Александрийский маяк

Он был построен в III веке до н. э.в египетском городе Александрия, чтобы корабли могли благополучно миновать рифы на пути в александрийскую бухту. Ночью им помогало в этом отражение языков пламени, а днём — столб дыма. Это был первый в мире маяк, и простоял он почти тысячу лет.

Фаросский маяк состоял из трёх мраморных башен, стоявших на основании из массивных каменных блоков. Первая башня была прямоугольной, в ней находились комнаты, в которых жили рабочие и солдаты. Над этой башней располагалась меньшая, восьмиугольная башня со спиральным пандусом, ведущим в верхнюю башню. Верхняя башня формой напоминала цилиндр, в котором горел огонь, помогавший кораблям благополучно достигнуть бухты. Общая высота маяка — 120—140 метров, его свет было видно на расстоянии 60 км (по другим свидетельствам, до 100 км).

Чтобы поддерживать пламя, требовалось большое количество топлива. Дерево привозили по спиральному пандусу на телегах, запряжённых мулами. За пламенем стояли бронзовые пластины, направлявшие свет в море.

К XII веку н. э. александрийская бухта настолько заполнилась илом, что корабли больше не могли ею пользоваться. Маяк пришёл в упадок. Бронзовые пластины, служившие зеркалами, вероятно, переплавили на монеты. В XIV веке маяк был полностью уничтожен землетрясением.

Не так давно, пару лет назад, прошли очередные выборы, где определялись новые чудеса света.

Особенности художественной культуры Древнего Египта (б.8 в.1)

Самобытная культура Древнего Египта с незапамятных времен привлекала к себе внимание всего человечества. Большая часть искусства Древнего Египта возникла в связи с религиозными

верованиями древних египтян.

В древнем и Среднем царствах были созданы уникальные памятки культуры гробницы фараонов Хеопса, Хефрена та Микерина, сфинксы фараона Хефрена в Гизе и фараона Аменемхета ІІІ по размерам не имеет себе равных среди каменных сооружений целого мира (высота 146 м, длина основы каждой грани 230 м.). Это действительно необыкновенный памятник неограниченной власти фараона и каторжной роботы рабов.

Древние египтяне обожествляли природу и земную власть. Звери считались священными, их держали при храмах, а после смерти бальзамировали и хоронили в саркофагах. Сохранялись целые кладбища баранов, кошек, быков, крокодилов.

Во всем искусстве Египта есть величие. Архитектура здесь правит бал, и все искусства ей подчиняются. В Новом Царстве расцвела архитектура храмов. В то же время широко проводилось сооружение святилищ (храмов). Характерная черта этих сооружений - масса разнообразных колон, что символизировали лес. Потолок покрывали темно-синей краской с золотыми звездами, и создавалось впечатление, как будто бы человек вечером в лесу наблюдает звездное небо.

Египетские мастера создали множество прекрасных, простых и величественных скульптур. Фараонов изображали обычно в одной и той же позе, чаще всего стоя, с руками, вытянутыми вдоль тела, и с выставленной вперёд левой ногой. Портреты верно передавали неповторимые черты человека. В изображениях простых людей было больше жизни и движения. Древние египтяне ввели традицию изображения фигур таким способом: голова и ноги - в профиль, а торс - развернутым.

Стены и колонны египетских зданий украшали рельефы и росписи, которые легко узнать по изображению человека. Каждая часть фигуры была представлена в своём повороте так, чтобы её было видно как можно полнее. Длинными полосами следовали друг за другом серии изображений,

им сопутствовали иероглифы - знаки - картинки письма древних египтян.

Особый расцвет египетского искусства наступил в 14 веке до нашей эры. Благодаря верованиям и строгим правилам древнее египетское искусство просуществовало почти без изменений около двух с половиной тысячелетий.

В Египте все виды изобразительного искусства можно назвать рожденными от архитектуры. Скульптура и настенная живопись, подчиняясь архитектуре, составляют с ней единое целое.

Развитие архитектуры и искусства в Древнем Египте находится в тесной зависимости от религиозных представлениях египтян о загробной жизни и об обряде погребения умершего фараона и его вельмож. Пирамиды были классическим типом царской усыпальницы в эпоху Древнего царства.

Наиболее знаменитый комплекс царских пирамид находится подле нынешнего селения Гизе. Этот некрополь египтяне называли — «на склоне высоты». Три знаменитые пирамиды — усыпальницы Хеопса, Хефрена и Микерина являются классическими примерами такого рода сооружений.

Рельефам и росписям художники придавали портретное сходство. В портретах прекрасно разработаны индивидуальные черты, но выражение лиц остается всегда бесстрастным, отвлеченным.

Раскрашенный рельеф, из которого потом развивалась древнеегипетская живопись, произошел от скульптуры. Медленно, но верно он даже начинает теснить скульптуру.

Своеобразие и особенности древнеегипетской культуры состояли в следующем:

1) раннее зарождение там классовых отношений и государственности;

2) изолированное географическое страны, что затрудняло культурные заимствования извне;

3) тесная связь искусства и религии.

Изобразительное искусство Древнего Рима в скульптурных портретах, мозаиках, фресках (б.8 в.2)

Культура Древнего Рима прошла сложный путь развития, впитав культурные традиции многих народов и разных эпох.

К высшим достижениям искусства Древнего Рима относится скульптурный портрет. Его возникновение связано с религией римлян, у которых был развит культ предков. В каждом доме существовали домашние святилища — ларарии, в которых рядом с изображением богов-покровителей (Лар) стояли скульптурные портреты предков. Начав с изображения умерших, римляне затем перешли к созданию портретов живых людей.

Особенно высокого расцвета портрет достиг в эпоху Римской империи. Римский портрет всегда был удивительно правдивым. Скульпторы, прежде всего, стремились добиться сходства с оригиналом. Они не приукрашали изображаемых людей, не представляли их более красивыми, чем они были в жизни. Они смело и выразительно передавали в мраморе или бронзе худые, впалые щеки и морщины стариков, отвислые жировые складки лица, или мешки под глазами, или какую-нибудь бородавку на носу. Римские скульпторы даже в портретах императоров, изображаемых в виде величественных богов или героев-победителей, или полководцев, обращающихся с речью к войскам, стремились сохранить сходство с оригиналом. Скульпторы знали множество различных приемов. Первоначально они раскрашивали мраморные портреты, обозначая зрачки, подцвечивая губы и волосы. Позже стали вырезать на месте зрачков углубления, что придавало удивительную живость взгляду, а в бронзовые головы для этой же цели вставляли глаза из цветных камней. Для изображения волос и одежды иногда применяли и цветной мрамор.

Древнеримские художники знали секрет восковых красок, не тускнеющих от времени и не боящихся воды. Ими они создавали живописные портреты, по совершенству и выразительности, не уступающие портретам скульптурным. Но особенно любили римляне технику фрески. Стены домов и общественных зданий Рима нередко сплошь покрывались внутри фресками. Иногда это были великолепные орнаменты, составленные из стеблей, цветов, фигурок людей и животных. Иногда орнаменты сочетались с целыми картинами на темы греческих и римских мифов или произведений античных поэтов. Встречаются и живые сценки из жизни римских улиц.

