность био-теку).

В виде исключения жертвование функционалом в угоду дизайну и стилю хай-тек.

Деконструктивизм — направление в современной архитектуре, основанное на применении в строительной практике идей французского философа Жака Деррида. Другим источником вдохновения деконструктивистов является советский конструктивизм 1920-х гг. Для деконструктивистских проектов характерны визуальная усложнённость, неожиданные изломанные формы, подчёркнуто агрессивное вторжение в городскую среду.

В качестве самостоятельного течения деконструктивизм сформировался в конце 1980-х гг. (работы Питера Айзенмана и Даниэля Либескинда). Теоретической подоплёкой движения стали рассуждения Деррида о возможности архитектуры, которая вступает в конфликт, «развенчивает» и упраздняет саму себя. Дальнейшее развитие они получили в периодических изданиях Рема Колхаса. Манифестами деконструктивизма считаются пожарная часть «Витра» Захи Хадид (1993) и музей Гуггенхейма в Бильбао Фрэнка Гери (1997), Современное крыло королевской галереи Онтарио в Торонто (арх. Д. Либескинд), Центр обработки данных MIT.

Био-тек — архитектурное движение, находящееся пока на стадии написания манифестов. В противоположность хай-теку, архитектурная выразительность конструкций зданий био-тека достигается заимствованием природных форм. Однако, прямое копирование природных форм не приносит положительных результатов так как в архитектурном сооружении появляются нефункциональные зоны. Следует отметить, что концепция био-тека предполагает не только опосредованное, но и прямое использование форм живой природы в архитектуре (в виде элементов природного ландшафта, живых растений).

Данное движение находится в процессе становления и его исследовательская составляющая преобладает над практической. Главное противоречие архитектурной бионики: консервативная прямоугольная планировка и конструктивная схема зданий противостоит биоморфным криволинейным формам, оболочкам, самоподобным фрактальным формам. Достойное эстетическое и экономически-оправданное решение этого противоречия — одна из основных задач био-тека.

Родственные термины

«Архитектурная бионика»

«Эко-тек»

«Органи-тек»

«Зооморфик»

«Биоурбанизм»

Архитекторы-практики био-тека

Грег Линн

Фрай Отто

Бэйтс Смарт

Николас Гримшоу

Сантьяго Калатрава

Кен Янг

Майкл Соркин

Лондонский «Огурец» (арх. Норман Фостер) называют манифестом био-тека, Национальный космический центр Великобритании (арх. Николас Гримшоу), Город искусств и наук, Валенсия (арх. Сантьяго Калатрава), Художественный музей Милуоки (арх. Сантьяго Калатрава).