Не менее важную роль, чем фреска, играла в древнеримском искусстве мозаика. Из мелких кубиков, вырезанных из разноцветных камней или отлитых из стеклянной массы, римские мозаичисты выкладывали не только сложные узоры, пестрыми коврами покрывавшие полы богатых домов, но и целые картины, не уступавшие живописным по красочности и совершенству.

Особенности художественной культуры Древнего Рима (б.9 в.1)

Римское искусство сложилось на основе взаимопроникновения искусства местных племен и народов, которые познакомили римлян с искусством градостроения (различные варианты сводов, тосканский орден, инженерные сооружения, храмы и жилые дома и др.), настенной монументальной живописью, скульптурным и живописным портретом, отличающимся острым восприятием натуры и характера. Но основным было все-таки влияние греческого искусства.

В римском искусстве периода расцвета ведущую роль играла архитектура, памятники которой даже в развалинах покоряют своей мощью. Римляне положили начало новой эпохи мирового зодчества, в котором основное место принадлежало сооружениям общественным, рассчитанным на огромные количества людей. Римляне ввели инженерные сооружения (акведуки, мосты, дороги, гавани, крепости) как архитектурные объекты в городской, сельский ансамбль и пейзаж. Римляне возвеличивали власть императоров, военную мощь империи. Отсюда масштабные преувеличения, внешние эффекты, и рядом — нищие лачуги бедняков, тесные кривые улочки и городские трущобы. Римляне разработали бытовой и исторические рельеф, который составил важнейшую часть архитектурного декора. Лучшим в наследии римской скульптуры был портрет. Они пристально и зорко изучали лицо конкретного человека с его неповторимыми чертами.

Конец 1 и начало II вв. н. э. — время создания грандиозных архитектурных комплексов, сооружений большого пространственного размаха. Были возведены предназначенные для торжественных церемоний форумы императоров. Строились многоэтажные дома — они определили облик Рима и других городов империи. Воплощением мощи и исторической значимости императорского Рима были триумфальные сооружения, прославляющие военные победы. Самое гигантское зрелищное сооружение Древнего Рима — Колизей, место грандиозных зрелищ и гладиаторских боев.

В эпоху империи получили дальнейшее развитие рельеф и круглая пластика.

Римское искусство завершило большой период античной художественной культуры. В 395 г. Римская империя распалась на Западную и Восточную. Разрушенный, разграбленный варварами в IV-VII вв. Рим опустел, среди его руин вырастали новые селения, но традиции римского искусства продолжали жить. Художественные образы Древнего Рима вдохновляли мастеров Возрождения.

Голландская живопись: «малые голландцы», Х.Р.Рембрандт (б.9, в.2)

Временем рождения голландской школы считаются первые годы XVII века. Эта школа относится к великим школам живописи и является независимой и самостоятельной школой. Голландская живопись, была и могла быть лишь выражением внешнего облика, верным, точным, похожим портретом Голландии. Это был портрет людей и местности, бюргерских нравов, площадей, улиц, полей, моря и неба. Основными элементами голландской школы были портрет, пейзаж, бытовые сцены. Такой была эта живопись с начала ее существования до упадка.

Малые голландцы (голландское барроко) - группа голландских художников XVII века, в которую условно объединяются мастера пейзажной и бытовой жанровой картины небольшого размера. Картины малых голландцев предназначались не для дворцов и храмов, а для скромного интерьера обычного жилого дома. Их покупали горожане, ремесленники и даже крестьяне и висели они буквально в каждом доме. Для живописи малых голландцев характерна тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых нюансов, общее ощущение уюта.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-69) многими признан как величайший европейский художник всех времен, но профессиональная жизнь его, как и у Хальса, была цепью взлетов и падений. До сорока лет все в ней было безоблачно. Сын мельника, он перебрался в Амстердам и шел от успеха к успеху, создав великолепный групповой портрет "Урок анатомии у доктора Тюльпа" в возрасте всего лишь 26 лет. В 1642 году на гребне финансового успеха пишет свой самый известный групповой портрет "Ночной дозор", на этой картине городские дружинники изображены не чинно сидящими в четырех стенах, а весело вывалившимися на оживленную улицу. Рембрандт преуспел не только в живописи и рисунке, но и в гравюрной технике черно-белого офорта. Он всегда отказывался от специализации в одном жанре или на одном сюжете и написал великое множество индивидуальных и групповых портретов, автопортретов, библейских, мифологических и исторических полотен, а в последние годы жизни, когда он жил поближе к деревне, - некоторое количество пейзажей. Впрочем, Рембрандт прежде всего живописал человека.

В начале творческого пути многие из его работ представляют собой исторические картины. Со временем художник все больше стремится передать не столько действия человека, сколько его чувства и помыслы. Рембрандтовы библейские патриархи и героини мифов ни в коей мере не идеализированы - это обычные мужчины и женщины, или соседи-евреи, с которыми художник был дружен, или сильные телом и духом голландцы. До нашего времени сохранилось более 90 автопортретов Рембрандта. Художник не пытался приукрасить себя, изображая то в парадном платье, то в домашнем тряпье, то пышущим здоровьем, то немощным. Картины художника показывают не только внешний облик отображенного, но и его внутренний мир, состояние его души.

Катрины: Сусанна и старцы; Побиение камнями святого Стефана; Софонисба принимает яд; Самсон, загадывающий загадку за свадебным столом; Венера и Амур; Отречение апостола Петра; Возвращение блудного сына; Ночной дозор; Юнона; Еврейская невеста; Мужчина в доспехах; Портрет матери Рембрандта; Портрет отца Рембрандта; Титус, сын Рембрандта; Урок анатомии доктора Тульпа; Даная.

Особенности культуры эпохи Возрождения (б.10 в.1)

Средневековье ставило в центр своего мировоззрения и всей духовной жизни Бога, а Возрождение вместо Бога в центр поставило Человека. Отсюда эпоху Возрождения называют также эпохой Гуманизма. Гуманисты воспринимали человека как наиболее прекрасное и совершенное творение Бога. Они видели его предназначение в познании и преобразовании, в украшении своим трудом, развитии искусств, наук и ремесел. Возрождение называют эпохой Просвещения. Деятели Просвещения, кроме Библии, издают сочинения античных философов, курсы своих лекций, пишут и распространяют на национальных языках свои произведения.

Возрождение прославилось расцветом Реалистического искусства, которое пришло на смену иконописного, условного и мистифицированного, искусства Средневековья. Возрождение дало человечеству таких гениев живопись, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджелло, Ботичелли; таких писателей, как Бокаччио, Франсуа Рабле, поэта Петрарка и других непревзойденных художников. Возрождение было культурой Оптимизма в противоположность средневековой культуре - Пессимизма.

Эпоха Возрождения – беспокойное время, «когда человек начинает требовать свободы, душа рвет церковные и государственные путы, тело расцветает под тяжелыми одеждами, воля побеждает разум.

Понятие «канон» в живописи и скульптуре Древнего Египта (б.10 в.2)

Само искусство рассматривалось египтянами как один из актов деяния богов, а потому считалось божественным и священным. Высший жрец бога Птаха носил титул "старейшина художников".
Древние тексты на папирусах и стенах храмов хранят упоминания о трактатах, содержащих правила создания художественных произведений и строительства храмов. Согласно легендам, величайшие художники и архитекторы получали непосредственно от богов книги, содержащие священное знание. Жрецы-художники являлись хранителями этих знаний, передавая их из поколения в поколение.

Само слово "канон" в переводе с греческого означает "закон", "правило". Каноном древнеегипетского искусства можно назвать свод правил, законов создания художественного произведения, которые становятся посредником между миром богов и миром людей. Канон был стержнем искусства на протяжении всего существования египетского государства. Менялись стили и технические приемы изображения, развивались и обновлялись традиции - канон же оставался неизменным.

В круг понятий, охваченных каноном, входили: сюжеты, позы, жесты, размеры фигур и предметов. Кроме этого, правила канона распространялись также на выбор материала и цвета в различных видах искусства. Регламентировался также порядок проведения работ. Существовали правила и каноны изображения человека стоящего, идущего, сидящего, коленопреклоненного и т. д. Существовали они также для изображения цветка лотоса, священных животных и различных предметов. Отказ от изображения перспективы, цветовых рефлексов, теней должен был помочь изобразить вещи такими, какие они есть на самом деле.

Египетские мастера не просто воспроизводили внешность, которую воспринимает физический глаз, а воспроизводили то, что их духовные глаза давали понять о природе человека и вселенной.

Мифология и религия Древнего Египта (б.11 в.1)

Религия Древнего Египта берет свое начало в первобытно-родовых общинах. Она развивалась из древнейших верований и постепенно превратилась в сложную систему.

Главными богами были боги города-гегемона. Так фиванский бог Амон был главными божеством Египта, когда Фивы являлись столицей объединенного государства.

Фараон являлся основанием иерархии богов. Он становился живым богом религии, и все жители Египта должны были воздавать ему божеские почести. Правя государством от имени богов, фараон, в понимании людей, должен был принести стране материальное благополучие и процветание. На него были возложены священные обязанности по проведению различных ритуалов.
Жрецы, служившие разным богам, выполняли в древнеегипетском государстве функции чиновников. Богам преподносись огромные подношения. В честь этих богов в Древнем Египте возводились прекрасные, величественные храмы.
На всевозможные культы и ритуалы приходилось тратить огромные средства. Благодаря этим пожертвованиям, а также различным льготам, влияние жрецов значительно усилилось и начало оспаривать власть самих фараонов.
Мифы играют особую роль в древнеегипетской культуре и религии, в них выявляется правда о сотворении мира, борьбе солнца с силами мрака, наказании людей за грехи и так далее.
В представлении древних египтян бог Ра поднялся из бутона лотоса, появившегося в Нуне (водном хаосе), из его рта явились первые боги, а из его слез – люди. Если верить древнему мифу, земля и люди были сделаны богом-гончаром Птах.
Основой этих мифов является доказательство всемогущества богов, которые сами решают судьбу людей. Так, в некоторых мифах бог Ра посылает свою дочь Сохмет-Хатор на землю в виде львицы, чтобы наказать людей за то, что они перестали во всем подчиняться богам. Львица была призвана истребить людей. Огромных усилий стоило другим богам остановить её и спасти оставшееся человечество.
В Древнем Египте имел широкое распространение культ мертвых. Согласно древнеегипетской религии, каждый человек имеет несколько душ. Одна из этих душ называлась Ба – птица с человеческой головой, а другая Ка - двойник человека. После смерти египтянина Ба устремлялась в небо, а Ка оставалась на земле вместе с его телом. Тело, по представлениям египтян, должно было как можно дольше сохраняться в неизменном виде, чтобы Ка смогла возродиться. Человек после смерти достигал вечного блаженства только в том случае, если тело его оставалось в целости. Исходя из этого, можно понять, почему фараона после смерти бальзамировали так тщательно. В то же время для Ка обеспечивались практически идеальные условия. Чтобы обезопасить фараона, мумия его размещалась в сердце пирамиды, являющейся символом веры и славы египтян.

Изобразительное искусство Византии: иконопись, фреска, мозаика (б.11 в.2)

Живописные истоки византийского искусства также связаны с культурой и Востока, и Запада. В ранневизантийском периоде можно выделить две тенденции, связанные с религиозной живописью. Во-первых, пришедшая из западной классики античная традиция - роспись стен в погребальных помещениях катакомб, которая непременно изображала Бога как пастуха, Пастыря. Вторая тенденция связана с восточной традицией. Украшением храма становятся изображение креста, богатый растительный орнамент или фигуры животных. Со временем исчезает детализация в изображении человеческих фигур, они приобретают характер знака, символа. Так, виноградная лоза означает кровь Христа, пролитую за спасение человечества; хлеба, уложенные в корзины - плоть Христа. Птица становится символом бессмертной души; венок - символом победы Христа над смертью. Со временем расширяется число таких символов: чаши с водой обозначают купель для крещения, голубь символизирует святой дух, фонтаны и сосуды с водой - источники духовной жизни, павлин, тело которого, по представлениям древних, было нетленно, означал воскресение.

Все эти символы становятся основой иконописи. Канон в иконописи касается как содержания иконы, обязательного принципа изображения Христа и святых, так и формы изображения человека. Главный акцент делается на изображении лица с большими глазами, с печальным и просветленным неподвижным взором. Исчезает осязательность персонажей, они все более напоминают бесплотные тени. Мастера сознательно отказываются от всего, что могло бы напоминать о земной жизни. Икона (греч. eikon “образ, изображение”) должна быть посвящена различным персонажам Священного писания, обстоятельствам их жизни, событиям священной истории.

Несколько иным было светское искусство Византии. Дворцы императоров, дома знати были богато декорированы мозаикой и фресками, украшавшими пол, стены, потолки. Они изображали привычные для античности сцены сельской жизни, охоты, различных зверей. Мозаики набирались из маленьких кусочков смальты – цветного стекла со сколотыми краями, усиливавшими преломление света. Золотые и серебряные мозаичные камешки изготовляли, вплавляя между двумя стеклами тонкие листочки драгоценного металла.

Готовя поверхность под мозаику, на нее наносили первый слой относительно крупнозернистой штукатурки, а по нему – второй, с более мелким зерном. Когда второй слой подсыхал, по нему процарапывался рисунок, после чего та часть поверхности, которую сразу же предполагалось покрыть мозаикой, покрывали слоем специального раствора. В него, следуя линиям процарапанного рисунка, вдавливали кусочки смальты.

Фон мозаики обычно заполнялся кусочками искрящейся золотой смальты, между которыми тут и там делали серебряные вставки. В ранних мозаиках фон иногда бывал зеленым или синим. Изобразительные мотивы (библейские сюжеты, святые, фигуры императоров и их приближенных, символы, растительные орнаменты и бордюры) размещались посередине, на наиболее выгодных в зрелищном отношении местах.

В качестве наиболее ярких примеров этого искусства можно назвать мозаики мавзолея Галлы Плацидии в Равенне, монастырей св. Луки в Фокиде (1-я пол. 11 в.), Дафни близ Афин (11 в.), Хора в Константинополе (нач. 14 в.), собора Сан Марко в Венеции (11–15 вв.), а также многочисленные фрагменты в других местах.

Фрески изобиловали сценами, “прославлявшими победы императоров над варварами, развлечения василевсов.

Мифология и религия Древнего Рима (б.12 в.1)

В древнейшей римской религии отражался быт людей. По убеждению римлянина вся его жизнь, каждое его действие находилось под опекой разных богов, так что человек на каждом шагу зависел от какой-то высшей силы. Наряду с такими божествами как Юпитер и Марс существовало множество других богов, духов. Все эти божества были безлики. Римские боги, в отличие от греческих, не спускались на землю и не показывались людям так охотно. Они держались вдали от человека и, даже если хотели о чем-то предупредить, появлялись в глубине лесов, во мраке холмов, либо в тишине полей вдруг раздавались неожиданные возгласы. Между человеком и богом дело никогда не доходило до близости. Эту первобытную религию называли религией Нумы. Она была очень проста, не знала ни статуй, ни храмов. В чистом виде она продержалась недолго. В нее проникали религиозные представления соседних народов.

Чужие боги очень легко приживались в Риме. У них был обычай при завоевании новых городов римляне переселяли божеств в свою столицу, дабы завоевать их расположение и уберечь себя от их гнева.

Сильное влияние на римскую мифологию оказали греческие верования. Римляне полностью восприняли всех греческих богов, дав им только другие имена: Зевс стал Юпитером, Гера - Юноной, Афродита - Венерой, Арес – Марсом и так далее.

Мир богов представлялся устроенным по образу мира людей; они имели своего царя Юпитера. Они делились на богов небесных, земных и подземных, но некоторые из них, как, например, Юпитер, Меркурий, Диана, могли действовать во всех трёх мирах. Миры богов, людей и мёртвых были разграничены и с ним же тесно связаны. Люди не начинали ни одного важного дела, не узнав, как отнесутся к нему боги.

Особенности архитектуры русского барокко (б.12 в.2)

Существует несколько версий происхождения термина:

1) от итальянского “baruecco” - жемчужина неправильной формы;

В России процессы образования нового стиля наиболее активно развернулись в Москве и во всей зоне ее культурного влияния.

Ярким иностранным представителем, работавшим в России, был Антонио Ринальди (1710-1794 г.). К его творениям относятся: Китайский дворец, построенный для великой княгини Екатерины Алексеевны, Мраморный дворец в Петербурге, Дворец в Гатчине, ставший загородной резиденцией графа Г.Г. Орлова. А. Ринальди выстроил также несколько православных храмов, сочетавших в себе элементы барокко - пятиглавие куполов и высокой многоярусной колокольни. Пятиглавие храмов в архитектуре русского барокко было для предания величества и богатства, и подчеркивало престиж церкви, ее роль.

Ярким примером тому может служить один из самых удивительных по красоте и гармонии архитектурных ансамблей Москвы - Новодевичий монастырь.

Не сохранившиеся до наших дней, Красные ворота были одним из лучших образцов архитектуры русского барокко. История их строительства и многократных перестроек тесно связана с жизнью Москвы XVIII в. В 1709 г., по случаю полтавской победы русских войск над шведской армией, в конце Мясницкой улицы возвели деревянные триумфальные ворота. Там же в честь коронации Елизаветы Петровны в 1742 г. на средства московского купечества были построены ещё одни деревянные ворота. Они вскоре сгорели, однако по желанию Елизаветы были восстановлены в камне.

Московское барокко стало культурой, прежде всего аристократической. Типами зданий стали дворец и храм.

Стремление архитектурными средствами выразить господство человека над природой и стихией находит убедительное выражение в сочетании геометризма окружающих дворцы регулярных садов и парков с огромной протяженностью фасадов и пышных амфилад парадных помещений. В интерьерах - обилие проемов, зеркал, орнамента, сплошь покрывающие стены, живописные плафоны. Все это создает иллюзию безграничности пространства.

Расцвет русского барокко связан с именами А.В. Квасова (Большой Царскосельский дворец до его перестройки Растрелли), но прежде всего, - с именем Варфоломея Варфоломеевича Растрелли (1700-1771) - создателя роскошного Смольного монастыря, Зимнего, Воронцовского, Строгановского дворцов, перестроенных им дворцов и павильонов в Царском Селе и Петергофе.

Русское барокко мало похоже на европейское, в нем ярче выражен светский, более земной характер русского искусства XVIII века.

Особенности развития живописи Высокого Возрождения на примерах картин Леонардо и Рафаэля (б.13 в.1)

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период времени — конец XV и первую треть XVI вв.

В XVI веке в Италии искусство вступило в фазу наивысшего расцвета. В это время происходит высочайший взлет искусства, основанного на традициях гуманистической культуры. И в это же время возникают новые художественные явления, выражающие крушение гуманистических идеалов.
Мастера Высокого Возрождения стремились достигнуть в своих произведениях наиболее прекрасных сторон действительности. Формирование искусства Высокого Возрождения началось в конце XV века во Флоренции.

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи. Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Большое внимание уделял художник разработке перспективного построения и расположения фигур в пространстве. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов (т.н. «Мадонна Литта»). Кисти Леонардо принадлежит одно из самых прославленных произведений мировой живописи — «Мона Лиза» (Джоконда). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения.

Другой известнейший художник Высокого Возрождения, Рафаэль, синтезировал достижения своих предшественников и создал в традициях гуманизма образ совершенного человека. С творчеством Рафаэля в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем изяществе («Сикстинская мадонна»). Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также он работал в технике фрески, архитектором, мастером декора. В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения — прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно («Портрет Б. Кастильоне»).

Мифология и религия Древнего Египта (б.13 в.2)

Религия Древнего Египта берет свое начало в первобытно-родовых общинах. Она развивалась из древнейших верований и постепенно превратилась в сложную систему.

Главными богами были боги города-гегемона. Так фиванский бог Амон был главными божеством Египта, когда Фивы являлись столицей объединенного государства.

Фараон являлся основанием иерархии богов. Он становился живым богом религии, и все жители Египта должны были воздавать ему божеские почести. Правя государством от имени богов, фараон, в понимании людей, должен был принести стране материальное благополучие и процветание. На него были возложены священные обязанности по проведению различных ритуалов.
Жрецы, служившие разным богам, выполняли в древнеегипетском государстве функции чиновников. Богам преподносись огромные подношения. В честь этих богов в Древнем Египте возводились прекрасные, величественные храмы.
На всевозможные культы и ритуалы приходилось тратить огромные средства. Благодаря этим пожертвованиям, а также различным льготам, влияние жрецов значительно усилилось и начало оспаривать власть самих фараонов.
Мифы играют особую роль в древнеегипетской культуре и религии, в них выявляется правда о сотворении мира, борьбе солнца с силами мрака, наказании людей за грехи и так далее.
В представлении древних египтян бог Ра поднялся из бутона лотоса, появившегося в Нуне (водном хаосе), из его рта явились первые боги, а из его слез – люди. Если верить древнему мифу, земля и люди были сделаны богом-гончаром Птах.
Основой этих мифов является доказательство всемогущества богов, которые сами решают судьбу людей. Так, в некоторых мифах бог Ра посылает свою дочь Хатор на землю в виде львицы, чтобы наказать людей за то, что они перестали во всем подчиняться богам. Львица была призвана истребить людей. Огромных усилий стоило другим богам остановить её и спасти оставшееся человечество.
В Древнем Египте имел широкое распространение культ мертвых. Согласно древнеегипетской религии, каждый человек имеет несколько душ. Одна из этих душ называлась Ба – птица с человеческой головой, а другая Ка - двойник человека. После смерти египтянина Ба устремлялась в небо, а Ка оставалась на земле вместе с его телом. Тело, по представлениям египтян, должно было как можно дольше сохраняться в неизменном виде, чтобы Ка смогла возродиться. Человек после смерти достигал вечного блаженства только в том случае, если тело его оставалось в целости. Исходя из этого, можно понять, почему фараона после смерти бальзамировали так тщательно. В то же время для Ка обеспечивались практически идеальные условия. Чтобы обезопасить фараона, мумия его размещалась в сердце пирамиды, являющейся символом веры и славы египтян.

Особенности художественной культуры Византии (б.14 в.1)

Художественная культура Византии впитала в себя все противоречия общества и эпохи. В ней сплелись всевозможные восточные мотивы, сохранение традиций античности и создание художественных традиций христианства. Христианская религия стала главной в византийском мире, поэтому потребовались культовые сооружения нового типа. Из всех видов искусства наиболее значительные изменения претерпели изобразительные - архитектура, живопись, книжная миниатюра. В ней сошлись, особенно в храмовом строительстве, в новом качестве традиции Рима и Востока. Появляются два вида культовых зданий. Во-первых, базилика - вытянутая в плане постройка, разделенная внутри колоннами на несколько проходов - нефов. Во-вторых, это центрическое сооружение, круглое, квадратное или крестообразное, перекрытое куполом. Впервые христианский храм стал выражением нового мировоззрения. Античный храм возводился для божества и был его жилищем. Христианский храм возводился для людей, божество в нем не обитало. Поэтому внешний декор храма оставался скупым, простым и даже суровым.

Дворцы и ипподромы были украшены роскошными колоннадами из дорогих разноцветных материалов, резными украшениями капителей зданий, часто снятых с каких-либо античных построек и привезенных для византийского здания или храма.

Главной особенностью всего пути византийской культуры была постоянная борьба между различными влияниями, между старым и новым, между высокой духовностью и жестким практицизмом.

Одежда (ритуальная, детская, женская, мужская) и украшения - обереги Древних Славян (б.14 в.2)

Женские украшения-обереги чаще всего делали из мягких желтых (то есть солнечных) металлов: если позволяли средства — из золота, а в более бедных семьях — из меди. А для защиты от нечистой силы нередко использовали серебро.

Многие «украшения» защищали звоном или шумом, стукаясь друг о друга: позванивая при ходьбе, они отгоняли все злые силы. Таковы, например, многочисленные бубенчики и подвески.

Другим защитным предметом был женский гребень. Гребни использовали и для домашних магических обрядов: например, расчесывали волосы больному человеку на излечение и закидывали потом на неделю на священное дерево (обычно — грушу).

Серьги или подвески с крохотными ножами считались символом урожая, плодовитости.

К головным уборам присоединялись и колты — височные кольца, имевшие либо округлую, либо спиралевидную форму. В зависимости от достатка и положения женщины в семье носили одно или несколько височных колец, украшенных обережными знаками.

Мужчины тоже носили обереги, но мужские украшения были по-проще. Отличным оберегом от всех опасностей считали когти и клыки диких зверей.

Оберегами были и разные браслеты, кстати, их носили и мужчины, и женщины. На Руси их изготавливали из стекла, кости, разнообразных металлов, крученой проволоки

На пальцах носили перстни. Обычно это было связано со свадебным обрядом. На перстнях изображали знак креста (не имеющий к христианству никакого отношения).

Вся славянская одежда обязательно покрывалась магическим охранительным узором: и ворот, и рукава, и подол. Причем даже ткань сама по себе была непроницаемой для злых сил, поскольку ее изготавливали с помощью предметов, тоже «украшенных» магическим орнаментом.

Древнейшей, самой любимой и распространённой нательной одеждой древних славян была рубаха. Простой народ носил в основном рубахи из льняного полотна, для зимы иногда шили их из ткани из козьего пуха. Богатые, знатные люди могли позволить себе рубахи из привозного шёлка, а не позже XIII века из Азии начала поступать и хлопчатобумажная ткань. Мужская рубаха древних славян была примерно по колено длиной. Её всегда подпоясывали, при этом поддёргивая, так что получалось нечто вроде мешка для необходимых предметов. Женские рубахи кроились обычно до полу. Их тоже обязательно подпоясывали, при этом нижний край чаще всего оказывался посередине икры. Иногда, во время работы, рубахи подтягивали и по колено.

Ворот - рубаха, непосредственно прилегавшая к телу, шилась с бесконечными магическими предосторожностями, ведь она должна была не только согревать, но и отгонять силы зла, а душу — удерживать в теле.

Славянские женщины носили тканые и вязаные пояса. А вот ременные пояса с самой древней поры были одним из важнейших символов мужского престижа— женщины не носили их никогда. Пояс ещё называли «опояской» или «поясницей». Мужской кожаный пояс обычно был в ширину 1,5— 2 см, имел металлическую пряжку и наконечник, а иногда его сплошь покрывали узорными бляшками

Славянские штаны делались не слишком широкими. Кроили их из прямых полотнищ, а между штанинами («в шагу») вставляли ластовицу — для удобства ходьбы: если пренебречь этой деталью, пришлось бы семенить, а не шагать. Штаны делались примерно по щиколотку длиной и на голени заправлялись в онучи.

Во все времена наши предки охотно обувались в лапти. Лапти плелись из лыка, берёсты и даже из кожаных ремешков. Лапти крепились к ноге с помощью длинных завязок— кожаных «поворозов» или верёвочных «оборов». Завязки несколько раз перекрещивались на голени, прихватывая онучи.

Лапти всегда были обувью преимущественно деревенской, в городах же предпочитали кожаную (на деревянных мостовых древнерусских городов лапти снашивались особенно быстро При этом обувь на правую и левую ногу нередко кроилась одинаково.

Судя по археологическим данным, сапоги в деревне почти не употреблялись, зато в городе их носили практически все мужчины и женщины, богатые и бедные, дети и старики. Сапоги имели не очень высокое — ниже колена — голенище, которое спереди было обычно повыше, чем сзади, и мягкую подошву без каблука и железных подковок.

Лучше всего известны исследователям шапки особого покроя — полусферические, сделанные из ярко материи, с околышем из драгоценного меха. В подобные шапки одеты каменные и деревянные идолы, сохранившиеся с языческих времён, такие мы видим и на дошедших до нас изображениях славянских князей. Можно предположить, что древние славяне носили самые разнообразные меховые, кожаные, валяные, плетёные шапки. И не забывали снимать их не только при виде князя, но и просто при встрече со старшим, уважаемым человеком — например, с собственными родителями.

До замужества женский головной убор (по крайней мере, летом) не покрывал макушки, оставляя волосы открытыми. Маленькие девочки носили на лбу простые матерчатые тесёмки. Взрослея, вместе с понёвой они получали «красу» — девичий венец. Головной убор замужней женщины непременно укрывал волосы полностью. Этот обычай был связан с верой в магическую силу волос.

Детская одежда древних славян была одинакова для девочек и для мальчиков и состояла из одной длинной, до пят, полотняной рубахи.

Есть общие требования, как для мужского, так и для женского обрядового костюма.

Рукава должны быть длинными, полностью скрывающими руки. Обязательно должны присутствовать ластовицы - красного, обрядового цвета. Также красной тесьмой должны быть обшиты все края. Основной используемый материал - белый лен, это идеальный вариант.

На мужской обрядовой рубахе может присутствовать вышитый оберег. Обязательным атрибутом мужского костюма является пояс.

Длина женского обрядового платья доходит до щиколоток и ниже. От бедра начинается разрез, причем с обеих сторон. Рукава по своей длине достигают земли. На уровне кисти руки делается разрез для свободного выхода руки.

У женской обрядовой одежды есть еще и дополнение - понева, которая является обязательной частью женской обрядовой одежды. Понева - это поясной фартук, который подвязывался поверх платья. Ее носили только женщины и девушки, причем, на девушек их одевали, когда девушка готова была стать ждущей своего суженого невестой. И далее поневу уже не снимали на протяжении всей жизни.

Для мужчин никаких головных уборов на обряде, ни за пазухой, ни в руках, а уж тем более на голове. Это просто неуважение к предкам и богам. Для девушек - то же самое, исключение делается только в холодное время года. А у женщин в некоторых племенах замужняя женщина вообще не могла появиться без головного убора.

Обрядовая обувь - это сапоги, ичиги, лапти.

Особенности развития изобразительного искусства Древней Греции. Вазопись. Типы керамических сосудов (б.15 в.1)

Согласно наиболее распространенной периодизации историю греческого изобразительного искусства и архитектуры Vв. принято делить на два больших периода: искусство ранней классики, или строгого стиля, и искусство высокой, или развитой, классики.

Искусство ранней классики освещено идеями освободительной борьбы против персов и торжества полиса. Героический характер и повышение внимания к человеку-гражданину, создавшему мир, где он свободен и где уважается его достоинство, отличает искусство ранней классики.

Искусство высокой классики - явное продолжение того, что возникло ранее, но есть одна область, где в это время рождается принципиально новое, - урбанистика (создание новых городов). Ведущим типом зданий по-прежнему оставался храм. Архитектура высокой классики характеризуется поразительной соразмерностью, сочетающейся с праздничным величием.

В скульптуре искусство высокой классики ассоциируется, прежде всего, с творчеством Мирона, Фидия и Поликлета. Они стремились передать в скульптуре движение человека. Примером является скульптура Дискобола.

К сожалению, о великих греческих художниках (Аполлодор, Зевксис, Паррасий) мы не знаем почти ничего, кроме описания некоторых их картин. В вазописи второй половины Vв. все большее место занимают бытовые сцены. Именно в вазовой живописи раньше, чем в какой-либо другой отрасли греческого искусства мифологические сцены начали чередоваться с эпизодами жанрового характера. При этом, не ограничиваясь сюжетами, заимствованными из жизни аристократической элиты (сцены пиршеств, ристалищ на колесницах, атлетических упражнений и состязаний и т.п.), греческие вазописцы не пренебрегают и жизнью социальных низов, изображая сцены полевых работ, ремесленные мастерские, народные празднества в честь Диониса. Существовало несколько видов сосудов.

Амфора - овальный сосуд с двумя ручками для хранения масла и вина, иногда использовался в качестве урны для захоронения или голосования. Объем амфоры (26,3 л) применялся римлянами для измерения жидкости.

Гидрия - керамический сосуд с двумя горизонтальными и одной вертикальной ручкой между венчиком и пологими плечиками, которые плавно переводят тулово сосуда в его горло. Часто роспись наносилась только на ручки. Использовалась для разливания напитков во время пиршеств.

Канфар - сосуд для питья в форме кубка с двумя ручками, преимущественно на высокой ножке. Считался атрибутом бога Диониса.

Килик - керамический или металлический сосуд для питья в форме открытой плоской чаши на ножке (приземистой или тонкой, вытянутой) с двумя ручками.

Динос - сосуд для смешивания вина, состоял из большого кувшина и искусно сделанной отдельной подставки.

Особенности русской архитектуры 11-13 веков (б.15 в.2)

Зодчество русского народа изначально основывалось на двух главных принципах.С одной стороны, в строительстве складывались традиции деревянного зодчества, с другой - на основе византийской храмовой архитектуры развивалась самобытное каменное зодчество со своими характерными приемами строительного искусства и пластической выразительности. Мастерство плотников в XII-XIII вв. было совершенным. Дерево хорошо работает на растяжение, поэтому с помощью деревянных конструкций удавалось перекрывать сравнительно большие пролеты - до 12-13 м. Однако, подверженность дерева возгоранию и его недолговечность, связанная с процессами гниения, уже в Х веке способствовали переходу на строительство из камня как более надежного и прочного материала. Строительство из камня во многом обусловлено привнесенными традициями строительного мастерства из Византии. С введением христианства на строительство русских храмов стали приглашаться греческие мастера. Однако развитие деревянного зодчества оказало влияние и на каменную архитектуру. Основным конструктивно-планировочным приемом оставалась крестово-купольная система с куполами на парусах.Храмы имели по три или по пять нефов. Основной крест образовывался цилиндрическими сводами.

С применением смешанной византийской кладки были построены Десятинная церковь, Софийский собор и Золотые ворота в Киеве.Однако новгородцы помимо смешанной кладки применяли и кладку из чистого камня известняка, который привозился из Волыни. Из камня в Новгороде возведены стены и башни Детинца. Скорее всего, местными мастерами-строителями создавался и Софийский собор в Новгороде.Кладка стен этого собора представляла собой удивительный орнамент самых разных строительных приемов и материалов.
Зодчие Владимиро-Суздальской земли работали в традициях ранних крестово-купольных храмов. Наиболее яркими памятниками этого периода являются церковь Покрова на Нерли близ Владимира, Дмитриевский и Успенский соборы во Владимире.

Церковь Покрова на Нерли построена в 1165 г. Это произведение владимиро-суздальских зодчих считается вершиной строительного искусства. Это - небольшой четырехстолпный храм. Он отличается сильно вытянутыми вертикальными пропорциями, что придает ему необыкновенную легкость и изящество. Замечательный декор из многоступенчатых лопаток и оконных проемов придает зданию нарядный и элегантный вид..
Успенский собор, как главный собор Владимира, был построен еще князем Андреем Боголюбским на самой высокой точке в городе. Его план имел правильную геометрическую структуру, а стены и столбы были гораздо тоньше, чем в более ранних постройках. Это обеспечило свободный и просторный интерьер, пышно убранный позолотой, росписью и шитьем.

К XIII веку на Руси сложились два технически самостоятельных типа строительства - из дерева и камня.Если приемы каменного зодчества пришли вместе с христианством из Византии, то плотницкое искусство сформировалось в недрах русской национальной культуры.

Пантеон и Колизей – отражение славы и величия Древнего Рима (б.16 в.1)

В 70—80 гг. н.э. был сооружён грандиозный амфитеатр Флавиев, получивший название Колизей (от лат. colosseus — “громадный”). Он был выстроен на месте разрушенного Золотого дома Нерона. Колизей явился вполне светским зданием. Римский Колизей представлял собой огромную чашу со ступенчатыми рядами сидений, замкнутую снаружи кольцевой эллипсовидной стеной. В амфитеатрах давали разные представления: морские бои, сражения людей с экзотическими зверями, бои гладиаторов. Колизей — самый большой амфитеатр античной эпохи. Он вмещал около пятидесяти тысяч зрителей. Внутри шли четыре яруса сидений, которым снаружи соответствовали три яруса аркад. Четвёртый ярус был глухим, с пилястрами — плоскими выступами на стене. В солнечные дни над Колизеем натягивали огромный парусиновый навес — велум, или веларий. Внутри Колизей очень конструктивен и органичен, целесообразность сочетается в нём с искусством: он воплощает образ мира и принципы жизни, которые сформировались у римлян к I в. н. э.

Во II в. был создан один из самых духовных памятников мировой архитектуры. Пантеон — “храм всех богов” — и сейчас стоит в центре Рима. Это единственный памятник, не перестроенный и не разрушенный в Средневековье. Снаружи он представляет собой огромный цилиндрический объём, к которому пристроен глубокий портик. Прежде в Пантеон входили через стоявшую на его площади триумфальную арку. Она была символическим знаком приобщения к божественному. Внутри же Пантеон совсем иной. Он имеет двухъярусную стену с колоннами и нишами, прорезанную сводчатыми арками. На втором, меньшем и более плоском ярусе стоит купол. Его мощь зрительно облегчают пять рядов перспективных кессонов (квадратных углублений) и верхний проём диаметром девять метров. Огромное затемненное пространство Пантеона (свет поступает только через отверстие в верхней части купола) производит впечатление таинственности.

Оружие ближнего боя (меч, копьё, булава, кистень) и доспехи (кольчуга, шлем, щит) Древних Славян (б.16. в.2)

Арсенал Древней Руси был весьма разнообразен. На вооружении находились несколько типов оружия.

Меч принадлежит к длинноклинковому типу оружия, основными элементами которого являются эфес и непосредственно клинок. Клинок меча имеет, как правило, двустороннюю заточку, т.е. обоюдоострый. Характерная особенность русских мечей – декоративное острие, которое не затачивалось вплоть до ХIII века, так как удар был, в основном, рубящим и наносился с огромной силой. Гарда была преимущественно крестообразной. На вершине эфеса находилось яблоко.

Копье – излюбленное оружие русских ратников и ополченцев – представляло собой насаженный на длинное, 180-220 см, древко, изготовленное из прочной древесины, стальной (булатный) или железный наконечник. Вес наконечника составлял 200-400 граммов, длина – до полуметра.

Ударное оружие относится к оружию ближнего боя. Булавы, палицы и шестоперы — оружие боевое. Применялся ли в войске кистень — увесистая металлическая гирька, прикрепленная к концу ремешка, длиной около 50 см. Булавы представляли собой короткий жезл, на конец которого насаживался массивный набалдашник.

До появления шлемов и кольчуг у древних славян защитными средствами служили щиты. Щит был символом военной победы. Ранние щиты были деревянными, плоскими, состоящими из нескольких обтянутых кожей дощечек. В центре пропиливалось круглое отверстие, которое снаружи закрывалось выпуклой металлической бляхой. На противоположных сторонах щита закреплялась планка для того, чтобы щит можно было держать рукой. Щиты делались из железа, дерева, камыша, кожи.

Древняя «броня», защищавшая тело воина, имела вид рубашки, длиной до бедер, и была сделана из металлических колец («кольчуга») или пластин («броня», а позднее – «панцирь»). «Кольчатая броня» состояла из железных колец, которые были попеременно склепаны и сварены между собой.

Шлемы употреблялись на Руси начиная с Х века. Более простые шлемы – без дополнительных защитных частей для лица – стягивались внизу обручем. На нем проделывались отверстия для кольчужного «ожерелья» для защиты шеи. С XII века шлемы стали снабжаться наносником, вырезами для глаз – полумаской или маской.

Характеристика творчества Микеланджело (б.17 в.1)

Микеланджело (1475-1564) - несомненно, один из наиболее вдохновенных художников в истории искусства, наиболее мощная фигура итальянского высокого возрождения. Микеланджело сумел внести поистине эпохальный вклад во все разделы изобразительных искусств. Будь то скульптура, живопись, графика, архитектура - трудно сказать, в какой из этих областей его вклад оказался наиболее весомым.

Человек в созданиях Микеланджело запечатлен в решающие минуты жизни, в моменты, когда определяется его судьба и когда личная доблесть возвышает его деяние на уровень подвига. Поэтому герои Микеланджело предстают в титаническом напряжении сил в моменты победы, или же в своей героической гибели.

Всем своим искусством Микеланджело показывает, что самое красивое в природе — это человеческая фигура, более того, что вне ее красоты вообще не существует. И это потому, что внешняя красота есть выражение красоты духовной, а человеческий дух опять-таки выражает самое высокое и прекрасное в мире. В скульптуре в ряде случаев Микеланджело использовал бронзу и дерево, но подавляющее число его работ исполнено в мраморе.

В Риме он создал первую крупномасштабную скульптуру - Вакха более чем в натуральную величину. Одна из сделанных скульптором работ на языческий, а не на Христианский сюжет.

Примерно в то же время Микеланджело выполнил мраморную скульптуру Пиета (Оплакивание Христа) (1498-1500), которая до сих пор находится в первоначальном месте - в Соборе Св. Петра. Это одна из наиболее известных работ в истории мирового искусства. Это - единственная работа, которую он подписал. Молодая Мария изображена с мертвым Христом на коленях - образ, заимствованный из североевропейского искусства. Взгляд Марии не настолько печален, насколько торжественен. Это высшая точка творчества молодого Микеланджело.

Не менее значимой работой молодого Микеланджело стало гигантское (4.34 м) мраморное изображение Давида (Академия, Флоренция), выполненное между 1501 и 1504, после возвращения во Флоренцию.

В 1505 году Микеланджело был вызван в Рим к Римскому Папе Юлию II для выполнения двух заказов. Наиболее важной была фресковая роспись свода Сикстинской Капеллы. Работая лежа на высоких лесах прямо под потолком, Микеланджело в период с 1508 по 1512 год создал самые прекрасные иллюстрации к некоторым библейским сказаниям.

С 1536 по 1541 год Микеланджело работал в Риме над росписью алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане. Самая большая фреска Эпохи Возрождения изображает день Страшного суда.

Христос, с огненной молнией в руке, неумолимо разделяет всех жителей земли на спасенных праведников, изображенных в левой части композиции, и грешников, спускающихся в Дантов ад (левая часть фрески).

В 1546 году Микеланджело был назначен главным архитектором строящегося Собора Св. Петра в Ватикане. Завершение строительства Собора Св. Петра стало высшим достижением флорентийского мастера в области архитектуры.

В течение своей длинной жизни Микеланджело был близким другом принцев и римских пап, от Лоренцо Де Медичи до Льва X, а также многих кардиналов, живописцев и поэтов. Характер художника, его жизненную позицию трудно понять через его произведения - настолько они разнообразны. Разве что в поэзии, в собственных стихах Микеланджело чаще и глубже обращался к вопросам творчества и своего места в искусстве.

Особенности русской живописи XVIII в. в произведениях Рокотова, Левицкого, Боровиковского (б.17 в.2)

XVIII век в России - это время расцвета искусства. Рядом с именами корифеев русской науки и литературы - Ломоносова, Фонвизина, Радищева, Державина стоят имена русских художников - Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, Шибанова.

В XVIII веке в живописи начинает преобладать реалистическое направление. Героем искусства становится живой и мыслящий человек. В это время формируются новые жанры живописи: исторический, пейзажный, бытовой.

Федор Степанович Рокотов (1735-1808) - выдающийся мастер камерного портрета, т.е. погрудного изображения модели, где все внимание художника сосредоточено на лице портретируемого. Главное для Рокотова - показать внутренние переживания человека. Рокотов был превосходным мастером женского портрета. Женские образы художника преисполнены чувства внутреннего достоинства и духовной красоты, они величественны и гуманны. Его кисти принадлежат портреты Н.Е. и А.П. Струйских (1772г.), "Неизвестного в треуголке" (начало 1770-х гг.), "Неизвестной в розовом платье" (1770-е гг.).

Среди других художников XVIII века можно отметить творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825. Его полотна выделяются подчеркнутой лиричностью, вниманием к миру личных переживаний человека. Он написал такие картины, как "Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке" (1794г.) и "Портрет Д.А. Державиной" (181Зг.), как отечественный вариант английского "портрета - прогулки". Сентиментализмом проникнуты женские образы художника - портреты М.И. Лопухиной (1797г.), Е.А. Нарышкиной (1799г.), Е.Г. Темкиной (1798г.). В композиции полотен большую роль художник отводил пейзажу.

На портретную живопись восемнадцатого века значительное влияние оказал Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого воплотилась самая суть российского века Просвещения, чей расцвет приходится на екатерининское царствование.

Творчество Левицкого демонстрирует, что Россия окончательно вошла в европейский круг. Никто так сочно не пишет вещественный мир, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей. Левицкий писал портреты так, как того требовали нормы эпохи. Модели непременно должны были быть представлены в наивыигрышном свете. Портретируемые изображались обычно в роскошной одежде, парадных мундирах, в звездах и орденских лентах. Однако сквозь эту феерию богатства и парад чинов внимательный зритель может увидеть живые и полнокровные образы незаурядных людей.

Особенности романской архитектуры (б.18 в.1)

э Романский стиль (от лат. romanus — римский) — художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) в X—XII веках, один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства. Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы).

Здание всегда гармонично вписывалось в окружающую природу, и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами.

Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня — донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.

Особенности архитектуры романского собора:

● В основе плана — раннехристианская базилика

● Увеличение восточной алтарной части храма

● Увеличение высоты храма

● Замена потолка каменными сводами.

● Своды были 2 видов: коробовые и крестовые

● Тяжелые своды потребовали мощные стены и колонны

● Основной мотив интерьера — арки

● Тяжесть романского собора «угнетает» пространство

● Простота конструкции, сложенной из отдельных квадратных ячеек.

Сравнительная характеристика Новгородской и Московской иконописных школ (б.18 в.2)

Новгородская иконопись 14 века развивалась медленно. На иконах, как правило, было изображение одного святого. Но если писалось несколько святых, все они изображались строго в фас, не были связаны между собой. Такой прием усиливал воздействие. Иконы этого периода новгородской школы характеризуют лаконичная композиция, четкий рисунок, чистота красок, высокая техника. Отличительной особенностью новгородской иконописной школы является смелость и жизнерадостность колорита, ковровая плоскостность изображения. Новгородские образы напоминают деревянную скульптуру, а сочетания цветов – народную праздничную ткань. С конца 14 века икона в новгородской живописи занимает ведущее место, становится главным видом изобразительного искусства.

Московская школа сложилась и интенсивно развивалась в эпоху усиления Московского княжества. Живопись московской школы в 14 веке представляла синтез местных традиций и передовых течений византийского и южнославянского искусства (иконы «Спас Ярое Око» и «Спас оплечный», 1340 г., Успенский собор Московского Кремля). Расцвет московской школы в конце 14 — начале 15 вв. связан с деятельностью выдающихся художников Феофана Грека, Андрея Рублева, Даниила Черного. Традиции их искусства получили развитие в иконах и росписях Дионисия, привлекающих изысканностью пропорций, декоративной праздничностью колорита, уравновешенностью композиций.

Особенности готической архитектуры: кафедральный собор и его конструкция, интерьер, символика (б.19 в.1)

Готикой называют исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIII-XV вв. Готика - венец средневековья, это яркие краски, позолота, сияние витражей, взлетающие в небо колючие иглы шпилей, симфония света, камня и стекла... Готический стиль быстрее развивался там, где укреплялась духовная и светская, королевская власть, концентрировались материальные средства в руках могущественных заказчиков.

Одной из главных особенностей готического стиля стала дематериализация формы. Тяжелый и твердый камень, он превращался в легчайшее кружево резьбы. Архитектура готического собора - символ бесконечности. Его художественный образ, вопреки обыденным представлениям, выражает мистическую тягу души к неведомому, загадочному... Художественный секрет готической архитектуры состоит в том, что ее «зрительная конструкция» не совпадает с действительной. Строители стали применять крестовые своды, получаемые пересечением двух полуцилиндров под прямым углом. Такая конструкция более совершенна, она переносит тяжесть перекрытия со всей плоскости стены на угловые опоры. Но вес каменных сводов был слишком велик: в отдельных случаях их толщина доходила до двух метров. В поисках облегчения свода строители стали усиливать каркасные арки, образующиеся на пересечениях крестовых сводов, а заполнение делать более тонким. Каркасные арки называли нервюрами. Высокие стрельчатые арки, ребристые своды и каркасная система позволяли перекрывать огромные пространства, бесконечно увеличивать высоту кафедральных соборов, собирать под его сводами множество людей. Усиливающийся боковой распор при увеличении высоты здания удавалось компенсировать системой наружных опорных столбов, связанных с пятами сводов наклонными арками. Освобождение стен от нагрузки позволяло прорезать их огромными окнами — это стимулировало искусство витража. Интерьер храма становился высоким и светлым. Мы видим ряды тонких пучков колонн, вершины которых теряются в дымке парящих над головой, сводов, их тонкие ребра расходятся как загадочные цветы. Стены, кажется, исчезают в потоках света, льющихся из огромных окон с цветными стеклами. На самом же деле своды неимоверно тяжелы и давят огромным весом, опираясь на опорные столбы, вынесенные за пределы интерьера и потому невидимые для зрителя, находящегося внутри.

Соборы строились столетиями, на возведение ихтратились огромные средства, время, силы и жизнь тысяч людей. Собор Парижской Богоматери (Notre Dame de Paris) заложен в 1163 г., строился более двухсот лет и достраивался до конца XIV века.

Одной из важных особенностей готики является слияние архитектуры и скульптуры, создающее множественность таинственных пластических образов. Готический собор наполнен пластикой снаружи и внутри. В больших кафедральных соборах насчитывают до двух тысяч скульптурных изображений! Статуи, рельефы, ажурные орнаменты снаружи и внутри собора ярко раскрашивались, глаза статуй инкрустировались свинцом. К ним тносились как к живым: фигурам святых поклонялись, а изображения адских сил и фантастических чудовищ наводили ужас.
Особая роль принадлежала цвету. Готика ярка и красочна. Цветные стекла витражей в интерьерах кафедральных соборов дополнялись пестрыми шпалерами, живыми цветами, блеском золота церковной утвари, сиянием свечей и яркой одеждой заполнявших собор горожан.

Рождение Библии. Её назначение и особенность текстов (б.19 в.2)

Би́блия («книга») — собрание священных текстов христиан, состоящее из Ветхого и Нового Завета. Библия родилась так же, как рождается